tag:blogger.com,1999:blog-29126814756341215232024-03-10T03:45:35.330+01:00La manzana de la discordiaDialogaremos sobre exposiciones y otros aspectos del arte de todos los tiempos.Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.comBlogger80125tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-88541050986169526412023-12-18T21:05:00.000+01:002023-12-18T21:05:18.574+01:00Yves Klein, el IKB y las Antropometrías. <div style="text-align: justify;">Después de este parón, volvemos a la carga para adentrarnos de nuevo en este apasionante mundo que es el mundo del arte. Un mundo hipnótico, motivador y lleno de preguntas que en ocasiones carecen de respuestas certeras. El arte sirvió para transmitir ideas, para divulgar estilos, para concienciar de diferentes problemas que acuciaban y acucian a la sociedad de todos los tiempos y para deleitarnos en la mayoría de las ocasiones. Pero el arte también fue experimentación, y dentro de este gran campo experimental encontramos la obra de Yves Klein. Cuando oímos su nombre siempre acude a nuestra mente un color, todos sabéis que color es ¿verdad? Exacto el azul, un azul con apellido, el apellido de su creador, el azul Klein o también conocido como el IKB (Internacional Klein Blue). Un color azul intenso, puro, sin gradaciones de otras tonalidades, conseguido a través del uso de una resina que funciona como aglutinante del pigmento y que le proporciona la fuerza que caracteriza a este color.
Klein patentaría este tono y comenzaría a utilizarlo como elemento sobre el que pivotarían todas sus composiciones. El color convertido en el leitmotiv de su obra. Poco se habla de la importancia que el color tiene en las obras de los artistas, siempre nos fijamos en el tema, pero ¿y si el color es el tema en si mismo y no los objetos, personajes o líneas que aparecen en la composición? A partir de ahora, cuando veáis una obra, preguntaos que importancia tiene el color en ella, que quiere expresar el artista, porqué utiliza ese color y no otro. Fijaos en la técnica, en las novedades que aporta, en el motivo que lleva a un creador a utilizar una técnica u otra. Volvamos al azul Klein. Será en la década de los 40 del siglo pasado cuando nuestro artista comience a utilizar la monocromía en sus obras. A finales de la década siguiente, solo un año después de haber realizado su primera exposición pública, la Galería Colette Allendy, de París, organiza la exposición <i>Yves, Proposition Monochromes.</i> Las obras de esta muestra eran lienzos pintados por completo en un solo color, azul, rosa o dorado. Podemos pensar, que pintar un lienzo en una sola tonalidad podía no ser arte, pero Klein se sirve de las diferentes texturas para conseguir transmitir la experiencia de la sensibilidad. Según sus propias palabras "[...] la sensibilidad nos permite perseguir la vida al nivel de sus manifestaciones materiales [...]" </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBdSwXU8cYZqDz9V7AaAgyblAvOpa_-hD5YpsZnEc5hXsGiomlZZXbQuvvKri8extAEpsdxjvFCcjCj4fIURxUwofum91rCWaIbfqt2ayZZqUORA1XCNpoPXELmaBSqEPYKtAWYnnArmRWXdoBcNXoVA8KYBDagx8TCaohWDpTliR1i6B7m3snflO-/s283/IKB_191.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="283" data-original-width="220" height="283" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBdSwXU8cYZqDz9V7AaAgyblAvOpa_-hD5YpsZnEc5hXsGiomlZZXbQuvvKri8extAEpsdxjvFCcjCj4fIURxUwofum91rCWaIbfqt2ayZZqUORA1XCNpoPXELmaBSqEPYKtAWYnnArmRWXdoBcNXoVA8KYBDagx8TCaohWDpTliR1i6B7m3snflO-/s1600/IKB_191.jpg" width="220" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">IKB 191</td></tr></tbody></table><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero la experimentación en el campo del color se acompañó de la experimentación en la técnica. Justo un año después de la exposición de "los monocromos", en 1958, Klein comienza a utilizar la técnica denominada <i>pinceaux vivants</i>, o dicho de otro modo, pinceles vivientes, es decir, se sirvió del cuerpo de una mujer al que embadurnaría por completo de azul y la haría rodar por un papel, dejando así la impronta de su cuerpo, pero no de una forma aleatoria, sino que Yves iba dirigiendo el movimiento de la modelo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjp5yy1XSNJ0CWRqf6DaRhNFOYKTRHUEVKCdi4BqcUsFE4601A5aN_v5GsEhGLAkxLz5NU_YGp666JYTZjoNBzBAjAymBSOj_LFXht76pjJZ25azljqeK3bI1xyjYt4jC5rUWymoNDgrVey_k10O-HCV0F5BGVZFMQSwpdVwxu2hhhMW5xvzPzC5mZI/s1600/photo_file_3534.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1062" data-original-width="1600" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjp5yy1XSNJ0CWRqf6DaRhNFOYKTRHUEVKCdi4BqcUsFE4601A5aN_v5GsEhGLAkxLz5NU_YGp666JYTZjoNBzBAjAymBSOj_LFXht76pjJZ25azljqeK3bI1xyjYt4jC5rUWymoNDgrVey_k10O-HCV0F5BGVZFMQSwpdVwxu2hhhMW5xvzPzC5mZI/s320/photo_file_3534.jpg" width="320" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Parece ser que la idea de utilizar esta nueva forma de pintar, provenía de la práctica del judo, ya que los cuerpos al caer sobre el tatami dejaban la huella de su caída. Tengo que añadir que Yves Klein era maestro de judo y que este deporte estaría en la base no solo de la técnica de los pinceles vivientes, sino también de una especie de performance en las que practicaba el salto al vacío. La utilización de nuevas técnicas no era algo novedoso en la obra de Yves ya que desde sus inicios decidió prescindir del pincel al que consideraba "excesivamente psicológico" prefiriendo el uso primero de esponjas naturales y luego de rodillos, ya que a través de ellos podía poner distancia entre la obra y el artista. Pensad que la preferencia en la utilización de los diferentes pinceles y la forma de dar las pinceladas o la pastosidad que deja en el lienzo, es una marca que sirve para caracterizar a los artistas. La idea de los pinceles vivientes ahondaba en la búsqueda de esa escisión entre el artista y la obra. Klein consideraba que el arte tiene que ser concebido como separado de cualquier medio o técnica particular. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgch9-wNPfOFMnEXDmS6EffO2Kc9IAxQqZmO1zrrDFmN4Sy60Low5dFi7_9cYbaeK3xPQkT93WwmEQ9d-hDcfXZbQiF05HgF40dRXueaclJdugTQIjLNPeGlQGgmq_tqfH5ERisdd4dsy1bAqQbB-5YvFxGAQKzekfIKw7DhFpKMSZt134awC5fSyXe/s2710/2c6d356c3449dcf723514d78e363bb7e.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1298" data-original-width="2710" height="153" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgch9-wNPfOFMnEXDmS6EffO2Kc9IAxQqZmO1zrrDFmN4Sy60Low5dFi7_9cYbaeK3xPQkT93WwmEQ9d-hDcfXZbQiF05HgF40dRXueaclJdugTQIjLNPeGlQGgmq_tqfH5ERisdd4dsy1bAqQbB-5YvFxGAQKzekfIKw7DhFpKMSZt134awC5fSyXe/s320/2c6d356c3449dcf723514d78e363bb7e.jpg" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><br />Antropometría de la Época Azul <br />Centro Pompidou </td></tr></tbody></table><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En 1960 patenta el IKB y es ese año en el que las Antropometrías se convierten en las obras más deseadas del artista, un título dado por el crítico francés y fundador del movimiento Nuevo Realismo, Pierre Restany, y que caracterizan la Época Azul. Estas antropometrías no eran obras que se realizasen en un estudio, sino que eran perfomance, es decir arte de acción, que en algunos de los casos fueron públicas, como la que se llevaría a cabo en la Galería Internacional de Arte Contemporáneo del conde Arquian. Imaginad esta puesta en escena en la que unas modelos que previamente cubren su cuerpo de esa tonalidad característica, dejan su impresión en un lienzo colocado en vertical. Los movimientos de las modelos eran dirigidos por el propio Klein vestido con esmoquin cual director de orquesta. Movimientos lentos y armónicos que dejaban la huella de sus muslos y torsos los cuáles al ser presionados o arrastrados sobre el papel creaban marcas no solo de estas partes del cuerpo, sino también otras dinámicas pero también estáticas. Esa "danza" se ejecutaba al ritmo de la Sinfonía Monótona Silencio, creada por el propio Klein en 1948. Con esta Sinfonía, Klein buscaba expresar la idea del silencio que llega después de los sonidos ejecutados tras la interpretación. Un silencio que podría traer la felicidad en un período de tiempo cuya duración podría ser inconmensurable. Tras la performance se abría el debate sobre la ritualidad en el arte. Una ritualidad que estaba presente desde el inicio de la creación artística de las Antropometrías. Esta serie no tiene que ser vistas como una técnica que puede recordarnos a las Decalcomanías de Oscar Domínguez y que caracterizaron el Surrealismo Automático, sino que en el caso que nos ocupa, sí que se busca una creación dirigida y no dejada al azar. A esto hay que añadir dos ideas más, la primera al utilizar el cuerpo de la mujer lo que buscaba era dar una nueva lectura, de un tema, que estaba tan manido en la creación artística y la segunda tiene que ver con el significado de la antropometría en sí y que está muy relacionado con esas nuevas sensaciones o sensibilidades. Si no buscaba plasmar la representación real de un cuerpo, tampoco buscaba la figuración. Para Klein la antropometría era la plasmación de la fuerza vital, de una ritualidad donde de nuevo busca el aislamiento entre creador y obra, a pesar de ser el maestro de obras que dirige la composición, y que podríamos relacionar con la idea de la obra de arte total. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El azul intenso no solo fue utilizado para estas obras, también realizaría esculturas como la Victoria de Samotracia S9 que se conserva en el Museo Nacional Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Yves Klein se fue pronto, pero su obra concentrada en tan solo 7 años, se convirtió en la avanzadilla de otras manifestaciones que buscaban la subversión en el arte. Sus originales creaciones están en la órbita de otros movimientos como el Dadaísmo, el Arte Conceptual o el Body Art al que seguro que os ha recordado a medida que describíamos la técnica del pinceaux vivant. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Os recomiendo que busquéis la performance y disfrutéis del arte de acción de un artista como Yves Klein. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br />Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-48504497520039503432020-11-19T14:07:00.001+01:002020-11-19T16:50:48.065+01:00Brassaï y los grafiti parisinos. <p style="text-align: justify;"> En la actualidad existe una gran controversia sobre el valor de los grafiti, quizá por cierta consideración denostada de lo que hemos venido a denominar "arte callejero" o street art. Pero como dice ese proverbio, nada es nuevo bajo el sol. </p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgevBDOhBDrUGMSwjo0lc3m3chPAnWTXnvF-ZAaxZreEahC6cGOy4KNkmhQ47sSuqE0jIc7Cjkfay3nhWEqplDDy2RValdtprxoDZlSmNgIV8Yl9eJbAUT0nC61FYtRB7ahtqIlOV8f_g/s1024/on_the_boulevard_saint_jacques_1930_1932_c_estate_brassai_succession_paris_W1234_H1600_H1600_Q85.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="790" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgevBDOhBDrUGMSwjo0lc3m3chPAnWTXnvF-ZAaxZreEahC6cGOy4KNkmhQ47sSuqE0jIc7Cjkfay3nhWEqplDDy2RValdtprxoDZlSmNgIV8Yl9eJbAUT0nC61FYtRB7ahtqIlOV8f_g/s320/on_the_boulevard_saint_jacques_1930_1932_c_estate_brassai_succession_paris_W1234_H1600_H1600_Q85.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Boulevard Saint Jacques, 1930-2.</td></tr></tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p style="text-align: justify;">Hagamos, una vez más, un viaje en el tiempo, y de nuevo, como en otras entradas, trasladémonos a París. París bien vale una misa, parece que dijo Enrique IV y por eso volamos hacia allí. Una vez que estamos ubicados en el espacio, vamos a hacerlo también en el tiempo. La década de 1930 será nuestro momento y por último como si de un cuento se tratase, nuestro pasos errantes se encuentran en plena calle con un fotógrafo, Gyula Halász o sencillamente Brassaï. El ojo de parís está fotografiando una pared llena de dibujos incisos, casi infantiles, corazones, rostros esquemáticos, todas aquellas impresiones anónimas y populares que se iba encontrando en sus salidas y que animaban las callejuelas parisinas. Tenemos todos los componentes de una nueva manzana, solo nos queda desarrollarla. Acordaos seguimos estando en el París de los años 30 y nuestro objetivo los grafiti de Brassaï y su consideración dentro del mundo del arte y de lo que denominamos street art. </p><p style="text-align: justify;"><br /></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwgRCtGJjgEMomj90uXJ47cWWNJ78r6jS_OLlaMO5fzfSk3dX8LI9T1a9rEhQZdnM9LMbPqvya-5Y63uH2wzogy0h0REJuLdaD6B65K2FgGCMuy3rT0A4wfJ4ofY0awPoSOm6_qEQSVQ/s2048/AD06057.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1573" data-original-width="2048" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwgRCtGJjgEMomj90uXJ47cWWNJ78r6jS_OLlaMO5fzfSk3dX8LI9T1a9rEhQZdnM9LMbPqvya-5Y63uH2wzogy0h0REJuLdaD6B65K2FgGCMuy3rT0A4wfJ4ofY0awPoSOm6_qEQSVQ/s320/AD06057.jpg" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Serie IV: el amor<br />Brassaï (Gyula Halász)<br />@Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.</td></tr></tbody></table><p style="text-align: justify;"><br />En los años 30 el mundo no era una fiesta, ya que diversos acontecimientos estaban marcando una década con importantes repercusiones económicas, sociales y políticas. Por un lado, la década se inauguraba con una de las mayores crisis económicas hasta entonces vivida, la Gran Depresión, que llevaría al colapso de los sistemas financieros y a la hambruna de miles de familias. "Las uvas de la ira", de Steinbeck, muestra la desolación por la que atravesaría el gigante americano y el sueño por una vida mejor. Junto a esto, diferentes países, entre ellos España, ven sucederse conflictos bélicos, insurrecciones, golpes de Estado y revueltas que desembocan en el auge de los totalitarismos. Con este panorama los años 30 no podían terminar bien, y el 1 de septiembre de 1939 los ciudadanos del mundo asisten impávidos a la invasión de Polonia por parte de los alemanes, dando comienzo a la Segunda Guerra Mundial. La cultura, el arte, no será ajena a estos acontecimientos y por ejemplo, en 1937, Picasso pinta "El Guernica", un encargo de la República española para el Pabellón español de la Exposición Internacional de París de ese mismo año, diseñado por Josep Lluis Sert y Luis Lacasa. Cuentan que una vez invadido París, los nazis llamaron a la puerta de Picasso como hacían en repetidas ocasiones, intentando que el malagueño pudiese delatar a alguno de sus colegas judíos o a miembros de la Resistencia francesa. Picasso siempre repetía el mismo gesto, les daba una tarjeta con la imagen de El Guernica. Pero en una ocasión, el oficial de la Gestapo al ver la imagen le preguntó: "¿Esto lo ha hecho usted? A lo que el artista respondió: "No, esto lo han hecho ustedes". Imagino que a partir de este momento, la animadversión que Hitler y sus secuaces tenían por Picasso y por lo que ellos consideraban "arte degenerado", fue creciendo. Pero en París, en esa década, también se dan cita marchantes como Gertrude Stein, escritores como Henrry Miller, que se trasladaría a la ciudad de la luz, buscando nuevos mercados, nuevas amantes y nuevos escándalos. El será quién apode a Brassaï como "el ojo de París". Y en este ambiente, comenzará a fotografiar todos aquellos muros que se interponían a su paso. Considerado miembro del grupo surrealista, las fotografías de esas imágenes callejeras fueron publicados en la revista Minotaure, órgano de difusión de la última Vanguardia del primer tercio del siglo XX. </p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvehUrrY_tKE07bzYZZV98eFMfXEogYPKOpxifjr0ubqCIxkX2rmhYScCAkvrhITrtdcF1MGmNRljWnG0BwqY4RvJt8feQvCr6zpqLbOJUh236WGr3a2TV35-NoF_XcUmMMu1LAiBLYA/s676/minotarure-andre-derain.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="676" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvehUrrY_tKE07bzYZZV98eFMfXEogYPKOpxifjr0ubqCIxkX2rmhYScCAkvrhITrtdcF1MGmNRljWnG0BwqY4RvJt8feQvCr6zpqLbOJUh236WGr3a2TV35-NoF_XcUmMMu1LAiBLYA/s320/minotarure-andre-derain.jpeg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Portada realizada por André Derain. </td></tr></tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p style="text-align: justify;">La atracción que los surrealistas y Brassaï sentían por estos grabados incisos, parte del primitivismo de los mismos, que en ocasiones pueden incluso recordarnos aquellas imágenes de animales, huellas de manos, trazos incisos y rellenos con pintura o arqueros que hicieron nuestros antepasados en los abrigos de cuevas como Altamira o en Ojo Guareña, entre muchas otras. Y su significado no dista mucho del supuesto significado que los hombres de la Prehistoria, aquellos primeros habitantes del mundo, quisieron plasmar, su deseo de caza a través de lo que han denominado la magia simpática, o sus creencias, así como posibles mapas de las cuevas. En los años 30, los grafitis que inmortalizó Brassaï también buscaban expresar deseos o creencias, aunque actualizados al momento que cada uno vivió. O simplemente, buscaban ser una forma de expresión, como también lo fueron las primeras manifestaciones artísticas. Y el fotógrafo húngaro sabía eso, tanto es así, que decidió plasmarlas en sus series fotográficas, ya que como él llegó a decir, si no se hacia se perdería. Actuó como un recolector de imágenes, como ya estaban haciendo los etnógrafos. Esa idea nos habla de una consideración de esos dibujos esquemáticos como verdadero arte y el deseo de documentar, de dejar constancia, de unas manifestaciones, en ocasiones extravagantes, que formaban parte del colectivo parisino. Pero como todo, para nuestro fotógrafo estas imágenes trascendían más allá del simple hecho de ser expresiones de lo popular. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWiGlz7WH_ZTexAOBH1DAs58gW6wN4kUhXoXLk6GAahD60qaI1xXXEVvdEg3ZPeMPP1MuU1Yk7IOSZlUZzzUuaS871MMm3r5pwdDuZDjKiPwS88eL4nkdGn-hjrTiYN9m7W8ZF20z_hg/s244/descarga.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="244" data-original-width="207" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWiGlz7WH_ZTexAOBH1DAs58gW6wN4kUhXoXLk6GAahD60qaI1xXXEVvdEg3ZPeMPP1MuU1Yk7IOSZlUZzzUuaS871MMm3r5pwdDuZDjKiPwS88eL4nkdGn-hjrTiYN9m7W8ZF20z_hg/s0/descarga.jpg" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p style="text-align: justify;">Dos elementos aparecen unidos a estas formas de expresión, por un lado ser futo del encuentro casual, del azar y por otro su relación con las corrientes existencialistas. El azar es un concepto que aparece íntimamente ligado con el Surrealismo, concretamente André Breton acuñaría un concepto que fue el del "azar objetivo". La expresión proviene de Engels, pero él la adoptará y adaptará para el movimiento artístico. Podría definirse como el encuentro fortuito entre lo que nosotros queremos y la vida puede ofrecernos. Este fenómeno, denominado también de la sincronicidad por filósofos como Carl Jung, no tendría tanto de casual o de encontradizo, no tendría tanto de azar. Si seguimos investigando en el concepto, podríamos definirlo como algo que deseamos que suceda y finalmente sucede, ¿una especie de poder mental? o ¿un deseo del inconsciente que se nos materializa en un suceso coincidente en el tiempo? Es decir, posiblemente Brassaï ya conocía esas imágenes grabadas en las paredes, al salir a fotografiarlas caminaría errante con el objetivo de encontrar más, y ahí es donde intervendría el azar, ya que al dar la vuelta a cualquier esquina se encontraría con alguna de ellas. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCaD5YEn6tsCfW6tgvP7BzMCeekcwx2Q1lwMqWJZY0il45fuqHT3xm0UDoMSlazscrjxvmbSYC1OAKQQkrQwes5KkHs6s9yCb-8AlLVCwUErjRHph-ptU0Gzl9U7AA9WNtqwiaFRHH8A/s439/Les-Escaliers-de-Montmartre-Paris-1930-Brassai.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="439" data-original-width="300" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCaD5YEn6tsCfW6tgvP7BzMCeekcwx2Q1lwMqWJZY0il45fuqHT3xm0UDoMSlazscrjxvmbSYC1OAKQQkrQwes5KkHs6s9yCb-8AlLVCwUErjRHph-ptU0Gzl9U7AA9WNtqwiaFRHH8A/s320/Les-Escaliers-de-Montmartre-Paris-1930-Brassai.jpg" /></a></div><p style="text-align: justify;">Pero hay otro concepto que el fotógrafo proyectaría sobre estos grafitis: el pensamiento existencialista, ya que las figuras, los símbolos aunque anónimos, estaban realizados por un individuo, que la corriente existencialista reconoce como independiente del mundo que le rodea, no como un ser abstracto sino como uno concreto. Y lo que vierte en las paredes forma parte de su existencia. Ellos decían que su existencia era su esencia. Por lo tanto los grafitis, se convertían en el alma, en los trasmisores de una existencia previa y de la suya propia. </p><p style="text-align: justify;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy9jZ4uYIPBynt318A5DaGE8Dda9nFolIrdGiCCh1QAAIi0NWIHM1kJgubnYxbWzjuFJPbngeAkzkaHaISfSOhWeO6fjTg2aBbwTTuXR1STV_MwccjNx9ZO4lG0ryfwG7_Th56id1scA/s2048/AD06074_0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1626" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy9jZ4uYIPBynt318A5DaGE8Dda9nFolIrdGiCCh1QAAIi0NWIHM1kJgubnYxbWzjuFJPbngeAkzkaHaISfSOhWeO6fjTg2aBbwTTuXR1STV_MwccjNx9ZO4lG0ryfwG7_Th56id1scA/s320/AD06074_0.jpg" /></a></div><p style="text-align: justify;">Así visto el arte urbano debería ser considerado como un arte, pero en la actualidad, los grafiti son vistos como el ataque de vándalos a estructuras sociales. Si antes hablábamos de la unión con la corriente existencialista, con el significado del que los artistas dotan a sus creaciones, estas representaciones nos darían indicadores de lo que opina una parte de la sociedad sobre el sistema globalizado y establecido. ¿Hay diferencias entre aquellos primitivos grafiti que poblaban las calles parisinas y los actuales? Posiblemente sí, según mi punto de vista no, ya que ambos son expresiones de un momento muy determinado. Pero vamos a detenernos muy brevemente en el concepto street art. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpbAk6CmLn-lttZGenfqm6r31gKjjPauhTnKrbXNwDy_5WNuOdACx_Kpl2GMQ2WSIOtWZbJaS6Xu7Q6dqxxIsquzh2N-BRLjQetTtw3YnZnnncnSt_WL6SJg7haDCY4xVnUPfUATg06Q/s1024/08-Brassa%25C3%25AF.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="685" data-original-width="1024" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpbAk6CmLn-lttZGenfqm6r31gKjjPauhTnKrbXNwDy_5WNuOdACx_Kpl2GMQ2WSIOtWZbJaS6Xu7Q6dqxxIsquzh2N-BRLjQetTtw3YnZnnncnSt_WL6SJg7haDCY4xVnUPfUATg06Q/s320/08-Brassa%25C3%25AF.jpg" width="320" /></a></div><p style="text-align: justify;">Cuando Brassaï inmortalizó esas imágenes callejeras, aún el término no estaba acuñado, habría que esperar a los años 90 para que comenzasen a denominarse street art o arte urbano. Y curiosamente con ese nuevo concepto, se quieren definir los actos artísticos ilícitos que se realizaban en las calles, podíamos decir con nocturnidad y sin permiso de los que gobiernan. Yo no voy a poner etiquetas, sobre a que grupos pertenecen las personas que realizan esas imágenes, creo que no hay nada más absurdo que etiquetar. En las calles de vuestras ciudades seguramente hay o bien en los pavimentos o bien en las paredes imágenes o frases que nos trasmiten algo y que han sido patrocinadas o encargadas al artista de turno o al que está de moda o al que queremos patrocinar o el que está más cerca de nuestros ideales por vuestros ayuntamientos. Eso no se persigue...¿por qué? Fácil, porque nos están lanzando un mensaje dirigido, pero cuando ese mensaje no está dirigido nos parece que la misma manifestación artística es ilegal. ¿Al fin y al cabo no son dos formas de expresión de una misma sociedad? </p><p style="text-align: justify;">Uno de los grafiteros más famosos que quizá se nos vienen a la cabeza no es otro que, si el que todos estáis pensando: Banksy, perseguido, más quizá por conocer su identidad que por las imágenes de denuncian que cada cierto tiempo aparecen en diferentes muros de distintas ciudades. Todas esas imágenes reivindican, critican, opinan, nos informan y documentan un momento concreto de la sociedad, y como documento, al igual que los grafiti de los años 30 parisinos, tienen su validez. Es una forma de entender el mundo en el que vivimos, y las ideas de una parte de la sociedad. </p><p style="text-align: justify;"><br /></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxCPq-qnnu3QfSAEhwQtAK43tNAiyDVBZA4-P9BI0jfmUZW3s23GcuB6apGQZguTEZNGniqmY0uWV5Q5JJwxW0ue53ftDv9YL33IS33tFO8Kf-mmv_tVMAsclGAmDuFk0jPAoZDx6Wyg/s700/bansky-106-sigue-tus-sue%25C3%25B1os.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="525" data-original-width="700" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxCPq-qnnu3QfSAEhwQtAK43tNAiyDVBZA4-P9BI0jfmUZW3s23GcuB6apGQZguTEZNGniqmY0uWV5Q5JJwxW0ue53ftDv9YL33IS33tFO8Kf-mmv_tVMAsclGAmDuFk0jPAoZDx6Wyg/s320/bansky-106-sigue-tus-sue%25C3%25B1os.jpg" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Banksy<br /></td></tr></tbody></table><br /><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;">¿Qué opináis vosotros? Os recomiendo a este gran fotógrafo para que de su mano conozcáis las calles nocturnas del París de Brassaï.</p><p style="text-align: justify;">Cuidaos, el mundo está muy peligroso ahí fuera. </p>Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-6403300158824030542020-08-07T19:30:00.001+02:002020-08-07T19:32:34.086+02:00Rima XXI<div><span style="text-align: justify;">¿Qué es el arte? dices mientras clavas en mi pupila tú pupila azul. ¿Qués es el arte? ¿Y tú me lo preguntas?... </span></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Imagino que cuando habéis empezado a leer esta poesía, modificada, en seguida os ha venido a la memoria la original. Aquella famosa rima XXI, que escribiría Gustavo Adolfo Bécquer. En ella el poeta posromántico nos interrogaba sobre la poesía, sobre su función o sus características para que sea considerada como tal. Y al final, la respuesta a ¿qué es poesía? la resuelve diciendo que poesía eres tú. Es decir, cualquiera en los ojos indicados podemos ser poesía. Estas mismas ideas podríamos aplicarlas a otro tipo de arte, por ejemplo el pictórico o las ilustraciones. Cuando observamos la obra de Michael Sowa (1945), plagada de perros, gatos, osos, peces o cerditos como protagonistas únicos e indiscutibles de unas obras que en ocasiones se nos antojan humanas, podemos preguntarnos si eso que vemos es arte. La respuesta, sin duda, está en cada uno de vosotros. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitKzO80nPpSB8fCvVPAyKgin5oaAxqPZdtQbZvf1y4zpiYkiyF_Nt-iktjxuj5EJPwgII9ZKeXv77gDZte5Wwd0NRyHE8DrvjY13n5HkIwVEmSpDq8z8bSuK9ln8iWg2wisKcFZuYwVQ/s600/satellites-of-pig.jpg%2521Large.jpg" style="display: block; margin-left: auto; margin-right: auto; padding: 1em 0px;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="423" height="384" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitKzO80nPpSB8fCvVPAyKgin5oaAxqPZdtQbZvf1y4zpiYkiyF_Nt-iktjxuj5EJPwgII9ZKeXv77gDZte5Wwd0NRyHE8DrvjY13n5HkIwVEmSpDq8z8bSuK9ln8iWg2wisKcFZuYwVQ/w270-h384/satellites-of-pig.jpg%2521Large.jpg" width="270" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Satellites of pig.<br />@Michael Sowa. </td></tr></tbody></table><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Hace un tiempo descubrí a este artista, casi como se descubren todas las cosas, por casualidad. Me atrajo, no tanto el protagonismo de los animales, que también, sino sobre todo los espacios, la amplitud de muchos de ellos, el humor negro que dejaban traslucir sus obras, lo crápula, pero al mismo tiempo esa sensación de soledad tan propia de los humanos del siglo actual. Al contemplar sus obras parece que son metáforas de nuestras vidas. Los animales adquieren tamaños desproporcionados, los colores aunque quizá muy saturados, propio de las ilustraciones, crean contrastes y sombras que dotan de ese dramatismo que necesitamos para lanzar el mensaje de misterio que exhalan sus obras. Pero en realidad ¿qué nos quiere contar Michael Sowa en cada una de ellas? Estamos en el S.XXI las obras no tienen que tener un significado claro, ni siquiera tenerle. En esta ocasión ni siquiera vamos a buscarlo, tampoco lo hagáis vosotros, solo dejaos llevar, disfrutad de cada una de ellas. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Aún así, aún obviando que quiere decirnos a través de unos gatos reunidos con un pollo los cuáles están fumando como si de humanos se tratasen, la idea nos pueden recordar a las famosas fábulas de La Fontaine o de Samaniego, pero en este caso, mientas ellos utilizaban la poesía para reírse de los defectos humanos a través de los animales, Michael Sowa utiliza la poética visual de las imágenes.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfdEfmE9D4WI2gtmEGNGIjQNvUHOMEMbNSU6p1zCrlyCcacdkA6yWDiCF2RQYVrdtXTiCjl23kx0x3z5TjxNna-6psAkMsvuJgdLU090x62PjKkL_AFMdkX1i24sq4srVyGNEI8nnjtQ/s640/012fe9a3defc25ab3b32016b9d1460ad+%25281%2529.jpg" style="display: block; margin-left: auto; margin-right: auto; padding: 1em 0px;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="640" height="313" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfdEfmE9D4WI2gtmEGNGIjQNvUHOMEMbNSU6p1zCrlyCcacdkA6yWDiCF2RQYVrdtXTiCjl23kx0x3z5TjxNna-6psAkMsvuJgdLU090x62PjKkL_AFMdkX1i24sq4srVyGNEI8nnjtQ/w313-h313/012fe9a3defc25ab3b32016b9d1460ad+%25281%2529.jpg" title="No go area." width="313" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">No go Area. <br />@Michael Sowa. </td></tr></tbody></table><br /> </div><div style="text-align: justify;">Otras obras en cambio son evocadoras de otras mucho más conocidas, es decir reinterpreta a su estilo obras como "La Dama del armiño" de Leonardo o "La Isla de los muertos" de Arnold Böcklin. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1620" data-original-width="1842" height="282" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieGBZj96RYNG_sVmOyYub_hS5rbhwM7hlK0OyuoUb8VAB-kBcyfft8mfxtQQ999y6apf-wvDrlDh6BQIxYQyqxh5znrngUIzNKQY7PIV5KzhOWlo9_aQzJSPLOT2bdluRTBPZl4QEgdw/w320-h282/margarethe-hubauer-michael-sowa-002-toteninsel.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" width="320" /></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">@Michael Sowa. </td></tr></tbody></table></div><br /><br /><br /><br /><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><img border="0" data-original-height="964" data-original-width="700" height="262" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdAtSpWWgZh0Re1Iqk1aAFofc9YVMdhCxCkuDZJYjlj6T_LPvVa6eXocF8b84ZnYbyr-L7bJhdnZv1y-acDkR_abXZv6CiwgpxKRy-PhGaBMfofKfYz3eu-7Rz6KcZzPKQwAzKldRZWA/w190-h262/Michael_Sowa-herbert.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: justify;" width="190" /></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Herbert<br />@Michael Sowa. </td></tr></tbody></table><br /><br />Si os fijáis en esta "supuesta" y tuneada dama con perro, los volúmenes y la rotundidad de su rostro nos evocan al período Clásico o también llamado "grecoromano", de Pablo Picasso, más que a la obra leonardesca mucho más etérea. <br /><br /><div style="text-align: justify;">Pero no solamente reinterpreta obras que están en el disco duro de cada uno de nosotros, sino que también y en muchas ocasiones, sus ilustraciones nos recuerdan a otros artistas. Por ejemplo los espacios amplios y desolados de René Magritte o el juego elementos que se conjugan en la obra dotándola de un carácter surrealista y onírico. Los hombres con cola de pez que vuelan nos pueden evocar al lienzo "Golconda"del artista belga, en la que unos misteriosos y hieráticos hombres, tocados con sombrero (casi autorretratos del propio Magritte) están suspendidos en el aire, flotando, volando o cayendo como si de gotas de lluvia se tratase. Pero también la idea de soledad que surge de ellas podía estar en relación directa con la obra de Edward Hooper. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMxcsFuM6mxA4stHIv2COBMUvYQB8TWwu2sqlbHpJnHpGHzZxyNEDoIYsV5pVrmPWRT32MRsK3mcCEckHjgxJMm7tCq8AqM2EcrM_MoU-v40ljUfzrZdVJF_hGAbQKX0T0dwFEKwUFhA/s600/rabbit-in-front-of-the-mirror.jpg%2521Large.jpg" style="display: block; margin-left: auto; margin-right: auto; padding: 1em 0px;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="535" height="307" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMxcsFuM6mxA4stHIv2COBMUvYQB8TWwu2sqlbHpJnHpGHzZxyNEDoIYsV5pVrmPWRT32MRsK3mcCEckHjgxJMm7tCq8AqM2EcrM_MoU-v40ljUfzrZdVJF_hGAbQKX0T0dwFEKwUFhA/w274-h307/rabbit-in-front-of-the-mirror.jpg%2521Large.jpg" width="274" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Rabbit in front of mirror<br />@Michael Sowa. </td></tr></tbody></table><div style="text-align: justify;"><br /><br /></div><div style="text-align: justify;">La obra de este pintor e ilustrador berlinés la podéis ver también en películas como Amélie, pero además ha realizado diferentes portadas para la revista The New Yorker. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj187Kf9lpFPZjPppw1mr3ECljkHXhmavR9mFubR_MY-huvOxXgyRUl12ji5vIMyUpMbAv3iDZqlx43tNWZBWF7pp1Hr-qwVNfOIrWZyobJ9_ZUMh9VeTTehkJ95KZQ0_hgU9g-aU-J-g/s512/unnamed.jpg" style="display: block; margin-left: auto; margin-right: auto; padding: 1em 0px;"><img border="0" data-original-height="512" data-original-width="364" height="262" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj187Kf9lpFPZjPppw1mr3ECljkHXhmavR9mFubR_MY-huvOxXgyRUl12ji5vIMyUpMbAv3iDZqlx43tNWZBWF7pp1Hr-qwVNfOIrWZyobJ9_ZUMh9VeTTehkJ95KZQ0_hgU9g-aU-J-g/w186-h262/unnamed.jpg" width="186" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">@Michael Sowa. <br />(Película Amélie)<br /><br /><br /></td></tr></tbody></table>No sé si conocíais su obra, si es así espero haber aportado algo más a vuestro conocimiento previo, y para aquellos que la desconocieran os invito a que buceéis en su imaginario onírico, mágico, sorprendente, en ocasiones cargado de incertidumbre quizá por esa adhesión a la estética surrealista, pero siempre atrayentes y poéticas, porque no olvidéis que cada uno de nosotros somos poesía. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><br />Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-58335216807304973162020-07-29T18:02:00.005+02:002020-08-07T19:39:37.577+02:00Mi profesión, amigo, es desatar tormentas. <div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Las tormentas tienen algo de mágico. Lo bravo, enfurecido y subjetivo de su carácter se convierte en sinónimo de algunos estados de ánimos excitados y violentos. Quizá por ello los artistas del Romanticismo la eligieron como metáfora y tema de sus obras y de sus emociones. Pero la atracción sobre lo que esta desencadenaba, y no estoy hablando de lo atmosférico, lo encontramos unos años antes del desarrollo del movimiento. En el S.XVIII en Alemania, nace un movimiento literario <i>Sturm und drang </i>al que se considera precedente del Romanticismo. A través de él la batalla embravecida e impetuosa contra el Neoclasicimo y lo Racional, no había hecho más que empezar. Una lucha que se extenderá como si de una tempestad acompañada de rayos, truenos, vientos y precipitaciones intensas se tratara, desde el país germánico al resto de países europeos, primero al Reino Unido y después al resto de países. La primacía de los subjetivo, lo irracional y el individualismo, se erigen en abanderados de un movimiento al que muchos consideran el primer Ismo, el nacimiento de la Vanguardia. </div>
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A pesar de que Francia, fue uno de los últimos países en incorporarse, la veremos capitaneando esta tormenta de sentimientos, de color, de pincelada agitada y empastada, teniendo en Eugène Delacroix a su máximo exponente. Y a él, al autor de obras como <i>"La libertad guiando al pueblo"</i>, le invitamos a que forme parte de nuestro blog. Sus obras se convierten en un ejemplo inigualable de las características del Romanticismo y también del propio autor, incluso podíamos decir que su forma de tratar las obras lo que hace es aportar esas singularidades al propio movimiento, colaborando así a dotarle de unos recursos que hoy reconocemos como propios. </div><div style="text-align: justify;"><br></div><div style="text-align: justify;">Ya en su <i>"Autorretrato con chaleco verde"</i>, vemos algunas de los atributos propios del Romanticismo, como la importancia de la subjetividad que se manifiesta en la captación psicológica del retratado potenciada a través del juego de luces que dejan la mitad de su rostro en sombra. Una sombra que nos habla de un Delacroix introvertido, sensible, intelectual y altamente sofisticado. Pero también nos habla de un dandy, de un hombre elegante que busca romper las convenciones de una sociedad que comenzaba a ser moderna. Un dandy con estilo propio que logrará imponerlo en el mundo artístico. </div><div style="text-align: justify;"><br></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQzjNezjc7LCTPZs8ixrTZtCaDg2-ViTrMPUMEIG3xLecgV8yk4K67whAYwBABNM7pGaV7X3qd4AeZX3yj82CstA79VvyYW55LM6umzkJxAl5WKa6RIFgUMscd1-NTCmmrVYJdizfPxg/s1459/1200px-Eug%25C3%25A8ne_Delacroix_-_Portrait_de_l%2527artiste_%2528ca.1837%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1459" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQzjNezjc7LCTPZs8ixrTZtCaDg2-ViTrMPUMEIG3xLecgV8yk4K67whAYwBABNM7pGaV7X3qd4AeZX3yj82CstA79VvyYW55LM6umzkJxAl5WKa6RIFgUMscd1-NTCmmrVYJdizfPxg/s320/1200px-Eug%25C3%25A8ne_Delacroix_-_Portrait_de_l%2527artiste_%2528ca.1837%2529.jpg" id="id_2d69_a8ed_28d_db36" style="width: 263px; height: auto;"></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Autorretrato con chaleco verde", 1837</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">@Museo del Louvre</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br></div><div style="text-align: justify;"><br></div><div style="text-align: justify;">Aunque era el Neoclasicismo el estilo que en su formación está en auge, él opta por desmarcarse de este racional movimiento y prefiere inspirarse en el Barroco, en la pincelada suelta y empastada que ya por si misma es pura subjetividad. Rubens, Velázquez o el genial maestro Rembrandt están en la base de su formación. El preciosismo de la luz que trasmite, no solo como cualidad sino también como exotismo, lo toma de sus viajes al Norte de Africa. Esa luz que años después también impresionaría a Mariano Fortuny el cual además, como hiciesen los primitivos flamencos primero y Velázquez después, se dieron cuenta de que el aire jugaba un papel trascendental en la observación de los elementos, a los cuales confería una atmósfera especial. En el caso de Fortuny, este observó que la sequedad del ambiente africano potenciaba el color. Ese intenso colorismo, preciosista y exótico, de tonos muy saturados y vibrantes ya sea en atmósferas plateadas como en <i>“La libertad guiando al pueblo”</i> o doradas como las de “<i>La muerte de Sardanápalo”</i> las observamos en la obra del artista francés, conjugándose con la luz que potencia el color, la pincelada y las formas, convirtiéndose todo ello en rasgos de su obra y del Romanticismo. En esta obra podéis ver además, la fuerte influencia del Barroco en el uso de las diagonales que dotan de gran movimiento, inestabilidad y caos al tema que así lo requería. Viéndose acorralado por sus enemigos, Sardanápalo ordena la muerte de todo su harén e incluso de los caballos, para luego él, después de observar la escena de forma indolente inmolarse. Las tonalidades rojas juegan a favor del drama, de la tormenta desatada por el tirano que plácidamente desde su cama lo observa pero también dota de sensualidad a la obra, de esa sensualidad en los movimientos que nos remiten a Rubens, propia del exotismo y de los cuerpos modelados en cuidadas anatomías. </div><div style="text-align: justify;"><br></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6SZQYc8LLieeDQ68VdAjypbc1OdiaFpDqbPaKqWDTZ1s6A-i209zSJAC5GpRnO-fxBbLvbxGLNXh-TJ_WWLWZ1pktr3uy7NLa2oqG91fnHBgLkDkcJNdgC5FVkJr2Vj22na1N0LaBGA/s848/reb_delacroix1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="La muerte de Sardanápalo. @Museo del Louvre" border="0" data-original-height="650" data-original-width="848" height="306" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6SZQYc8LLieeDQ68VdAjypbc1OdiaFpDqbPaKqWDTZ1s6A-i209zSJAC5GpRnO-fxBbLvbxGLNXh-TJ_WWLWZ1pktr3uy7NLa2oqG91fnHBgLkDkcJNdgC5FVkJr2Vj22na1N0LaBGA/w400-h306/reb_delacroix1.jpg" width="400" id="id_97e5_2845_4eaa_98f4" style="width: 400px; height: auto;"></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"La muerte de Sardanápalo", 1827</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"> @Museo del Louvre</div><div style="text-align: justify;"><br>Pero la sensualidad de esta obra de tema histórico, también la encontramos en otra obra de temática curiosa, sobre todo en el momento del que hablamos, <i>“Cama sin hacer”. </i></div><div style="text-align: justify;"><br></div><div style="text-align: justify;"><br></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZpDi_kLuZmRaNvwdXdd5EDWsJQMyllz0OtiPISoSZzD3eGEwGh8GQk4ja3US_-3lXdEvrRJFtjtOI8le7FGIystMxK-i7TMKopJl5PNvOked7cU7U1VfoyLnDM87vwa-zBS80nzquFA/s800/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvdHVtYmxyLW1wMHByd2o3cDMxcWEycXh0bzEtMTI4MC5qcGciLCJyZXNpemUsODAwIl19.gubMHL3HjTzggG9DADD7R78xV6YICRIE6RrL7-GJq3M.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="503" data-original-width="800" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZpDi_kLuZmRaNvwdXdd5EDWsJQMyllz0OtiPISoSZzD3eGEwGh8GQk4ja3US_-3lXdEvrRJFtjtOI8le7FGIystMxK-i7TMKopJl5PNvOked7cU7U1VfoyLnDM87vwa-zBS80nzquFA/s320/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvdHVtYmxyLW1wMHByd2o3cDMxcWEycXh0bzEtMTI4MC5qcGciLCJyZXNpemUsODAwIl19.gubMHL3HjTzggG9DADD7R78xV6YICRIE6RrL7-GJq3M.jpg" width="320" id="id_f0bf_7c5a_66b6_59f1" style="width: 320px; height: auto;"></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"Cama sin hacer" (Un lit défait), 1827</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"> @Museo del Louvre</div><div><br></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br></div><div style="text-align: justify;">Observándola nos puede recordar a otra ¿a cual? Imagino que muchos responderíamos que a la nuestra cada mañana, pero vamos más allá. Esta acuarela se fecha en 1827, más de un siglo y medio después, a finales de los años 90 del S.XX, Tracey Emin creó <i>“My bed”</i>, obra de la que ya hemos hablado en la manzana dedicada a Damien Hirts y los YBA y que ha sido considerada un icono del arte contemporáneo. </div><div style="text-align: justify;"><br></div><div style="text-align: justify;"><br></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAkn9eMc2s8qH5AKG0uQnOclRBZUR4xelYqi2MXuMd3NNRAE5XI8ZPVTvVhEbuTlKdJN-silcAscQEGEASSPI_NtQ5683RAncYtabX_DOJxIbWyfGkGl_eQyjBGVqn6PIncjbqG7HaMg/s580/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvNmEwMGQ4MzQxYmZiMTY1M2VmMDFhNzNkY2U5ZmE1OTcwZC5qcGciLCJyZXNpemUsNTgwIl19.wt93UCdqYXLaVWBFJsHgprHaOlbj_FAzdZMk6uiRqQU.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="361" data-original-width="580" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAkn9eMc2s8qH5AKG0uQnOclRBZUR4xelYqi2MXuMd3NNRAE5XI8ZPVTvVhEbuTlKdJN-silcAscQEGEASSPI_NtQ5683RAncYtabX_DOJxIbWyfGkGl_eQyjBGVqn6PIncjbqG7HaMg/s320/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvNmEwMGQ4MzQxYmZiMTY1M2VmMDFhNzNkY2U5ZmE1OTcwZC5qcGciLCJyZXNpemUsNTgwIl19.wt93UCdqYXLaVWBFJsHgprHaOlbj_FAzdZMk6uiRqQU.jpg" width="320" id="id_2b24_316_a4b2_919c" style="width: 320px; height: auto;"></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">"My bed", 1998</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Tracey Emin.</div><div style="text-align: justify;"><br></div><div style="text-align: justify;">Si como hemos dicho muchas veces el arte contemporáneo se caracteriza porque el tema no tiene que transcender más allá de lo que vemos, donde el concepto es el propio tema, Delacroix se adelantó a esa idea y en su cama revuelta prescinde de la temática y la convierte a ella en el recurso y en la idea única y fundamental. Parece ser que este tipo de obras eran estudios donde se buscaba practicar acerca de los efectos que las luces y las sombras producían en las telas de los trajes de personajes ilustres que protagonizarían los lienzos. Pero como veis Delacroix decidió romper los convencionalismos y hacer de un estudio una obra acabada. Los pliegues de las sábanas ya no son el elemento donde proyectar los juegos de luces y contraluces sino los propios de una cama vivida y usada. Una cama donde se pudo haber desatado una tormenta de pasiones ya sean carnales o intelectuales, en esa idea de los aristas románticos angustiados y abrumados por sus pensamientos. Si vamos un poco más allá, y teniendo en cuenta la influencia Barroca podía incluso recordarnos los bodegones, un tema típico del S.XVII, que se extiende por todos los países europeos y que en cada uno se diferencia a por la temática utilizada. Si lo sé, no hay bodegones barrocos que tengan como protagonistas los aposentos, pero si los hay que tienen como protagonistas ajuares de mesa, objetos de uso cotidiano que trasmiten una enseñanza moral. La misma enseñanza y el mismo bodegón con un significado diferente que Emin quiso trasladarnos, significados actuales y contemporáneos como las noches de borrachera, desajustes y vicios de la artista. </div><div style="text-align: justify;"><br></div><div style="text-align: justify;">Eugène Delacroix (1798-1863) fue alumno aventajado de otro artista romántico, Théodore Géricault, desarrollando aspectos que este había iniciado. Su fructífera carrera empezó en el Salón parisino con la obra <i>"La barca de Dante" </i>donde utiliza un formato grande (algo muy característico del Barroco, y que muchos autores que estudiaron a Velázquez adoptarían), la noche, el claroscuro y la inspiración en la literatura, en esa literatura medieval que en ocasiones bebe de lo espectral y sobrecogedor que tanto calaría en nuestro movimiento. </div><div style="text-align: justify;"><br></div><div style="text-align: justify;"><br></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7qjGvSizCBB1jpWCa_h884XGduKPpkw8kdDqTSoN0qGa09otIjHETd6ytnufe3_gnOqqYama_ivCq4yP3a_5M79taVn0L063It56wNC1NH4qGThKUy3rCFTDXm7bYGO6In8G17-0Blw/s768/reb_precedentes_impr1-768x512.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="512" data-original-width="768" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7qjGvSizCBB1jpWCa_h884XGduKPpkw8kdDqTSoN0qGa09otIjHETd6ytnufe3_gnOqqYama_ivCq4yP3a_5M79taVn0L063It56wNC1NH4qGThKUy3rCFTDXm7bYGO6In8G17-0Blw/s320/reb_precedentes_impr1-768x512.jpg" width="320" id="id_d697_e462_c67e_840f" style="width: 320px; height: auto;"></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i style="text-align: justify;">"La barca de Dante", 1822</i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"> @Museo del Louvre</div><div><br></div><div><div style="text-align: justify;">Sus visitas al Louvre para estudiar la obra de los grandes artistas del Renacimiento desde Tiziano a Rafael, los viajes a Inglaterra donde entra en contacto con la obra literaria de Lord Byron que le inspiraría obras como la citada de Sardanápalo y el contacto con el Norte de África y Argelia debido a su misión como delegado de la Embajada francesa están en la base de sus obras. </div><div style="text-align: justify;"><br></div></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br></div></div><div style="text-align: justify;">A Litsz se le atribuye una frase: <i>mi profesión, amigo, es desatar tormentas, </i>tormentas que hoy siguen trastocándonos esa parte del alma o del cuerpo que se nos encoge cuando observamos una obra o escuchamos una pieza de música propia del Romanticismo o de cualquier otro movimiento o estilo que nos guste. </div><div style="text-align: justify;"><br></div><div style="text-align: justify;">Espero que esta entrada os guste, que os acerquéis al arte y busquéis en él esa parte de la emoción que en ocasiones se nos difumina, y por supuesto, manteneos a salvo de la tormenta que vivimos. </div><div style="text-align: justify;"><br></div>
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Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-30304506788972860182020-05-07T13:31:00.000+02:002020-05-07T13:31:05.910+02:00 Livia Drusila: la Matrona de Roma. <div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Seis aves sobrevolando el cielo sobre el Monte Palatino bastaron para que Rómulo cogiese su arado y marcase los límites de una ciudad: Roma. </div>
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Cuando lo hizo, a mediados del S. VIII a.c, no podía imaginarse que este pequeño territorio llegaría a convertirse en un gran Imperio, cuya vigencia se alargó en el tiempo hasta el año 457. Una República primero y un gran Imperio después, que se alimentó, como en los orígenes de su fundación, de intrigas, asesinatos y envidias entre hermanos, maridos y enemigos. Y el primer asesinato, fue llevado a cabo por el propio Rómulo matando a su hermano, Remo, por sobrepasar los límites de la urbe palatina, enterrándolo en la cima del monte. Cima, que después, acogería la morada de los Emperadores. Pero, según cuenta la leyenda, Rómulo no salió indemne, y años después una tormenta provocada por su propio padre, Marte, acabaría con su vida. Las confabulaciones familiares son incluso anteriores al nacimiento de ambos hermanos, pero eso lo dejo para vosotros.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTzUJCaqFrzJVF4OiEjUag6T_NwlWtJH5zDhGenznZDBHfNE65JdCZRjdik25wXSzSMnWjGHaeoO8iAQu2HpjkKwtKS0dW3z2D2hFaO4VIg5lcVKIE2o-PbwV6r4WV0xH61LiFQFRIUw/s1600/palatino-casa-de-augusto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="361" data-original-width="584" height="197" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTzUJCaqFrzJVF4OiEjUag6T_NwlWtJH5zDhGenznZDBHfNE65JdCZRjdik25wXSzSMnWjGHaeoO8iAQu2HpjkKwtKS0dW3z2D2hFaO4VIg5lcVKIE2o-PbwV6r4WV0xH61LiFQFRIUw/s320/palatino-casa-de-augusto.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Interior de la casa de Livia y Augusto en el Palatino. </td></tr>
</tbody></table>
La gobernanza de la ciudad era querida por todos, lo que llevó a mil disputas. Hombres que con sus actitudes, estrategias y deseos hicieron crecer los límites del territorio. Pero no solo los Imperator fueron los artífices de esta expansión, también sus mujeres jugarían un papel destacado y en toda esta puesta en escena, la imagen que proyectaron de ellos mismos de una forma consciente a través de sus retratos, a veces idealizados, a veces realistas, pero siempre con una gran carga textual, fue el vehículo idóneo para llegar a todos los rincones del Imperio.<br />
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Esta manzana no está dedicada a Roma y a su expansión, si lo está al retrato, a la imagen propagandística pero en relación a una mujer. Una mujer que supo jugar sus cartas, una mujer que fue repudiada por uno de sus hijos, Tiberio, quién gracias a ella, llegaría a ser Emperador de Roma. Esta mujer no es otra que Livia Drusila, o simplemente Livia la emperatriz de Roma o como la llamaron en los textos antiguos “la mujer bonita”. Una mujer enamorada de un Emperador, Augusto, y él de ella, el cual, la nombraría, de forma extra oficial la Madre de la Patria y quién erigió una estatua pública en su honor. Ella no solo le veneró en vida sino que a su muerte se proclamó su sacerdotisa y descendiente del dios Augusto lo que la valió el título de Julia Augusta, este título se materializaría en una de sus esculturas. ¿por qué lo sabemos? Si os fijáis en algunas de las representaciones de Livia, aparece con el manto sobre la cabeza, algo habitual, pero una parte del manto la cae sobre la parte delantera del cuerpo, ahí estriba el significado. Esa forma de expresar estaba íntimamente ligado con un característica la de la "pudicitia", esto nos habla de una mujer casada, de una mujer casta y modesta.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCFLWD4TdmGhZQJMvQObwhtMD6-XPNW61VQ7i1uhPDr6_pwQ8jFLeHtfS9Lpbar9qCjog8Y9bAeEXH87MO_COSwfz8lCRdbbqFMJNPpND4Ibh-_3YmUi8F9twarqZnDuuFIX38_b9Qhw/s1600/livia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="234" data-original-width="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCFLWD4TdmGhZQJMvQObwhtMD6-XPNW61VQ7i1uhPDr6_pwQ8jFLeHtfS9Lpbar9qCjog8Y9bAeEXH87MO_COSwfz8lCRdbbqFMJNPpND4Ibh-_3YmUi8F9twarqZnDuuFIX38_b9Qhw/s1600/livia.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: 12.8px;">Livia Drusila (59 a.c.- 29 d.c.)<br /></span></td></tr>
</tbody></table>
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Los retratos de las mujeres y también de los hombres, durante todo el Imperio, nos dan pistas de la evolución política y también de las modas que se fueron imponiendo. Así a Livia es frecuente verla peinada con el nodus, un flequillo, que más bien parece in tupe que la cae sobre la frente, raya al medio y el pelo recogido en la nuca. Pero también vamos a verla simplemente con el pelo ondulado hacia los lados y recogido en la nuca pero sin nodus. Es este un caso excepcional, que la muestra como Salus, y que apareció por vez primera en la numismática en un momento en que se divinizaba a las diosas relacionados con la salud. Otro elemento que caracteriza a las mujeres de la dinastía Julia Claudia, son las diademas imperiales, que luciría Livia y también la madre de Nerón, Agripina Minor, que la recuperó frente a los retratos de Mesalina, la cual aparecía con la corona de laurel más propia del Imperator. Ambas fueron esposas de Claudio pero mientas una se hace partícipe de los logros de su marido en la batalla, la otra, Agripina, quiere recuperar los valores difundidos en época de Livia y de Augusto y mediante la recuperación del uso de la diadema se proclama descendiente de esas cualidades. La diadema fue utilizada en época de Tiberio como elemento divinizador, pero su madre la utilizó para dejar clara su posición de Augusta. Estas ideas relacionadas con la divinidad, quedan mucho más claras cuando aparece como diosa de la Fortuna, como Cibeles o como Démeter. Dependiendo del lugar y del mensaje a transmitir, se la podía caracterizar de una u otra forma.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJjCz0JlZJdb_7XXTmwb3dULNJ-Gn8KC-SVosK4iUCCsB2b17RIsFoLIDo2SvqhdpYvhAGkSLjxOg_Qd73tOsOvzMfMHtGkW1ihZbjWqQkQTDn-KxT7o_wfI35rENpjDlDu-PIfUH3Kg/s1600/220px-Livia_Drusila_-_Paestum_%2528M.A.N._Madrid%2529_01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="409" data-original-width="221" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJjCz0JlZJdb_7XXTmwb3dULNJ-Gn8KC-SVosK4iUCCsB2b17RIsFoLIDo2SvqhdpYvhAGkSLjxOg_Qd73tOsOvzMfMHtGkW1ihZbjWqQkQTDn-KxT7o_wfI35rENpjDlDu-PIfUH3Kg/s320/220px-Livia_Drusila_-_Paestum_%2528M.A.N._Madrid%2529_01.jpg" width="172" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Livia.<br />@Museo Arqueológico Nacional (Madrid)</td></tr>
</tbody></table>
<br />Durante el Alto Imperio las ciudades se llenaron de retratos que trasmitían los valores de sus gobernantes, la Clementina, la Virtus, la Potesta y la Dignitas. Y lo hicieron a través de un retrato cuyos rasgos físicos, en parte idealizados, mostraban la personalidad del retratado. Nuestra protagonista, luce rostro ovalado, grandes ojos almendrados y boca pequeña. Pero su gesto vigoroso nos habla de su personalidad, de una mujer decidida y la serenidad de su rostro de una mujer equilibrada, dotada de diferentes virtudes.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTbXSXaqjDPuNogwcVOI9_MT5jojeNmOkt6DBAG_Fm0GDvkmj-BryMAE69x7kQdqxCJ2XCgGWIdbYPmZyCbjQOh1b0hT8Ld68JJwcFylECFhwNex5CWBZEgTufKlYUQO84CLuXQb7HFQ/s1600/Sin+t%25C3%25ADtulo.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="246" data-original-width="257" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTbXSXaqjDPuNogwcVOI9_MT5jojeNmOkt6DBAG_Fm0GDvkmj-BryMAE69x7kQdqxCJ2XCgGWIdbYPmZyCbjQOh1b0hT8Ld68JJwcFylECFhwNex5CWBZEgTufKlYUQO84CLuXQb7HFQ/s1600/Sin+t%25C3%25ADtulo.png" /></a></div>
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Las mujeres de los emperadores como buenas influencers de la época, impusieron su propio estilo. Como veis, ya estaba todo inventado antes de la llegada de Instagram a nuestras vidas.<br />
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Quizá cuando Livia era esculpida con los atributos de la divinidad ya estaba preparando su camino. Acumuló títulos viva y también una vez fallecida, pero no será su hijo quien se los conceda, sino su nieto Claudio. De él recibió todos los honores que no tuvo de Tiberio, fue divinizada proclamándola Diva Augusta, lo que permitió que toda su descendencia fuese dotada de ese carácter divino. </div>
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Su vida, como la de muchas otras, fue apasionante, tuvo seguidores y detractores, como todos, pero no vamos a detenernos en eso. Como siempre, os dejo a vosotros que leáis su vida y decidáis si mereció la buena fama que tuvo o si fue una estratega que en ocasiones se serviría de malas artimañas para conseguir sus objetivos. Por cierto, su papel en la proclamación de leyes a favor de la liberación de la mujer, salieron de ella.</div>
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La dinastía Julio- Claudia, que finaliza con Nerón, tuvo en Livia a su Matrona, a su máxima representante. </div>
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Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-37464194253996321392019-10-23T13:45:00.001+02:002019-10-23T13:45:36.305+02:00Le Roi est à moi, la Reine est la Tiene, la Tour Fait un four...<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: justify;">
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtLNwwMDTaqPiYbC6bWRNnk5vJn36tjvNk9pk6EyPefCa3jCi3mYNJnQAYAhpxEZZjlthSUScJXQYsPyo56pZG4AViU7oG8xWDH_9Jhj8hgINIh22GtL2DHrCY6-yEkrJlcRS4a230AA/s1600/3893.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="773" height="248" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtLNwwMDTaqPiYbC6bWRNnk5vJn36tjvNk9pk6EyPefCa3jCi3mYNJnQAYAhpxEZZjlthSUScJXQYsPyo56pZG4AViU7oG8xWDH_9Jhj8hgINIh22GtL2DHrCY6-yEkrJlcRS4a230AA/s320/3893.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"El juego del ajedrez", 1910.<br />Marcel Duchamp<br /></td></tr>
</tbody></table>
<br />Los juegos llegaron al arte, no solo para ser plasmados en lienzos, también para ser practicados por los integrantes de los diferentes movimientos. Uno de esos juegos fue el ajedrez, que se convertiría en la pasión de los artistas vanguardistas. Esa pasión les llevó a diseñar tanto las fichas como el tablero, pero también fueron la inspiración para algunas de sus obras como el <i>"Gran tablero de ajedrez" </i>de Paul Klee. Sus formas inspiraron obras, que a priori, nada tenían que ver entre sí, como se aprecia en <i>"Vestidos simultáneos" </i>de Sonia Delaunay. Donde la geometría que utiliza en los personajes representados nos recuerdan las fichas de este juego. Utilizaba para sus composiciones de vestuario, trozos de tela de diversas calidades y colores, muy cercano al patchwork, que luego tendrían su correspondencia en los lienzos. De ellos Apollinaire diría que son "esculturas de formas vivientes". Sonia, además, diseñó el vestuario de los afamados ballets rusos de Diághilev e incluso abrió en Madrid su propio atellier, precedente del que en los años 20 inauguraría en París, convirtiéndose en la couturier preferida de las clases acomodadas.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3S_ZCNfpJH03C8bATARIYm5Q5ZJfWoa_dsWa_OwSmkMT3thAgOk0tFYmbMFHL0g2XgeQJ3i7qCbXtwoTgusIXAsigANpqWUHQt3Zthb5kytOK2aVNRFMdkh47iUEElv4GKiabLQRlzQ/s1600/sonia_delaunay_1472815639_525.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="666" data-original-width="525" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3S_ZCNfpJH03C8bATARIYm5Q5ZJfWoa_dsWa_OwSmkMT3thAgOk0tFYmbMFHL0g2XgeQJ3i7qCbXtwoTgusIXAsigANpqWUHQt3Zthb5kytOK2aVNRFMdkh47iUEElv4GKiabLQRlzQ/s320/sonia_delaunay_1472815639_525.jpg" width="252" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Vestidos simultáneos", 1925<br />Sonia Delauny.<br />@Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Pero volviendo al ajedrez, este juego, propio de las clases intelectuales, que comenzaría a popularizarse a principios del S.XX, era considerado por las vanguardias como un lenguaje artístico más, a través del cual poder reflexionar sobre la geometría, el espacio, los colores, la perspectiva o el elemento intelectual de los movimientos. Artistas de todos los movimientos llegarían a diseñar sus propios tableros y fichas. Entre ellos, destaca el que realizó Joseph Hartwig en colaboración con Joosdt Schmidt, cuando formaban parte de la Bauhaus. Un ajedrez que ha salido a subasta. El precedente de este diseño, lo encontramos en Vilmos Huszar, un integrante de De Stijl. La simplificación a las que este sometió a las piezas fue continuada, siguiendo los principios del diseño que imponía no solo la Bauhaus, también otras escuelas, por Hartwig, y para ellos se basó en los movimientos que cada una de ellas podía realizar en el tablero, dando al juego un carácter más intuitivo, ya que las piezas a través de sus formas señalaban algunas de las direcciones en las que podían moverse. Pero hay algo más importante. El diseño original del ajedrez se basa en la división estamental del Antiguo Régimen, con reyes y reinas, obispos y plebe, en este ajedrez no existen esas figuras, sino formas geométricas simples, por lo que este ajedrez supuso una revisión no solo de la estética, también a nivel social y político.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKK6CX4KedXLXf2ab8LIepCJDjRQJSFNLFk72eE7HhdXpjzEw0Q0aGaLPU0KFvwcCfdLVg46E-x-0lmnZIgfOpcgJNgR3BlPuCDLrL0qV_vhBUtmK8jPNuyAIleZlLM8wczKGDBSYcmw/s1600/15065953242149.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="558" data-original-width="990" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKK6CX4KedXLXf2ab8LIepCJDjRQJSFNLFk72eE7HhdXpjzEw0Q0aGaLPU0KFvwcCfdLVg46E-x-0lmnZIgfOpcgJNgR3BlPuCDLrL0qV_vhBUtmK8jPNuyAIleZlLM8wczKGDBSYcmw/s320/15065953242149.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Ajedrez de Joseph Hartwig, 1924</td></tr>
</tbody></table>
<br />La intelectualidad a la que se dotaba este juego se aprecia en los diseños de las piezas elaborados por el surrealista de Man Ray. Sus piezas evolucionan desde la sencillez de las primeras formas, a otras donde partiendo de las anteriores, basadas en elementos geométricos puros, como las esferas, los cubos o las pirámides, a los que dota de un gran simbolismo, se añaden otros elementos que acaban dando a cada una de las figuras un carácter más identificativo con las piezas a las que representan, en un proceso de simplificación y estilización. Y así, el rey adopta la forma de una pirámide que representa el poder real en el antiguo Egipto, y la reina, una forma cónica unida al tocado que con esa misma silueta aludía a las reinas medievales. Pero en los últimos diseños, ambos se unifican, y apenas hay diferencia entre ellos, adoptando la forma de la reina para las figuras del rey de la reina, como se aprecia en un modelo en bronce, en el que tablero y mesa forman un todo. En este tablero, diseñado en 1962, añade un poema que da título a esta entrada.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnpLrHT2dhXt9AkAWofF0Y2FpgR3fE_iQWQzUjFWkPjeEeJdSBwkkmT9IJ_07lxvUx1qEmiOxTJ0jKclJqz3cC4PPuHl_nWpq_MtWTbCQrUe12yYguKebGtpqv-bwpQVmenH4QXuJ-DA/s1600/MAN+RAY002+B.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1026" data-original-width="1600" height="205" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnpLrHT2dhXt9AkAWofF0Y2FpgR3fE_iQWQzUjFWkPjeEeJdSBwkkmT9IJ_07lxvUx1qEmiOxTJ0jKclJqz3cC4PPuHl_nWpq_MtWTbCQrUe12yYguKebGtpqv-bwpQVmenH4QXuJ-DA/s320/MAN+RAY002+B.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Man Ray. </td></tr>
</tbody></table>
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Siguiendo con las piezas, el caballo recuerda a la voluta con la que termina el mástil de los violines, aunque su significado estaba unido a la sabiduría, y algunos encuentran, que la forma es la que ha adoptado un pergamino encontrado en la voluta del violín; en cambio el alfil tiene forma de botella, haciendo alusión a la elaboración de pócimas sanadoras.<br />
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Esta pasión por el ajedrez fue el detonante de la gran amistad que le uniría a Marcel Duchamp, quién estuvo<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"> tan atrapado en su práctica, que en 1923, tras realizar <i>"El gran vidrio"</i>, decidió retirarse para convertirse en el mejor jugador de ajedrez, decía que cada vez le gustaba menos pintar, ocupando todo su tiempo en la práctica de este juego. Tan atrapado estaba en este juego, que algunos biógrafos, e incluso la propia Lydie Sarazin-Levassor, esposa de Marcel, señalan directamente al ajedrez como la causa del fracaso de este primer matrimonio. Durante su luna de miel, su recién estrenada esposa llegó a pegar las piezas al tablero para evitar que Duchamp pasase su tiempo analizando las diferentes jugadas. Pero la unión con este juego estuvo presente hasta en su muerte, ya que</span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"> su obituario apareció en la sección de ajedrez de Le Fígaro. </span><span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"> </span><br />
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Duchamp lo consideró una práctica intelectual, del que llegó a decir <i>"las piezas de ajedrez son los componentes del alfabeto que da forma al pensamiento". </i>Pero<i> </i>conociendo un poco la obra de Duchamp, podemos concluir que la idea intelectual de la que revestía a este juego, estaba implícita en su obra artística. Si Breton dijo de Dalí que él era el Surrealismo, de Duchamp podemos afirmar que él era lo intelectual, que vierte en sus obras a través de los conceptual. Aunque realmente el arte conceptual, da sus primeros pasos dentro del Cubismo analítico primero y sintético después, quién consigue que hablemos de él como el gran "creador" es Duchamp, a través de sus famosos ready made. Ese carácter intelectual al que dotó a sus creaciones, hizo que el arte sobrepasara los límites que se le habían impuesto. Utilizando objetos de uso cotidiano a los que elevó a la categoría de Arte por la simple decisión del artista, revolucionó la estética artística y el significado a ella asociado. El Cubismo ya había dado tímidamente esos primeros pasos, utilizando periódicos para hacer sus famosos collages que insertaban en los lienzos, pero Duchamp utiliza el objeto cotidiano como elemento destacado y único de la obra, le dignifica, ya que lo importante no es el objeto en sí, sino la idea que el artista vuelca sobre él. Al hacer esto le priva de su significado primero y le convierte en algo diferente que entra de lleno en la esfera de la creación artística e intelectual. Pero mi pregunta es ¿en qué convierte estos objetos? ¿lo calificaríais de una escultura? Obviamente una calificación rápida y fácil, nos llevaría a denominarla como tal, es el concepto más adecuado para acotar las categorías artísticas, pero estábamos entrando de lleno en la contemporaneidad, si rompíamos los límites de lo que considerábamos arte, también de las etiquetas, o al menos de las tradicionales, por eso se acuñaron nuevos términos, nuevas clasificaciones, como la de ready made.<br />
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Y aquí, quizá, estriba la gran diferencia o quizá es donde se da el paso definitivo hacia el arte conceptual. Un paso que Marcel ya había comenzado a dar en sus obras de fines de 1910 cuando realiza lienzos que investigan en la estética cubista, como se aprecia en <i>"Les Joueurs d´échecs", </i> en el que sus dos hermanos aparecen jugando al ajedrez.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyLrgxnGeLZ5shNdeIFDwvmM9EXA1I-IFEEem7NrljD1-Q8T-n-FpWQlqgpTKasopaXS4c4imJKvbMvZ28IJ_Y392FoZOPUpYPXsWwJKJ2dSqn0-gU-Ov_OR4FPB5qxTSHemJVT2RRfA/s1600/Les-joueurs-d-echecs-decembre-1911-Marcel-Duchamp.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="495" data-original-width="600" height="263" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyLrgxnGeLZ5shNdeIFDwvmM9EXA1I-IFEEem7NrljD1-Q8T-n-FpWQlqgpTKasopaXS4c4imJKvbMvZ28IJ_Y392FoZOPUpYPXsWwJKJ2dSqn0-gU-Ov_OR4FPB5qxTSHemJVT2RRfA/s320/Les-joueurs-d-echecs-decembre-1911-Marcel-Duchamp.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Les Joueurs d´échecs, 1911<br />Marcel Ducamp.<br />@Centro Pompidou.</td></tr>
</tbody></table>
<br />Ese avance y cambio profundo en su obra, y esa pasión que le lleva a convertir el ajedrez en el centro de sus disquisiciones teóricas, plásticas y personales, ya que hizo de este juego su forma de vida e incluso participó en 4 Olimpiadas de Ajedrez con Francia, lo encontramos en <i>"Trébuchet", </i>uno de esos primero ready made donde alude a una conocida maniobra de ajedrez, en la que el peón obliga al otro jugador a perder una de sus piezas con la intención de crearle una trampa, el trébucher o tropezón, ya que el origen de esta obra está además, en consecutivos tropezones. Si os fijáis la obra ya comienza con un juego de palabras. Pero la creación de este ready made, si hacemos caso a la historia a él asociado, es quizá mucho menos intelectual. Parece ser que un día Marcel Duchamp decide colocar en el suelo de su casa un perchero y observa, como si de un experimento se tratase, lo que sucede cuando sus amigos iban a visitarle. Lo que sucedía era obvio, cada uno de ellos se tropezaba con él. Finalmente decide anclarle al suelo, y así nace esta famosa obra de la cuál existen diferentes versiones.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiF9Oul5td2hBQPUBXPS1ghTsyTHxsJz5UjmLjG-qA10iqpPvQR_KD6RkNc0auP59WFU_S33MwmaodSVLwg_3-To0JwSWGb05OiMJbAgJnWO1k5bXXSr71ob6suBoFK4PgbfhZOO5YXiw/s1600/2026104_Partage_Plus_ProvidedCHO_Soprintendenza_alla_Galleria_nazionale_d_arte_moderna_e_contemporanea_4089.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="779" height="246" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiF9Oul5td2hBQPUBXPS1ghTsyTHxsJz5UjmLjG-qA10iqpPvQR_KD6RkNc0auP59WFU_S33MwmaodSVLwg_3-To0JwSWGb05OiMJbAgJnWO1k5bXXSr71ob6suBoFK4PgbfhZOO5YXiw/s320/2026104_Partage_Plus_ProvidedCHO_Soprintendenza_alla_Galleria_nazionale_d_arte_moderna_e_contemporanea_4089.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Trébuchet"<br />Marcel Duchamp. </td></tr>
</tbody></table>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3x5nxjX8n16sGCvm2n8-hOHdkFRnlXDG2yWhJdnlZiJq44WkGU0rC0NgWkd-1gQFswoduzLrKp80_WwOjghrhQC6SpGTBCZTYuJULkHlKoXDh258gE381uJzDfeVhtQwkJvdK-4fPNw/s1600/3898.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="190" data-original-width="193" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3x5nxjX8n16sGCvm2n8-hOHdkFRnlXDG2yWhJdnlZiJq44WkGU0rC0NgWkd-1gQFswoduzLrKp80_WwOjghrhQC6SpGTBCZTYuJULkHlKoXDh258gE381uJzDfeVhtQwkJvdK-4fPNw/s1600/3898.jpg" /></a></div>
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<i>"Hoy me conformo con jugar. Todavía soy una víctima del ajedrez. Tiene toda la belleza del arte y muchos más. No todos los artistas juegan al ajedrez, pero todos los ajedrecistas son artistas."</i></div>
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Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-42283775354005483362019-08-12T13:44:00.000+02:002019-08-12T13:44:07.236+02:00El ídolo eterno de Auguste Rodin.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAoI2pwuIOByKAK8DnHvRNUvnbjf74Mj4pgWnHev3hqlniRytoTe7AUsIm2jltsxAHku0KHgSrl8CRnNDu0ZT0qdXp5OoPT7xfgyRK-ZMCpnRuwgDl0pbY0PY4l3Erhmxmt7uh2LQe0g/s1600/027981ec990f556d8370a14e3e774061_L.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="496" data-original-width="740" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAoI2pwuIOByKAK8DnHvRNUvnbjf74Mj4pgWnHev3hqlniRytoTe7AUsIm2jltsxAHku0KHgSrl8CRnNDu0ZT0qdXp5OoPT7xfgyRK-ZMCpnRuwgDl0pbY0PY4l3Erhmxmt7uh2LQe0g/s320/027981ec990f556d8370a14e3e774061_L.jpg" width="320" /></a></div>
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Si cito a Auguste Rodin (1840-1917), seguro que a vuestra cabeza acudirán diferentes imágenes de este insigne escultor francés, como, <i>"El pensador"</i> o <i>"El beso"</i>. De alguna de ellas ya hemos hablado en otra ocasión, así que esta vez, la entrada estará dedicada a una de las mas bellas esculturas: <i>"El ídolo eterno". </i>Una obra que originariamente, y tal y como sucedió con las anteriormente citadas, tenían como destino la Puerta del Infierno, una obra que sirvió de nexo entre el arte de fines del S.XIX y principios del siglo siguiente. Una obra que entronca con el Simbolismo propio de la época pero a la que, como era habitual en el escultor francés, se privilegia la forma por encima del contenido. Una forma que llama a la sensualidad, al erotismo, de una pareja en la que el hombre se rinde a la figura femenina. Una figura, la femenina, que va a ser propia del mundo del movimiento Simbolista. La femme fatale. El símbolo de la mujer que destruye a quien ama. Pero también la mujer se convierte en símbolo de otros conceptos como el de la esperanza, en el caso de Pubis de Chavannes. Gustave Doreau utilizará a una mujer etérea y mística pero altamente sensual para representar temas religiosos como el de Salomé con la cabeza del Bautista en "<i>La aparición". </i>En el caso de Rodin y de esta escultura, aunque la mujer encarne la idea de la mujer fatal, aparece representada de una forma mucho más dulce e idílica, su rostro es sereno y complaciente, su belleza no es turbadora, como la de Salomé, cargada de erotismo, es más bien relajada y tranquila. Y esa relajación del rostro se trasmite al resto de la obra. Contemplándola tenemos la sensación de un amor pausado, sin prisa, que se toma su tiempo, la pasión no desborda de los personajes. Una serenidad que trasciende, a través de la perfección de las formas que encuentran su correspondencia la una en la otra. Los personajes, no se tocan, únicamente ella lleva su mano izquierda hacia él, y él sumiso, lleva los brazos hacia atrás, como en un pacto de no tocarse, pero aún así, nos trasmite una unión perfecta de dos diagonales que forman ambos cuerpos, en un deseo de encontrarse. La de él parte del pie sube por el talón, se introduce en la parte del material sin tallar hasta llegar a los brazos que colocados en esa posición, favorecen la creación de un ligerísimo escorzo, esa diagonal, trascurre por el cuello y llega a la mandíbula, para acabar en la de ella. ¿No es perfecto? La diagonal que forma ella, en cambio, parte de su rodilla y sube hasta la cadera para morir en el hombro que esta en retroceso y que favorece la creación, de nuevo, de otro sutil escorzo. Existen otras líneas que forman ambos amantes, otra parte del talón del hombre, de nuevo, cruza la espalda por su columna vertebral para encontrar su punto de fuga en el punto más alto de la cabeza de la mujer. Como veis, la disposición de los cuerpos no es arbitraria, las líneas que crean ayudan a dar contenido al tema y la sensualidad no emana solo de las figuras también de la composición.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgpExXetiUHLqM6wfvaOuEbWlIq_J0Q5rKdlrc-xGQj9yufCbgMMX1lV7ULE5mG-nMeJwTxK3IoLzBGZFIdsVbzIZxfK8YrapehqARRQhYG2l82yqohscdX_UzOJNPfk8vYLV8UCFDGg/s1600/descarga.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="275" data-original-width="183" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgpExXetiUHLqM6wfvaOuEbWlIq_J0Q5rKdlrc-xGQj9yufCbgMMX1lV7ULE5mG-nMeJwTxK3IoLzBGZFIdsVbzIZxfK8YrapehqARRQhYG2l82yqohscdX_UzOJNPfk8vYLV8UCFDGg/s320/descarga.jpg" width="212" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: 12.8px;">El ídolo eterno. (1890-3)</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">Museo Rodin (París)</span></td></tr>
</tbody></table>
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<i><br /> El ídolo eterno,</i> responde al gusto de nuestro escultor de plasmar temas relacionados con el amor, la sensualidad, el erotismo, como se aprecia en otra genial obra, "<i>Paolo y Francesca",</i> ¿os acordáis de esta pareja que en la Divina Comedia, es la única que vuelan unidos y no se dejan llevar como el resto de las almas de amantes que aparecen junto a ellos? En ambas, y en otras muchas, vemos como las figuras emergen del bloque en el que están talladas, las vemos nacer, como si el artista quisiera compartir con nosotros el momento en el que su idea se convierte en arte, en figuras que nacen del frío mármol para trasmitirnos todo el calor de la sensualidad en la que están envueltos. Esta idea de una imagen que surge del bloque, puede estar emparentada con Miguel Ángel, al cual descubre en un viaje a Italia. Como muchos sabréis, el artista romano llegó a decir, que las imágenes ya están presentes en la materia de la que nacen, solo están esperando a que el escultor las descubra. Y eso hace Rodin, las va dejando aflorar, las deja salir del lugar en las que se encuentran, de su imaginación y las busca en la materia. Y así y por contraste nos presenta varias texturas, la tosca y grosera del bloque, otra intermedia o de transición, donde la superficie se va metamorfoseando para acabar con la última, la más pulida y perfecta de los cuerpos desnudos de los personajes o personaje a los que representa, como se aprecia en <i>"La Tierra y la Luna".</i> Y así nuestros ojos, recorren todas ellas, y gradualmente, dejándonos llevar por las diferentes texturas, acaban sucumbiendo a la belleza de las perfectas, tersas y limpias formas. Esta forma de presentar las obras, a veces con cierta sensación de no haber sido acabadas, no fueron del gusto de muchos de sus contemporáneos, pero Auguste Rodin, no era un artista más, por eso es considerado el padre de la escultura moderna.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKSuq96YzQLFx-57skJxqOSHnmdwoofN-NkU3WEaOjQkwoEKXR3e5AGYxvfxBT-OMQgYTmoV8e9vC8jVhGPglsSZNGh5X2w_DdKBU1Q2O8rFeR6FYhdfg1kLqNClRm2o35SHGkMCrdZA/s1600/La+Tierra+y+la+Luna+%25281%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="535" data-original-width="355" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKSuq96YzQLFx-57skJxqOSHnmdwoofN-NkU3WEaOjQkwoEKXR3e5AGYxvfxBT-OMQgYTmoV8e9vC8jVhGPglsSZNGh5X2w_DdKBU1Q2O8rFeR6FYhdfg1kLqNClRm2o35SHGkMCrdZA/s320/La+Tierra+y+la+Luna+%25281%2529.jpg" width="212" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">@"La Tierra y la Luna". (1899)<br />Museo Rodin ( París)</td></tr>
</tbody></table>
<br />Aún así se le encargaron muchas obras oficiales, entre las que se encuentra la escultura pública de "L<i>os Burgueses de Calais", </i>donde lo más destacado, es la idea de grupo, ya que no resalta a ninguno de los burgueses sobre el resto, pero en cambio si individualiza las distintas expresiones de los rostros, ante la inminente suerte que estos burgueses van a correr. Si os fijáis en estos personajes, sus estudios anatómico son perfectos, el modelado de los portentosos brazos, las venas que vemos discurrir por ellos hasta llegar hasta las manos que llaman la atención por lo desmesurado de sus proporciones, al igual que los pies. Este estudio anatómico nos recuerda, de nuevo, al insuperable Miguel Ángel. No se a vosotros, pero recordad al David, sobre todo el brazo derecho. Y otro cosa, los pies, también de mayores proporciones, me traen a la memoria, la idea de los exvotos Iberos, los cuales marcaban a través de esta parte del cuerpo, el acto de la llegada, de la presencia en lo santuarios. En este caso sería la llegada, al patíbulo, al lugar en el que estos hombres morirían.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxDU7XTJwNX5D7FOoNIyMFq-X7j6L7a1v8eUN4y_FTrWHhKTtZesM_xijPTC2h6UtFOhSDOXtppDKbSMc7jzjZkUtZkl9sli3QzPxdZdPlRWGbXZbcp4ki3c6dN6Fec4LGrOEuCLgACA/s1600/Le_Monument_aux_Bourgeois_de_Calais_dAuguste_Rodin_%2528mus%25C3%25A9e_Rodin%2529_%25285527575232%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxDU7XTJwNX5D7FOoNIyMFq-X7j6L7a1v8eUN4y_FTrWHhKTtZesM_xijPTC2h6UtFOhSDOXtppDKbSMc7jzjZkUtZkl9sli3QzPxdZdPlRWGbXZbcp4ki3c6dN6Fec4LGrOEuCLgACA/s400/Le_Monument_aux_Bourgeois_de_Calais_dAuguste_Rodin_%2528mus%25C3%25A9e_Rodin%2529_%25285527575232%2529.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Los Burgueses de Calais. (1889)<br /></td></tr>
</tbody></table>
Junto a este tipo de encargos, su producción también se pudo admirar en numerosas exposiciones, surgidas a partir de las obras que se presentaron en la Exposición Universal de 1900. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Volviendo a <i>"El ídolo eterno", e</i>l Museo Rodin conserva una copia, realizada en yeso que es escultor conserva, de esta y de otras muchas obras, para posteriormente realizar versiones. Un material con el que el artista trabajaba en algunas ocasiones, no únicamente para hacer los diseños previos, sino también como material final. Algunos dicen que la elección de este material, se debía a su decisión de ir contra las normas impuestas desde los estamentos oficiales, que preferían la escultura en mármol. Este hecho puede ser cierto, pero también discutido, ya que la mayor parte de su producción está realizada en mármol. Como decíamos antes, las figuras proceden de <i>Las Puertas de Infierno</i>, pero Rodin, las unirá para formar un solo grupo que individualizó del todo del que formaban parte, teniendo un gran éxito. El título, se atribuiría después de la realización de la obra, esta o las charlas literarias, tan habituales en la época, contribuirían a dar tan poéticos títulos. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeZuv8GBPH0hnSVik20Iwfw_5r4Tk94VWWBdD3CFYFIX1MqLl0-2udNRQdK2M0pT6Y8N-zhrsAJEa44PyAdfV7rjMROpiWUKMkcwJlMW9zSH7HyAMM1BbWihLYlMN2GzDB0BRyCpkpsg/s1600/848_f5977307c5ab136.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1202" data-original-width="800" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeZuv8GBPH0hnSVik20Iwfw_5r4Tk94VWWBdD3CFYFIX1MqLl0-2udNRQdK2M0pT6Y8N-zhrsAJEa44PyAdfV7rjMROpiWUKMkcwJlMW9zSH7HyAMM1BbWihLYlMN2GzDB0BRyCpkpsg/s320/848_f5977307c5ab136.jpg" width="212" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: 12.8px;">El ídolo eterno. (1890-3)</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">Museo Rodin (París)</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Como podéis apreciar tras la contemplación de las diferentes obras de arte, el arte es bello en todas su formas, en todas sus disciplinas y variantes, en todas las épocas y en todos los contextos. Enfrentarse a una obra es llevar nuestra mente a un estado emocional perfecto, es suspender el tiempo, es querer tocar y acariciar lo que tenemos delante. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-2089102469871535372019-04-09T12:48:00.000+02:002019-04-15T17:19:02.074+02:00Francis Bacon, influenciado e influyente. <div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="OutlineElement Ltr BCX0 SCXW46653274" style="background-color: white; clear: both; cursor: text; direction: ltr; font-size: 12px; margin: 0px; overflow: visible; padding: 0px; position: relative; text-align: justify;">
<div class="Paragraph SCXW46653274 BCX0" lang="ES-ES" paraeid="{2c5efe03-393e-4f10-a0ba-576b15a42b18}{27}" paraid="1873043171" style="background-color: transparent; overflow-wrap: break-word; padding: 0px; vertical-align: baseline;" xml:lang="ES-ES">
<span style="font-family: inherit;"><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">En algunas de las entradas anteriores he citado a Francis Bacon (Dublín 1909- Madrid 1992), pero hasta ahora no le había dedicado una entrada, pero como todo en la vida, ha llegado ese momento. Quizá, junto con Lucien Freud, es uno de los grandes pintores que mejor ha sabido bucear en el interior de la figura humana y mostrárnosla no desde su aspecto exterior, el que todos vemos, sino desde ese interior que se trasluce en el exterior. Aunque siempre intentamos dar poca o ninguna importancia al exterior, porque lo consideramos frívolo, realmente estamos negando una parte de nosotros o de las personas con las que entramos en contacto. A través del aspecto exterior proporcionamos y nos proporcionan una valiosísima información sobre los rasgos de personalidad o sobre el momento emocional por el que atravesamos. Quizá sea deformación profesional, pero en ocasiones, traslado a las personas el minucioso análisis que hago a una obra de arte, descubriendo en ellas, como si de una pintura se tratase, aspectos de su momento vital que quedan plasmados, por ejemplo, en el uso de colores en su indumentaria o en sus gestos. </span><span class="EOP SCXW46653274 BCX0" data-ccp-props="{"201341983":0,"335551550":6,"335551620":6,"335559739":160,"335559740":259}" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;"> </span></span><br />
<div style="font-family: "segoe ui", "segoe ui web", arial, verdana, sans-serif;">
<span class="EOP SCXW46653274 BCX0" data-ccp-props="{"201341983":0,"335551550":6,"335551620":6,"335559739":160,"335559740":259}" style="font-family: "times new roman" , "times new roman_msfontservice" , serif; font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;"><br /></span>
<span class="EOP SCXW46653274 BCX0" data-ccp-props="{"201341983":0,"335551550":6,"335551620":6,"335559739":160,"335559740":259}" style="font-family: "times new roman" , "times new roman_msfontservice" , serif; font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;"><br /></span>
</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="font-family: "segoe ui", "segoe ui web", arial, verdana, sans-serif; margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMrgIlJAHnKwpkM-3RL6UQKKbRSdLKCquPvv26jA7sW_aIRFj3bpKdWrUrCqn0S15L8T_mMaWXeDRsd6GGjEis95QGFwB0169WjIMx8y1fZ3K02m51VmBZovjkmADFdhOfkwcRr6XYhw/s1600/Three_Studies_of_the_Male_Back.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="218" data-original-width="459" height="188" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMrgIlJAHnKwpkM-3RL6UQKKbRSdLKCquPvv26jA7sW_aIRFj3bpKdWrUrCqn0S15L8T_mMaWXeDRsd6GGjEis95QGFwB0169WjIMx8y1fZ3K02m51VmBZovjkmADFdhOfkwcRr6XYhw/s400/Three_Studies_of_the_Male_Back.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;">"Tres estudios de hombre blanco", 1970.<br />
Francis Bacon. </td></tr>
</tbody></table>
<div style="font-family: "segoe ui", "segoe ui web", arial, verdana, sans-serif;">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="OutlineElement Ltr BCX0 SCXW46653274" style="background-color: white; clear: both; cursor: text; direction: ltr; font-size: 12px; margin: 0px; overflow: visible; padding: 0px; position: relative; text-align: justify;">
<div class="Paragraph SCXW46653274 BCX0" lang="ES-ES" paraeid="{2c5efe03-393e-4f10-a0ba-576b15a42b18}{31}" paraid="1972798825" style="background-color: transparent; overflow-wrap: break-word; padding: 0px; vertical-align: baseline;" xml:lang="ES-ES">
<span style="font-family: inherit;"><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">Francis Bacon mostró el sufrimiento de la vida en personajes de rostros deformados, retorcidos y en soledad. Las habitaciones que habitaban, eran el reflejo de su soledad, únicamente ocupadas por una cama o un sillón, y siempre con un espejo que les devolvía la amargura de su existencia y quizá, a través de su propio reflejo, podría sentirse un poco menos solos. Su autodestrucción le llevó a hacer del sufrimiento su tema preferido, era una forma de mostrar al mundo su dolor y lo absurdo de una existencia traumática. Con 16 años, su padre descubre que es homosexual, al encontrarle probándose la ropa interior de su madre, motivo por el cual tiene que abandonar su casa. Paradójicamente, a pesar de convertirse en un hecho humillante que marcaría su vida, Bacon sentirá desde entonces, una fuerte atracción física hacia su progenitor. De Irlanda viaja a Londres sin tener muy claro su propósito y de aquí a </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">Berlín y </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">a</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> París, </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">donde </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">descubre su afición por el arte y el gusto por la pintura, además de sentirse mucho más libre.</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> ¡Son</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">los felices años veinte! la Belle </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><span class="SpellingError SCXW46653274 BCX0" style="-webkit-tap-highlight-color: transparent; -webkit-user-drag: none; background-color: inherit; background-image: url("data:image/gif; background-position: left bottom; background-repeat: repeat-x; border-bottom: 1px solid transparent; margin: 0px; padding: 0px; user-select: text;">Epoque</span></span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> de la que él también disfrutará, a su manera. Ambas ciudades vivieron un tiempo </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><span class="ContextualSpellingAndGrammarError SCXW46653274 BCX0" style="-webkit-tap-highlight-color: transparent; -webkit-user-drag: none; background-color: inherit; background-image: url("data:image/gif; background-position: left bottom; background-repeat: repeat-x; border-bottom: 1px solid transparent; margin: 0px; padding: 0px; user-select: text;">esplendoroso</span></span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> culturalmente hablando. Eran ciudades bohemias, llenas de libertad, pero también de excesos. Excesos, que en ocasiones llevaron a la creatividad más delirante, y otras veces al racionalismo más puro, al de las líneas y los espacios impolutos de la Bauhaus. Un momento único, como todos, donde se fraguaron movimientos artísticos de gran calado. Pudo ser en Berlín donde por primera vez viese la película “</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; font-style: italic; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">El acorazado </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; font-style: italic; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><span class="SpellingError SCXW46653274 BCX0" style="-webkit-tap-highlight-color: transparent; -webkit-user-drag: none; background-color: inherit; background-image: url("data:image/gif; background-position: left bottom; background-repeat: repeat-x; border-bottom: 1px solid transparent; margin: 0px; padding: 0px; user-select: text;">Potemkin</span></span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; font-style: italic; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">"</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">, de</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> Eisenstein</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">,</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">la cual, con el tiempo, se convirtió en una gran influencia para su obra. Será el </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">fotograma que nos muestra a una enfermera de rostro desencajado, y boca abierta en un estertor de miedo y de dolor debido a que su ojo derecho ha sido aniquilado por una bala, la que concentre toda su atención. </span></span><br />
<div style="font-family: "segoe ui", "segoe ui web", arial, verdana, sans-serif;">
<span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-family: "times new roman" , "times new roman_msfontservice" , serif; font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><br /></span>
</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="font-family: "segoe ui", "segoe ui web", arial, verdana, sans-serif; margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizvL_W7K3KJ8h47LLn6MUAi5kXu_TgRCgohyVByjcEfHCFfO1F3aBiBnIggi9O6VWdlW9PHyB_bGQHJBikntXXqFFME6LopK4gPAZ9-bg6pewTW7mEb_XzXNrqW2BsEhW44TK-wy15gQ/s1600/prop_bacon_guggenheim.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="479" data-original-width="640" height="239" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizvL_W7K3KJ8h47LLn6MUAi5kXu_TgRCgohyVByjcEfHCFfO1F3aBiBnIggi9O6VWdlW9PHyB_bGQHJBikntXXqFFME6LopK4gPAZ9-bg6pewTW7mEb_XzXNrqW2BsEhW44TK-wy15gQ/s320/prop_bacon_guggenheim.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;">Fotograma del "Acorazado Potemkin", 1925.<br />
Sergei Eisenstein. </td></tr>
</tbody></table>
<span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-family: "times new roman" , "times new roman_msfontservice" , serif; font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">Y este gesto, este grito sordo pero muy expresivo y cargado de pánico, de rabia y de injusticia le veremos fusionado con la obra de</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> Velázquez, </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; font-style: italic; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">“El Papa Inocencio X”.</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> Pero será París el lugar en el que decida convertirse en pintor tras la visita a una exposición de Picasso. A partir de entonces, comenzó a explotar su vena artística de forma autodidacta a través de dibujos y acuarelas. Antes de terminar los años veinte, decide volver a Londres donde trabaja como decorador de interiores y diseñador de muebles. Con 23 años pinta su primera obra “</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; font-style: italic; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">La Crucifixión</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">” (1933), influenciada por Picasso.</span></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><br /></span>
<span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><br /></span>
</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8cTFmBEbnDMSqEJftRf24BNvHmrZaW7vWu2j_C7yTUIO8wSsF2JwEAiPL-R-c3GOrdWKs1vnfK3jHgOYtEdWqmGa_NrMrrFK7XaAxdpTOV-5jeIjHNH2Z8MGPQGEif2QToZ7tMMSwfA/s1600/33aebe941eecace1a7943835f2364c91.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: inherit;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="501" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8cTFmBEbnDMSqEJftRf24BNvHmrZaW7vWu2j_C7yTUIO8wSsF2JwEAiPL-R-c3GOrdWKs1vnfK3jHgOYtEdWqmGa_NrMrrFK7XaAxdpTOV-5jeIjHNH2Z8MGPQGEif2QToZ7tMMSwfA/s320/33aebe941eecace1a7943835f2364c91.jpg" width="250" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><span style="font-family: inherit;">"Crucifixión", 1933</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Francis Bacon.</span></td></tr>
</tbody></table>
<span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-family: inherit; font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><br /> Esta obra, un tanto espectral, ya marca su estilo en el que busca la materia, la carne, pero a la vez la deshace dando como resultado imágenes figurativas que rozan lo irreal e incluso en ocasiones, como aquí, lo abstracto. Aquí quiero hacer un paréntesis. Si buscáis información sobre esta obra, seguro encontraréis mucha en la que la relacionan con una Crucifixión de Alonso Cano, una de las grandes figuras del Barroco. Ni mi misión, ni la de este blog, es negar esa supuesta influencia que algunos le adjudican y que en este caso, es errónea, u otras informaciones, pero hoy creo que es justo hacerlo. La inspiración directa la encontramos en la obra de Picasso, que había visto en aquella primera exposición. En concreto en los personajes influenciados por el Biomorfismo. ¿Y qué es el biomorfismo? Ya que lo leeréis en otras publicaciones, pero no explican que tipo de influencia u obra es. Pues bien, de una forma muy breve, el Biomorfismo nace en los años 20 ligado al Surrealismo. Lo que buscaba este nuevo estilo, era fusionar y simplificar las formas de la naturaleza hasta llegar a un aspecto casi abstracto. Se parte de formas orgánicas y reales para llegar a la irrealidad, pero donde la materia tiene una gran importancia, ya que son figuras potentes, lo abstracto, lo irreal, sería la forma en la que se convierten, como si fuesen visiones de un sueño. Esta nueva forma de crear, se vería influenciada por Picasso en un momento en el que su obra se acerca a los presupuestos surrealistas. Un ejemplo muy claro del biomorfismo lo representan las esculturas de Hans Arp. Bacon, lo que hace, es llevar al límite esa técnica y buscar como antes decíamos, la desmaterialización. Yo no dudo que existan ciertas influencias barrocas en esta Crucifixión, pero creo que Alonso Cano no estaba en la mente del pintor irlandés. </span><br />
<span style="font-family: inherit;"><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><br /></span>
</span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoSZ7GKXJs8oUaBsjuW0kSZicWBZY6ryoiUdezZMhpd30kvc5wS1h0PJLchF8vZ_fWgPJ0DGI4_I-FnkbFITa9NHVxe9ihAXldfPuqSX5HaMy2vzoLijZsMpAgacPxMKxNYfN2q6yUbQ/s1600/pablo-picasso-figure-%2528baigneuse-%25C3%25A0-la-cabine%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: inherit;"><img border="0" data-original-height="470" data-original-width="284" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoSZ7GKXJs8oUaBsjuW0kSZicWBZY6ryoiUdezZMhpd30kvc5wS1h0PJLchF8vZ_fWgPJ0DGI4_I-FnkbFITa9NHVxe9ihAXldfPuqSX5HaMy2vzoLijZsMpAgacPxMKxNYfN2q6yUbQ/s320/pablo-picasso-figure-%2528baigneuse-%25C3%25A0-la-cabine%2529.jpg" width="193" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><span style="font-family: inherit;">"Baigneuses a la cabine", 1929</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Pablo Picasso.</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: inherit;"><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><br />Tras este período de fecundidad artística, de encargos y exposiciones, Bacon comienza a decaer y vuelve a una vida caótica. </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">Para huir de sus propios recuerdos, ahoga su vida en alcohol y peleas. Su lugar favorito era el </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><span class="SpellingError SCXW46653274 BCX0" style="-webkit-tap-highlight-color: transparent; -webkit-user-drag: none; background-color: inherit; background-image: url("data:image/gif; background-position: left bottom; background-repeat: repeat-x; border-bottom: 1px solid transparent; margin: 0px; padding: 0px; user-select: text;">Colony</span></span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><span class="SpellingError SCXW46653274 BCX0" style="-webkit-tap-highlight-color: transparent; -webkit-user-drag: none; background-color: inherit; background-image: url("data:image/gif; background-position: left bottom; background-repeat: repeat-x; border-bottom: 1px solid transparent; margin: 0px; padding: 0px; user-select: text;">Room</span></span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> Club, en el Soho londinense, donde se codeaba con otros pintores, como Lucien Freud, escritores y bebedores en general. Según cuenta la leyenda, por allí también pasó Damien </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><span class="SpellingError SCXW46653274 BCX0" style="-webkit-tap-highlight-color: transparent; -webkit-user-drag: none; background-color: inherit; background-image: url("data:image/gif; background-position: left bottom; background-repeat: repeat-x; border-bottom: 1px solid transparent; margin: 0px; padding: 0px; user-select: text;">Hirst</span></span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">, el cual sirvió cervezas desnudo. Bacon definió este bar de reducidas dimensiones y decorado con bambú y piel de leopardo, como "un lugar al que ir donde uno se siente libre". La definición es bastante expresiva de cómo debía sentirse y las ansias de poder ser él mismo.</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> Pero aun así no deja de crear obras, de participar en exposiciones que volverán a ser habituales, ni tampoco de caminar hacia su propia destrucción. En los años 50 del siglo pasado, junto con otros artistas, formaría lo que se ha denominado la </span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; font-style: italic; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">Escuela de Londres</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">. Su biografía es apasionante, llena de sombras, pero a través de las cuales podemos conocer su pintura, yo no voy a profundizar más en ella, pero os invito a que vosotros si lo hagáis. </span><span class="EOP SCXW46653274 BCX0" data-ccp-props="{"201341983":0,"335551550":6,"335551620":6,"335559739":160,"335559740":259}" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;"> </span></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><span class="EOP SCXW46653274 BCX0" data-ccp-props="{"201341983":0,"335551550":6,"335551620":6,"335559739":160,"335559740":259}" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;"><br /></span>
</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiByP2K8qvOHrQs4G-eu1JWd9K9sz39UWrCgEJsTPIYppQYWliLbnzU3TgsvkUC5syBrsSmtcQ-k5far48588OMHd8SgIc8xtLAnGuSe0jGQ0-hUaFkroXCzmgU66rndpDdKNkt7iDog/s1600/francis-bacon-autorretrato.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: inherit;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="405" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiByP2K8qvOHrQs4G-eu1JWd9K9sz39UWrCgEJsTPIYppQYWliLbnzU3TgsvkUC5syBrsSmtcQ-k5far48588OMHd8SgIc8xtLAnGuSe0jGQ0-hUaFkroXCzmgU66rndpDdKNkt7iDog/s320/francis-bacon-autorretrato.jpg" width="270" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><span style="font-family: inherit;">Autorretrato, 1971.</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Francis Bacon. </span></td></tr>
</tbody></table>
</div>
</div>
<div class="OutlineElement Ltr BCX0 SCXW46653274" style="background-color: white; clear: both; cursor: text; direction: ltr; margin: 0px; overflow: visible; padding: 0px; position: relative; text-align: justify;">
<div class="Paragraph SCXW46653274 BCX0" lang="ES-ES" paraeid="{5db62729-4b3c-4c76-b03e-c3cc2c21832e}{239}" paraid="974017410" style="background-color: transparent; overflow-wrap: break-word; padding: 0px; vertical-align: baseline;" xml:lang="ES-ES">
<div style="font-size: 12px;">
<span style="font-family: inherit;"><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES">Francis Bacon, tiene obras carismáticas, que nos atrapan a pesar de sumirnos en un estado melancólico potenciado por la técnica de verticales campos de color, donde arrastra la pintura la cual en muchas ocasiones se deshace perdiendo su materialidad, y otras veces construye el cuerpo humano dándole consistencia y a través de ello visibilidad en el mundo. Pero él no se dedicó a mostrarnos personajes anónimos, el retrato fue uno de sus géneros predilectos, pero también los autorretratos a la manera de Rembrandt que nos muestran como iba cambiando su particular rostro, analizándose y dejando traslucir que hay detrás de lo que percibimos, de lo que aparentamos. Las deformaciones expresan el drama del alma, como este se retuerce, lo cual me recuerda la obra de Ribera, otro maestro del Barroco, cuando plasma a las Furias clásicas, de las que hemos hablado en otra entrada anterior. La de Rembrandt es junto con la de Velázquez y la de Miguel Ángel, las únicas influencias que reconoció.</span><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="background-color: transparent; font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"> De él también tomaría la técnica de la pincelada que barre, que es pastosa pero muy suelta, que busca como decía antes la inmaterialidad de lo material, lo que le convertiría con el paso de los años en el precursor del Expresionismo, movimiento al que pertenece la obra de Francis Bacon. Pero también el gusto por las luces y las sombras, en este caso mucho menos desvaídas. Y un recurso, el buey desollado, que aparece como tema en una de las obras del pintor holandés y que Bacon toma como telón de fondo de algunas de sus pinturas. Un buey que puede tomarse como una vanitas, un bodegón de los habituales durante el Barroco, que nos hablan de la cruenta realidad. Y de nuevo este recurso lo vuelve a fusionar con la obra del Papa de Velázquez, en <i>"Figura con carne"</i> (1954). ¿Obsesión o realmente hay un mensaje a trasmitir? El mensaje existe, si unís lo que significan ambos elementos la lectura es bastante clara. Pero junto a ello, Francis Bacon reconoció que este retrato donde Velázquez trasmite de una forma magistral la personalidad del religioso, era uno de los mejores del mundo. Y reinterpretándolo una y otra vez, era la forma que tenía de trasmitir su admiración. </span></span></div>
<div style="font-size: 12px;">
<span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhd7442hXsLNpeA3cjomuPwFnzhmqQMXpAVSZh0_fvOfNmYM3r9bJ5Pm2tuOvchB5T5GabFGuz_EYzCikG6-C0Npget6ZBYYotGxWGm9j7tnmRZhFF2syO3pS1VtBeUiF0vFMcCw5p1uQ/s1600/Francis_bacon-figure_with_meat_1954.Jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: inherit;"><img border="0" data-original-height="1108" data-original-width="1036" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhd7442hXsLNpeA3cjomuPwFnzhmqQMXpAVSZh0_fvOfNmYM3r9bJ5Pm2tuOvchB5T5GabFGuz_EYzCikG6-C0Npget6ZBYYotGxWGm9j7tnmRZhFF2syO3pS1VtBeUiF0vFMcCw5p1uQ/s320/Francis_bacon-figure_with_meat_1954.Jpg" width="299" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><span style="font-family: inherit;">"Figura con carne", 1954.</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Francis Bacon.</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="font-size: 12px;">
<span style="font-family: inherit;"><span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="background-color: transparent; font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><br />Pero él también se convertirá en fuente de inspiración, sobre todo cinematográfica, inspira al monstruo de <i>Alien </i>(1979) y la obra <i>"Figura con carne"</i> podéis verla en <i>Batman. </i></span><span style="background-color: transparent;"> </span></span></div>
<div style="font-size: 12px;">
<span class="TextRun SCXW46653274 BCX0" data-contrast="auto" lang="ES-ES" style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: 11pt; line-height: 19.425px; margin: 0px; padding: 0px;" xml:lang="ES-ES"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdwDufYtsDfh6NlwzHLG_NPcoXaLaItwPGiGwHn3XG5f4w0KrEPfyJQ07SFm3wGuqSwLWmwnbSPrZye13C6GmGHmSpK7509TPMKBbJXTKKNt6HQs66bKPMsfy4hbHD2-EPqeVP20aPsw/s1600/2015060916223678343.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: inherit;"><img border="0" data-original-height="823" data-original-width="602" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdwDufYtsDfh6NlwzHLG_NPcoXaLaItwPGiGwHn3XG5f4w0KrEPfyJQ07SFm3wGuqSwLWmwnbSPrZye13C6GmGHmSpK7509TPMKBbJXTKKNt6HQs66bKPMsfy4hbHD2-EPqeVP20aPsw/s320/2015060916223678343.jpg" width="234" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><span style="font-family: inherit;">Francis Bacon</span><br />
<span style="font-family: inherit;">Fotografía de John Deakin para Vogue.</span><br />
<span style="font-family: inherit; font-size: 12.8px;">@2014 The Condé Nast Publications LTD.</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: inherit;">Como siempre os invito a profundizar en la obra de uno de los artistas más representativos de la Historia del Arte y de los más cotizados en las casas de subastas. </span></div>
</div>
</div>
Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-15573076867307992152019-02-28T17:03:00.002+01:002019-03-11T17:11:49.319+01:00El diablo y los Brueghel presentes en Valladolid.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2b6cSWbGcFD4gGvfS4Vku4wjYVFuGjN4ZAutnYAXyMf-Ox7hxeACG7xQwr64-d4UngtzbO8MShRhnN8ZCTFyul-rgq2yLWPA0bI6-debZAibTKQSWSKSBf-rkQ2NYko19LOydDS38NQ/s1600/IMG-5571.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2b6cSWbGcFD4gGvfS4Vku4wjYVFuGjN4ZAutnYAXyMf-Ox7hxeACG7xQwr64-d4UngtzbO8MShRhnN8ZCTFyul-rgq2yLWPA0bI6-debZAibTKQSWSKSBf-rkQ2NYko19LOydDS38NQ/s320/IMG-5571.JPG" width="320" /></a></div>
<br />
Cuando un museo se plantea la realización de una exposición temporal, son muchos los temas que pueden abordarse, dependerá de los objetivos a conseguir. En la actualidad, el museo como centro de ocio, más que como institución cultural de primer orden, busca ser conocido o reconocido en el ámbito turístico más que en el cultural, se busca la recurrencia de visitantes, como ya he dicho en otras ocasiones, y no tanto avalar un estudio o una investigación científica que se haya llevado a cabo en el museo, en el ámbito de su especialidad. En la actualidad, tengo la impresión que cuando un museo quiere profundizar en la institución como ámbito cultural lo hace solo a través de conferencias y no a través de las exposiciones, que aparecen planteadas como un elemento de ocio y no de cultura. Me recuerda un poco aquel lema romano "pan y circo". En eso es en lo que se han convertido las exposiciones temporales, en el circo para los visitantes, donde acudimos guiados por la multitud y por lo llamativo del nombre que da título a la exposición. Las exposiciones temporales, de las que muchos estudiosos y profesionales empiezan a renegar. En su origen tenían una finalidad, la de profundizar en la temática del museo o en algún aspecto de la colección permanente para reforzar la importancia que esta tiene, y que debe de ser la primera razón y preocupación de todo museo. Ahora, y en su mayoría, las exposiciones temporales solo sirven para subir el número estadístico de visitantes y una forma de conseguir recursos económicos quizá propiciado por la crisis económica y por la falta de recursos monetarios de muchos museos. ¿Así se mide el éxito o la calidad de un museo? ¿Nos están dando pan y circo?<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj55ZrUqT_SCsnTXdPCcwW-jyTwiUpwUEbGDyJ56UVWD8gG0r6WC_O-Krlp5zzsDOrl1qCVBKracENu30uAOvuWeXMIAg-Ij1IoNIWKeB7KQL8IozUK_v4u1yDf3hpDmXsBcaCAj5ntxA/s1600/IMG-5582.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj55ZrUqT_SCsnTXdPCcwW-jyTwiUpwUEbGDyJ56UVWD8gG0r6WC_O-Krlp5zzsDOrl1qCVBKracENu30uAOvuWeXMIAg-Ij1IoNIWKeB7KQL8IozUK_v4u1yDf3hpDmXsBcaCAj5ntxA/s400/IMG-5582.JPG" width="400" /></a></div>
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</div>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Y todo esto viene como reflexión de la exposición organizada por el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, titulada<i> "El diablo, tal vez. El mundo de los Brueghel.</i>" Tengo que reconocer que la exposición me parece interesante, me gusta el montaje y la idea de que en una misma muestra, podamos ver obra del S. XVI mezclada con la contemporánea formando una unidad, sobre todo por la unión de dos técnicas: el grabado y el vídeoarte, en donde el primero toma vida en el segundo. El período que se representa está dentro de la época a la que pertenece la colección permanente, y la temática muy propia del momento que representa el museo, pero técnica y geográficamente no tiene mucho o nada que ver con el museo, pero aún así podía justificarse por la temática. Pero la pregunta que a mí me surge es ¿Por qué esta exposición? ¿Cómo justificar una exposición que tiene, no se si al demonio como protagonista o a los Brueghel, ahora, en este momento? ¿Cuál es el verdadero tema? Obviamente desconozco los entresijos de la organización de la exposición o de la elección de la temática, pero a simple vista, parece como una exposición más, en un momento cualquiera del calendario, sin una justificación científica o investigadora. Hay algo que me lleva a pensar que se ha montado por cubrir fechas en un calendario, y esa idea me surgió cuando vi que solamente ocupaba 4 pequeños espacios y la presencia/ausencia de El Bosco, luego profundizaremos en esta idea. Vamos a analizar la exposición y que cada uno saque sus propias conclusiones, pero como siempre, tenéis que verla con vuestros propios ojos ya sea in situ o a través de la web corporativa del museo. Nunca os quedéis solo con mi opinión, no la deis por única y válida, plantearos todo, dudad de lo que yo os digo y así podréis profundizar en está maravillosa disciplina que es el arte.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieTbUmqSfc2OI1hZaidrRjPz6-Rgws3gmckRPDi748UaP4XoTWJ9wPbV_hhcLdg2j4cg2Pusvzq7OIDwlYKR9Hp9nRk58tlsPlBeX8qV95uwyI_y9pgFnEat1S7UerRlUpY9b-Kn7i0w/s1600/IMG-5611.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieTbUmqSfc2OI1hZaidrRjPz6-Rgws3gmckRPDi748UaP4XoTWJ9wPbV_hhcLdg2j4cg2Pusvzq7OIDwlYKR9Hp9nRk58tlsPlBeX8qV95uwyI_y9pgFnEat1S7UerRlUpY9b-Kn7i0w/s320/IMG-5611.JPG" width="240" /></a></div>
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<div style="text-align: start;">
<div style="text-align: justify;">
La entrada a la exposición se hace a través de una antesala, que nos introduce, por un lado, en lo que vamos a ver a través del título y de un panel explicativo a modo de introducción, y por otro, en la iluminación general de la muestra. La luz tenue de esta antesala sirve para que nuestros ojos se acostumbren a la poca luz que tendremos en el recorrido. A pesar de ser una idea de manual, me encanta, ya que en muchos otros museos o salas expositivas, no se cuida ese detalle. Nunca se debería acceder a las salas de un museo directamente desde la calle, sin una preparación previa de lo que nos vamos a encontrar, sobre todo hablando en términos de iluminación.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgETZbfPi7dCp_KrRP861z9JyzISQ5ZKbbuI9xHM7YWmAh2Sh6l0We6CiRjwVGdiNmtr-9AeEJC3YTvKfLBmVIIGabMTdfgzh21MaWTmQ0UfUA_v_gwTL4v4itfRRpMOE-00ayPBDLZuA/s1600/IMG-5598.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgETZbfPi7dCp_KrRP861z9JyzISQ5ZKbbuI9xHM7YWmAh2Sh6l0We6CiRjwVGdiNmtr-9AeEJC3YTvKfLBmVIIGabMTdfgzh21MaWTmQ0UfUA_v_gwTL4v4itfRRpMOE-00ayPBDLZuA/s400/IMG-5598.JPG" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Las tentaciones de San Antonio", 1601-1625.<br />Jan Brueghel de Velours (1568-1625)<br />Museo Nacional de Escultura (Valladolid).</i></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br />
La siguiente sala esta ocupada por un gran lienzo que se extiende a lo ancho de la pared frontal y que cómo podéis imaginar, por el lugar en el que se encuentra, es la obra sobre la que pivota la exposición, hacia la que irremediablemente vamos a ir, debido a lo que se denomina la atracción del objeto. Esta obra representa las <i>"Tentaciones de San Antonio"</i>, y su autor, no es otro que Jan Brueghel de Velours, hijo del afamado Peter Brueghel el viejo. La temática de la exposición está enfocada en las mil y una formas que puede adoptar el demonio, y esas, son las que aparecen resumidas en esta obra, a través de las tentaciones que sufrió el Santo. La obra nos muestra, por un lado los siete pecados capitales (la gula, la lujuria, la envidia, la ira, la soberbia, la avaricia y la pereza), junto a estos una serie animales diabólicos que le atacan y le clavan los cuernos mientas el Santo continua leyendo como si nada pasase a su alrededor y finalmente algo tan típico en la época, que es la tentación de la carne a través de bellas mujeres. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKzkFtyLYGmSNLqaiRQk4DaAk_BoaIy4Wzv0K_uO3uYd3QexgdZGGDgpj_hSr4yqYSPVU6-bZd-FT1wuMef3BGiGjvMFy1Jw_zWQK0jnoEVxpA_FCjWrJhvgj3s3ULIEdekjjuSQ6ZWg/s1600/Sin+t%25C3%25ADtulo.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="761" data-original-width="1392" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKzkFtyLYGmSNLqaiRQk4DaAk_BoaIy4Wzv0K_uO3uYd3QexgdZGGDgpj_hSr4yqYSPVU6-bZd-FT1wuMef3BGiGjvMFy1Jw_zWQK0jnoEVxpA_FCjWrJhvgj3s3ULIEdekjjuSQ6ZWg/s320/Sin+t%25C3%25ADtulo.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><br /></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br />
La inspiración le vino de diferentes grabados de su padre, entre ellos el dedicado a uno de los pecados capitales, el del orgullo. Esto justifica que en la siguiente sala veamos estos grabados pertenecientes a Peter Brueghel y también justifica la presencia en la misma sala de un grabado basado en otro realizado por Martin Schongauer, en el que el pintor se inspiraría. Si os fijáis en el anagrama situado en la esquina inferior izquierda, una A y un D ¿no os recuerda al de Durero? La función por lo tanto de estos grabados es la de contextualizar y completar la lectura iconográfica, de la obra principal. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDt7I7SoL4QQ_zr9BxFsK_Wr1IPxNbIu07TbfWQhV2U042f_6Emw4xXnXb3i8wXr_TzP0zB0a1h2dsBL9BFo6TOv8St9hBdW-G1jXC-t7JXrwpN3eYllciyQ0Oq-KznpYEWEE02d4Rig/s1600/IMG-5599.png" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1231" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDt7I7SoL4QQ_zr9BxFsK_Wr1IPxNbIu07TbfWQhV2U042f_6Emw4xXnXb3i8wXr_TzP0zB0a1h2dsBL9BFo6TOv8St9hBdW-G1jXC-t7JXrwpN3eYllciyQ0Oq-KznpYEWEE02d4Rig/s320/IMG-5599.png" width="246" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Las tribulaciones de San Antonio, S.XVIII<br />
A partir de Martin Schongauer (1448-1491)<br />
Biblioteca Nacional de España. </td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ3wJWPI3C3IZ4VSoYhFeTK9z05biJquES7_SCawZoy5BpIBqknWkD2zhvBDB2_N7x3zfGa-xX2IotuWqJY6HDO8lyiL4savOaEDGhRH3yMp1DxNikvvedx2BYyffAB3fFT_2HrZlHDQ/s1600/IMG-5629.png" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1220" data-original-width="1600" height="243" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ3wJWPI3C3IZ4VSoYhFeTK9z05biJquES7_SCawZoy5BpIBqknWkD2zhvBDB2_N7x3zfGa-xX2IotuWqJY6HDO8lyiL4savOaEDGhRH3yMp1DxNikvvedx2BYyffAB3fFT_2HrZlHDQ/s320/IMG-5629.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"La soberbia", 1558<br />Peter Brueghel, el viejo (1525-1569)<br />Biblioteca Nacional de España.</i></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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Esta sala se completa con varias obras más, que ahondan en le tema tratado y nos muestran otras formas de representar los pecados capitales o las tentaciones del santo. Por un lado un escritorio con escenas de eremitas que data del S.XVII, una serie de alto relieves propiedad del museo y que formaron parte de un retablo dedicado a San Antonio, fechados en el S.XVI y varias obras más, dos de ellas son copias de dos tablas pertenecientes a un tríptico realizado por el Bosco que se encuentra en Lisboa, y otra, es una obra atribuida al taller del mismo autor, donde se narra <i>"La visión de Tondal",</i> que se conserva en el Museo Lázaro Galdiano. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXqJzg_fqH6NEWkVXUXUtrSrAH-QnC9A3Btr4l-wDD5Eje13K1hSzmxPQzTQ8b6tVEfHMgAgIPpB5Bu-87lA-SQ7CxyPJGgHAER2aYaoG9Fp4wubup3rRmbBGCld6KTSATs8HaoGLnKA/s1600/IMG-5596.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1213" data-original-width="1600" height="302" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXqJzg_fqH6NEWkVXUXUtrSrAH-QnC9A3Btr4l-wDD5Eje13K1hSzmxPQzTQ8b6tVEfHMgAgIPpB5Bu-87lA-SQ7CxyPJGgHAER2aYaoG9Fp4wubup3rRmbBGCld6KTSATs8HaoGLnKA/s400/IMG-5596.png" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i style="font-size: 12.8px;">"La visión de Tondal", 1478-1485<br />Taller del Bosco.<br />Museo Lázaro Galdiano (Madrid)</i></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br />
Esta obra está basada en una publicación, <span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">la <i>Visión de Tondalud, publicada </i>a finales del S.XV, curiosamente en </span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">la ciudad de ´s-Hertongenbosch, ciudad en la que nace, vive y muere el Bosco. </span><i style="font-family: 'Helvetica Neue Light', HelveticaNeue-Light, helvetica, arial, sans-serif;">Su importancia radica en que</i><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"> se convirtió en obra de referencia en la creación del paisaje demoniaco. Nos cuenta como un caballero del S.XII llamado Tondalus y de origen irlandés, a través de un viaje iniciático visitará durante tres días el más allá, lo visto en ese lugar hace que a la vuelta lleve una vida monacal. En esta obra, de nuevo aparecen representados los siete pecados capitales, adoptando formas diferentes según las creencias medievales. El centro de la imagen está ocupado por una gigantesca cabeza, en una de las cuencas de los ojos vemos una rata negra, símbolo de la lujuria, de su nariz salen monedas en clara alusión a la avaricia, las cuales caen en un barril lleno de agua en el que retozan hombres y mujeres desnudos, esto simboliza la lujuria y la codicia, y así sucesivamente hasta completar todos ellos. La obra no solo representa el mal también el bien, a través del Paraíso que podéis contemplar en la parte superior izquierda. La iconografía que toma el Paraíso es la de un lago luminoso donde retozan las almas. En la parte superior derecha una ciudad en llamas, algo muy habitual, que puede o no hablarnos del infierno, y que está muy presente en la obra de el Bosco, debido al incendio que sufrió su ciudad. Todos estos personajes están inspirados en él, en su repertorio y en su gran inventiva. Pero yo me planteó y os planteo otras cuestiones. Nadie duda de la calidad artística de el Bosco, ni de el ingenio de sus representaciones, pero creo que estamos llegando a la locura. Durante el medievo y hasta el S.XVI en los Países Bajos, existían unos códigos de representación iconográfica que hoy a nosotros se nos escapan. Igual sucede cuando contemplamos los relieves de cualquier portada románica. Estos códigos se basaban en dichos populares, en proverbios flamencos, en su propio folclore, que los habitantes de la época reconocían. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMfOVj4B54P7O33ZIaDQj_a2WrTgxV00JUpmHEmyl3TAyDkmj3VHel6hVs40nk8IRfi1pkHW4PTW0rjf_He7yyINchE5YLtzKJbASi-VoOierIEias5eCwCsQPSbUc2cofbtIz0P3chw/s1600/vision-de-tondal-detalle-dado-museo-lazaro-galdiano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="156" data-original-width="500" height="123" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMfOVj4B54P7O33ZIaDQj_a2WrTgxV00JUpmHEmyl3TAyDkmj3VHel6hVs40nk8IRfi1pkHW4PTW0rjf_He7yyINchE5YLtzKJbASi-VoOierIEias5eCwCsQPSbUc2cofbtIz0P3chw/s400/vision-de-tondal-detalle-dado-museo-lazaro-galdiano.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Detalle de "La visión de Tondal". </i></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Yo no soy experta en el Bosco, me gusta, pero creo que utilizando una frase habitual, "se nos está yendo de las manos". Quizá deberíamos ajustar más sus obras a un período muy concreto, contextualizar siempre es importante, ya que si analizamos las obras de cualquier artista por separado encontraremos cosas sorprendentes. Y otra cosa que quiero plantear aquí ¿por qué hay una recurrencia en los últimos tiempos a la obra de este artista? ¿Por qué esa locura? ¿Es la forma de atraer a un público que obnubilado por una serie de obras que se le presentan descontextualizadas acuden en masa a verlas? Creo que los Brueghel tienen suficiente importancia y entidad para poder haber prescindido de las obras de taller del Bosco y de las copias, parece que si hablamos de los pintores flamencos y no aparece el Bosco por ningún lado, ya sea obra original, copias o taller, la exposición no tiene peso. Puedo entender la presencia de la temática de esta última obra como generadora de una idea, el paisaje diabólico, pero si es el mundo de los Brueghel, vamos a darles su importancia, aunque sabemos que Peter Brueghel padre, se inspirase en él e hiciese grabados de alguna de sus obras. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_zZx_gErJ-1lbAmRvO0E__y20axa6Oi-kOgJBVi1l02fz5tJ7cYA3YM6exepXPpNXJCSRW8R7XMoWAs-DKs9afSL4JjpwCuShoPC7hXlfdqPJQKgDP2ZkBVNPeNoqwj5qq1zgyjTldA/s1600/IMG-5592.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_zZx_gErJ-1lbAmRvO0E__y20axa6Oi-kOgJBVi1l02fz5tJ7cYA3YM6exepXPpNXJCSRW8R7XMoWAs-DKs9afSL4JjpwCuShoPC7hXlfdqPJQKgDP2ZkBVNPeNoqwj5qq1zgyjTldA/s320/IMG-5592.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i style="font-size: 12.8px;">Detalle de "La lujuria", 1558<br />Peter Brueghel, el viejo (1525-1569)<br />Biblioteca Nacional de España.</i></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfI0xwsouRstw0fY4a7eOFayQtO9p_QdeZsK2iyPkywxttnTLi1PoORW1myA5IOwNrBgKTEzfiugqtG_9VLY36h1QsUZVPyTNj22pCKK0pVfi3pHwBBIiU2w_hVv33oY9-xEq-NSP_LA/s1600/IMG-5588.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfI0xwsouRstw0fY4a7eOFayQtO9p_QdeZsK2iyPkywxttnTLi1PoORW1myA5IOwNrBgKTEzfiugqtG_9VLY36h1QsUZVPyTNj22pCKK0pVfi3pHwBBIiU2w_hVv33oY9-xEq-NSP_LA/s320/IMG-5588.JPG" width="240" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i style="font-size: 12.8px;">Detalle de "La desidia", 1558<br />Peter Brueghel, el viejo (1525-1569)<br />Biblioteca Nacional de España.</i></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<div style="text-align: start;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">La siguiente sala está dedicada casi por completo a Peter Brueghel a través de los geniales grabados que nos hablan de una forma individualizada de los pecados capitales. Ricos en detalles, en iconografía, en ejecución, auténticas obras de arte con las que disfrutar. Pero, junto a ellas y en un rincón, hay una obra magnífica, pero que permítanme los responsables del centro, no entiendo ni su ubicación, ni su iluminación. La obra es un demonio, muy movido en una composición que mezcla lo horizontal del cuerpo con la diagonal de la posición, donde lo que más llama la atención es la boca abierta en una mueca de desesperación, una perfecta representación del mal. Pero ¿qué hace allí en ese lugar residual? Al verla, me dio la impresión que el espacio quedaba vacío y la escultura, la cual da el título a la exposición debido al tema, no tenía un espacio definido pero tenía que estar presente, encajaba perfectamente en ese rincón. Así la sala no quedaba con un gran vacío y se materializaba la figura del diablo a través de la representación real y no de las formas que adopta. Con lo cuál ningún visitante podría quejarse de que el diablo no aparece en la exposición, a pesar de que ya el título nos introduce en una duda, con el "tal vez". </span><br />
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbmSbti7N8Rzc9lK11zjuDveEdizUxOQ0drMI9_UY2bjx70pLWKCXWzuEyAe0cf9vqqbkONn8Pa-y_k5_-MREegHCIh_eu9AEnGEE7XrPMXiwOdH_Aorlc_uCNLZCL6ALkKtzd5-w1Nw/s1600/IMG-5583.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbmSbti7N8Rzc9lK11zjuDveEdizUxOQ0drMI9_UY2bjx70pLWKCXWzuEyAe0cf9vqqbkONn8Pa-y_k5_-MREegHCIh_eu9AEnGEE7XrPMXiwOdH_Aorlc_uCNLZCL6ALkKtzd5-w1Nw/s320/IMG-5583.JPG" width="240" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Demonio", S.XVIII<br />Anónimo.<br />Museo Nacional de Escultura (Valladolid).</i></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div style="text-align: start;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Me reafirmo en esta idea </span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">debido a que antes decíamos como las obras que acompañan a la principal, sirven para reforzar el mensaje, están todas en sintonía con ella, ya sea por tratar el mismo tema en una técnica diferente o por mostrarnos las influencias del autor. En cambio, esta escultura no tiene nada que ver con el resto de las obras que hay en la misma sala. Lo único que podría pensar es que a través de la escultura del demonio nos quieren mostrar el origen de los pecados capitales que vemos en los grabados de Brueghel padre, pero si fuese así, la ubicación no es la correcta, ya que la vemos frente a nosotros cuando entramos en la sala pero el recorrido lógico, para ver los grabados, empieza por nuestra derecha. Tendríamos un conflicto entre lo que queremos ver y lo que debemos hacer. El poder de atracción de la obra hace que queramos dirigirnos hacia ella, pero la lógica nos hace ir en sentido contrario. Sinceramente, no encuentro explicación de su ubicación. Es</span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"> como un parche. Llama la atención, pero no es el lugar adecuado. La</span> obra parece estar hecha para ser vista desde distintos puntos de vista y en su ubicación solo nos permite un punto de vista, el frontal.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-raGEKXXzopnK0LEQwsY8wk5euhW2xJU_2gWiDmf35pJDmvOfTEyh7jT2Q3S1Gcs0D0RjtPEk8JHYf3jAUo4bszLTfUhfCHveAx2Rpe8jvk89d23-tTunQYKDfKUohiJnAM10Luu7AQ/s1600/IMG-5587.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-raGEKXXzopnK0LEQwsY8wk5euhW2xJU_2gWiDmf35pJDmvOfTEyh7jT2Q3S1Gcs0D0RjtPEk8JHYf3jAUo4bszLTfUhfCHveAx2Rpe8jvk89d23-tTunQYKDfKUohiJnAM10Luu7AQ/s320/IMG-5587.JPG" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Si el tema, según reza el título, es el diablo, esa imagen debería estar en un lugar destacado, por ejemplo en la antesala. La exposición, como hemos dicho, gira en torno al cuadro de "</span><i style="font-family: 'Helvetica Neue Light', HelveticaNeue-Light, helvetica, arial, sans-serif;">Las tentaciones de San Antonio",</i><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"> con lo cuál la escultura visualmente no puede tener más importancia que la pintura, ya que podría llevar al espectador a dudar sobre el objeto destacado. Pues bien, si ese demonio le colocamos a la entrada de la exposición, bajo el título, conseguimos introducir al visitante en el tema, y damos a la escultura la importancia que se merece pero, a la vez, no deslumbra a la obra estrella de la muestra. Y sobre la iluminación que la han dado, pues... de nuevo tengo muchas dudas. Como os decía la escultura es maravillosa, está dotada de una gran movimiento a través de todas y cada una de las partes del cuerpo, pero cuando la sombra proveniente de los focos, se proyecta en la pared, aparece desmembrada y ahí surge el interrogante ¿Han buscado deliberadamente este efecto para lanzarnos la idea de la visión que en la época representada tenían sobre este personaje que producía temor a través de unos miembros, que casi individualizadamente, se proyectan en los muros? Si la iluminación y la sombra que proyecta está pensada de esta manera, está genial, ya que vemos a un demonio desmembrado, y podemos pensar que la lucha contra él se ha ganado y por eso su sombra se proyecta de esa manera. Pero parece que no es la idea, insisto, por el lugar en el que ocupa. La iluminación cenital utilizada nos ofrece una visión muy horizontal, en consonancia con el formato de la escultura, y a la vez, parece reforzar la percepción de un demonio vencido y aplastado que nos remite a la idea que tuvo el escultor para representarnos la lucha del mal que finalmente es vencido. </span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">La obra es anónima y se fecha en el S.XVIII. Como decíamos es perfecta, en detalles, en su estética, en la idea que trata de trasmitirnos, pero su</span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"> iluminación debería estar más cuidada y pensada, sobre todo por la proyección en la pared, como lo está en el resto de la exposición. </span><br />
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTGbWKZEkzVHM-0BXdlXysxH8OvOznSZrXNfXvrp04SJevEFXoGz9I29LcDxqtEW2lX0-fzR-sxRFtyy0BpS61xbye0svMSPzf8U7h5zrG3nAT-Ju2fMUHHxd5sLeO9_5Pc-BX2jaz4A/s1600/IMG-5576.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTGbWKZEkzVHM-0BXdlXysxH8OvOznSZrXNfXvrp04SJevEFXoGz9I29LcDxqtEW2lX0-fzR-sxRFtyy0BpS61xbye0svMSPzf8U7h5zrG3nAT-Ju2fMUHHxd5sLeO9_5Pc-BX2jaz4A/s320/IMG-5576.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Detalle de "Demonio".</i></td></tr>
</tbody></table>
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Las últimas dos salas contienen los dibujos realizados por el artista belga Antoine Roegiers, basándose en los grabados de Brueghel padre y los vídeos donde les vemos tomar vida. Que os aconsejo que los busquéis y disfrutéis de ellos. De nuevo todo tiene un sentido, incluso los artistas seleccionados, todos ellos pasados y presentes de la misma órbita geográfica.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghd4D-Xl55UVj-IAoIUr7idYqM8zTcpJZ7i-_z5zw9WZTRpO88pRZTxyy8kf9NcyA2kiw3AYjtoNtCVeoTq9CSj0cJ5MUYFQUlLpOMMW6DDq2SBVo4m3_HFLJZKY0-LgqzO7DVpkEUNA/s1600/IMG-5593.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghd4D-Xl55UVj-IAoIUr7idYqM8zTcpJZ7i-_z5zw9WZTRpO88pRZTxyy8kf9NcyA2kiw3AYjtoNtCVeoTq9CSj0cJ5MUYFQUlLpOMMW6DDq2SBVo4m3_HFLJZKY0-LgqzO7DVpkEUNA/s320/IMG-5593.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Dibujos preparatorios, 2011.<br />
Antoine Roegiers (1980)</td></tr>
</tbody></table>
<br />
La exposición ha sido prorrogada debido al éxito de la misma, así que no tenéis excusa, los que podáis para ir a disfrutar de ella, ya que merece la pena. Y los que no podáis hacerlo, como os decía antes en la página web del museo tenéis unas imágenes más de la exposición y así, tal vez, podáis disfrutar del demonio en sus muchas variantes.<br />
<br /></div>
</div>
Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-58387629176563456622019-02-11T13:33:00.001+01:002019-02-11T13:37:10.626+01:00¿Hacia dónde nos conducen las escaleras en la Historia del Arte?<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: justify;">
En la entrada anterior hablábamos de las obras de arte en las que aparecen o bien balcones o bien ventanas. Hoy lo haremos de otro elemento constructivo: las escaleras. Pero no las que llenan los edificios históricos, entre las que podíamos recordar la de la Biblioteca Laurenciana realizada por Miguel Ángel o la escalera Dorada de la Catedral de Burgos obra de Diego de Siloé e influenciada por las obras de Bramante y de Miguel Ángel, o quizá la escalera de caracol de los Museos Vaticanos o las escalinatas que asciende hasta las pirámides dedicadas al sol y levantadas por las culturas Mesoamericanas en Tikal o en Teotihucán, por citar algunas. Estas escalinatas están formadas por 260 escalones, 52 por cada sol o cada era, explicando así, el mito de la creación del mundo a través de la leyenda de los Cinco Soles. ¿Conocéis esta leyenda propia de los pueblos mesoamericanos? Os invito a que la leáis y descubráis algo más de su pensamiento religioso. De estas escaleras ya conocemos su función y en algunos de los casos su simbolismo, por eso, en esta ocasión, no nos vamos a ocupar de ellas, sino de las que vemos en lienzos y fotografías.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi47mM436_OAuAU0kTh_k5gWbmhjbU69gPRYjswdqsvQa7i571jrix1yImBtSbfnqLaYFCEaaBAn6V1zw11CLGZMQ3cdrIZtoz-88mDg2wPWEEDnO3WxXuIH3b0HPPZEbLGmGmknuG7Mg/s1600/piramide-del-sol-teotihuacan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="307" data-original-width="409" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi47mM436_OAuAU0kTh_k5gWbmhjbU69gPRYjswdqsvQa7i571jrix1yImBtSbfnqLaYFCEaaBAn6V1zw11CLGZMQ3cdrIZtoz-88mDg2wPWEEDnO3WxXuIH3b0HPPZEbLGmGmknuG7Mg/s320/piramide-del-sol-teotihuacan.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><i>Pirámide del Sol, 1-150.<br />Teotihuacán.</i></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
¿Recordáis alguna obra en la que la escalera se constituya como un elemento a tener en cuenta?<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Unas de las más famosas <span style="text-align: justify;">son las de Maurits Cornelis Escher, o simplemente Escher (1898-1972), a través de las cuales nos introduce en complicados juegos visuales de perspectivas imposibles que buscan engañar nuestros sentidos. Sus obras nos ofrecen planos frontales para contemplarlas, pero es un engaño para nuestro ojo, ya que introduce múltiples puntos de vista que juegan con perspectivas alteradas. En la obra "</span><i style="text-align: justify;">Relativity"</i><span style="text-align: justify;">, en un mismo tramo de escalera, vemos a dos personas, que estando en la misma dirección ¡una sube y la otra baja! En esta obra juega con los centros gravitatorios, así cada una de las personas que aparecen representadas, o mejor dicho, de los autómatas, estaría asociado a un centro de gravedad, por ello suben y bajan por el mismo tramo de escalera sin preocuparse de la dirección del otro. Pero mientras ellos tienen asignado un centro de gravedad, las escaleras no lo tienen, por ello vemos las dos caras de un mismo escalón, el tramo que sube y el que baja. Curioso al menos ¿no? ¿Qué os sugiere el título de la obra? ¿Lo relacionaríais con la teoría desarrollada por Albert Einstein, personaje </span>que a muchos nos parece extraño y oscuro? Yo diría que alguna de esas ideas están en insertas en esta obra, y más teniendo en cuenta que Escher era un hombre de ciencia. Si analizamos, muy por encima la teoría del físico, esta defendía que el tiempo y el espacio eran valores variables y no constantes. Y que el tiempo, dependía de la velocidad y de las fuerzas gravitatorias. Los autómatas de Escher están asociados a diferentes centro de gravitación, si el tiempo depende ello, ¿podríamos pensar que estos personajes suben y bajan por el mismo tramo de escalera sin encontrarse ya que no coinciden en ese mismo momento? A cada uno de ellos le correspondería un tiempo que estaría asociado a la gravedad a la que están unidos. ¿Qué pensáis vosotros?<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="font-family: "times new roman"; margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><div style="margin: 0px;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7jFmn_oIZ26W6qFMDHhxMfCLUH7o2CN46rFQ53I1lMip-iUABhitBuayBcAsz_rrgEyKpFSxv0gSupTz8ZvIG-nxXetyAn5qPmet0Xa4EzXZbrWDoN5gPq-HhQvFbsLaNmlBdi8qwTA/s1600/escher-big.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1490" data-original-width="1600" height="298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7jFmn_oIZ26W6qFMDHhxMfCLUH7o2CN46rFQ53I1lMip-iUABhitBuayBcAsz_rrgEyKpFSxv0gSupTz8ZvIG-nxXetyAn5qPmet0Xa4EzXZbrWDoN5gPq-HhQvFbsLaNmlBdi8qwTA/s320/escher-big.jpg" width="320" /></a></div>
</td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><div style="margin: 0px;">
<i>Relativity, 1953.</i><br />
<i>Collection Gemeentmuseum Den Haag, The Netherlands.</i><br />
<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 12.8px;"><i>©2015 The M.C. Escher Company-Baar.</i></span><br />
<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 12.8px;"><i>Maurits Cornelis Escher.</i></span><br />
<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 12.8px;"><br /></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<span style="text-align: justify;">La geometría, la física, la lógica y las matemáticas hicieron que sus obras a simple vista, pudieran parecernos una sucesión de escaleras, pero al mirarlas detenidamente vemos como rompen con las leyes de las ciencias exactas y nos muestran planos cambiados, donde lo relativo, esa ley que defendía el artista, en su grabados adquiere todo su significado. La ausencia de color sirve para potenciar aún más los juegos visuales. La inspiración para crear la geometría de su obra, según cuentan, le llegó tras la contemplación de los alicatados de la Alhambra granadina.</span><br />
<span style="text-align: justify;"><br /></span><span style="text-align: justify;"><br /></span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiefgh7wd-IhK0XwgKHMr9dbnYN7BVlPOV-w8bIy9WqHQjzO5Fcg2i2uvKPkrAXAOE06PmPXM-UVuY22dMkEEHpqhwdR3TB4EzU_tBB5GArI53dflcMe5WGogyxaNAyNdKcXx06DpTM3Q/s1600/Henri-Cartier-Bresson-escaleras.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="750" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiefgh7wd-IhK0XwgKHMr9dbnYN7BVlPOV-w8bIy9WqHQjzO5Fcg2i2uvKPkrAXAOE06PmPXM-UVuY22dMkEEHpqhwdR3TB4EzU_tBB5GArI53dflcMe5WGogyxaNAyNdKcXx06DpTM3Q/s320/Henri-Cartier-Bresson-escaleras.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><i>Hyères, 1932.</i><br />
<i>Henri Cartier-Bresson.</i></td></tr>
</tbody></table>
<span style="text-align: justify;"></span><span style="text-align: justify;"><br />No solo Escher juega con escaleras en sus obras, también lo hace el fotógrafo Henri Cartier-Bresson. Varias son las fotografías en las que aparece este recurso. En algunos casos, sirven para completar el tema y añadir profundidad a la escena, como en la fotografía <i>"Hyères"</i>, título que hace referencia a la población francesa en la que fue tomada. </span><span style="font-family: inherit;">En ella, la escalera, tiene un papel fundamental. Si os fijáis en los elementos que forman la imagen son todos curvos, la propia escalera crea una curva, la barandilla, el recorrido de la acera y el bordillo y la carretera por la que desciende el ciclista, con ello consigue por un lado que la escena quede encuadrada, algo que preocupaba mucho al fotógrafo, y por otro, que nuestros ojos se focalicen en el hombre, ya que nuestra vista va desde la parte alta de la escalera dibujando la curva que termina en el hombre montado en bicicleta. Imaginad que no existiese la escalera ¿qué sucedería? La profundidad de campo se acortaría tanto que parecería que estamos demasiado cerca del hombre. Por lo tanto este elemento </span>arquitectónico<span style="font-family: inherit;"> se convierte en fundamental. La profundidad necesaria está potenciada por el plano en picado de la escalera. El punto de vista alto nos sitúa a nosotros también en la arte más alta creando la deseada perspectiva. Como la escena implica movimiento, el del hombre en bicicleta al descender por la pendiente, Cartier-Bresson juega con el tiempo que el obturador de la cámara esté abierto y que permite la entrada de más o menos luz. En este caso, la velocidad de obturación es baja o lenta, es decir el tiempo en el que el obturador está abierto o tiempo de exposición es largo, entrará más luz. ¿Cómo se aprecia en la imagen una vez revelada? La imagen que </span>nosotros<span style="font-family: inherit;"> veremos tendrá </span>movimiento<span style="font-family: inherit;"> ya que aparece movida, nos puede producir incluso la sensación de que está desenfocada. Los pintores futuristas representaron la misma idea de una forma muy parecida, pero no jugaron con la luz, sino con las líneas y las siluetas de los personajes que aparecían en el lienzo. Cuando nosotros nos movemos, se producen líneas de fuerza, los pintores futuristas lo que hicieron fue multiplicarlas y desdoblar la figura del sujeto representado. Al desdoblarse la imagen ¿qué obtenemos? Pensad un minuto sobre ello, imaginad en vuestra mente esa idea. Lo que obtenemos es lo mismo que en la fotografía, un sujeto desdibujado, movido. ¿Sí? </span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvIvHz6GDaMuK5vGRavE-p3RtjeoE0jE8om3xpwuqJwmVAnh26Iz2C-hx9QJb3XhoFZ7UsYpkQnqyLVW_TqgCSwgRnimvKY1J46CGe_abPeWGruLrLdzwPIXlAWRJB1LRvhsp8QZeY3A/s1600/1964_016_o2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="871" height="264" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvIvHz6GDaMuK5vGRavE-p3RtjeoE0jE8om3xpwuqJwmVAnh26Iz2C-hx9QJb3XhoFZ7UsYpkQnqyLVW_TqgCSwgRnimvKY1J46CGe_abPeWGruLrLdzwPIXlAWRJB1LRvhsp8QZeY3A/s320/1964_016_o2.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><i style="font-size: 12.8px;">Dinamismo de un perro con correa, 1912.<br />Albright-Knox Gallery. Buffalo (USA)</i><br />
<i>© Estate of Giacomo Balla</i><br />
<i style="font-size: 12.8px;">Giacomo Balla.</i></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
Pero también las escalintas, sirven para identificar espacios, lugares como podemos apreciar en la fotografía de <i>"Siphnos"</i> (Grecia), utilizadas para salvar los desniveles de una urbe ubicada en un pequeño promontorio. Esta isla fue refugio de artistas e intelectuales por la sencillez de su arquitectura, la belleza de su paisaje y el remanso de tranquilidad. En esta imagen vemos a una joven que corre escaleras arriba. Una escalera en la que se proyecta la sombra del día. Lo más habitual hubiera sido que la escalera estuviese iluminada, ya que así nuestros ojos ascenderían por ella hasta desembocar en la joven. A pesar de ello, el resultado es casi el mismo, ya que la oscuridad enmarcada por luz también juega el mismo papel. La intensa sombra parece marcar el tramo que ya ha recorrido, lo que va dejando atrás, lo que se olvida. En cambio la luz proviene de la parte alta, la que ilumina el sol en el momento más álgido, si buscamos una metáfora ¿esa parte superior a la que se dirige y que está fuertemente iluminada, podrían ser los anhelos, los deseos, las esperanzas hacia las que correr apresuradamente? Probablemente esa no es la idea, sino la de mostrarnos a una joven que de un momento a otro desaparecerá de nuestra vista al tomar el último escalón. ¿Quizá estamos ante el concepto del "instante decisivo" desarrollado por Cartier-Bresson?<br />
<span style="text-align: justify;"></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4cD6JI1PsJ0fRlkSzgV25JahRgvnE7tlDjT2kRhau1R-k7J0IxUeJbXvmtgXnb1pLtfUHfb6qL1S4dtz06yafmCmTnElt7fAhl1OEbSn2RVbuoGt1LvDncf06yF2T8jC-PU8ayhK0KQ/s1600/henri-cartier-bresson-alberto-giacometti-rue-dal%25C3%25A9sia-paris-photographs-zoom-2_634_500.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4cD6JI1PsJ0fRlkSzgV25JahRgvnE7tlDjT2kRhau1R-k7J0IxUeJbXvmtgXnb1pLtfUHfb6qL1S4dtz06yafmCmTnElt7fAhl1OEbSn2RVbuoGt1LvDncf06yF2T8jC-PU8ayhK0KQ/s400/henri-cartier-bresson-alberto-giacometti-rue-dal%25C3%25A9sia-paris-photographs-zoom-2_634_500.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><i>Siphnos (Grecia), 1961.</i><br />
<i>Henri Cartier- Bresson</i><br />
<br />
<br /></td></tr>
</tbody></table>
<div>
<div style="text-align: center;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">La imagen que refleja el logro del "instante decisivo" también cuenta con una escalera, en esta ocasión en un plano horizontal. Y es la que tenéis bajo estas líneas. </span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtpaconORzpGNoMGsBjFK0a_kFbbFF8TEOrXsB9rABJmYbhuVwjQIgBDzieu_933okdUafOdzw3vmVuKHuQemp2u3eGXepHJV5sdVqAH_KSSBJkgJTokWHhiJZn5PesqNozjcNfxgqsA/s1600/place-de-l-europe-gare-saint-lazare-paris-1932.jpg%2521PinterestSmall.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="309" data-original-width="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtpaconORzpGNoMGsBjFK0a_kFbbFF8TEOrXsB9rABJmYbhuVwjQIgBDzieu_933okdUafOdzw3vmVuKHuQemp2u3eGXepHJV5sdVqAH_KSSBJkgJTokWHhiJZn5PesqNozjcNfxgqsA/s1600/place-de-l-europe-gare-saint-lazare-paris-1932.jpg%2521PinterestSmall.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><i>Plaza de l´Europe. Gare Saint Lazare, 1932.</i><br />
<i>Henri Cartier-Bresson.</i><br />
<br /></td></tr>
</tbody></table>
La fotografía de la isla griega, me recuerda a una pintura realizada muchos años antes, por Caspar David Friedrich, una de las pocas pinturas de este autor que se desarrolla en un interior,<span style="font-family: inherit;"> <i>"Mujer en las escaleras"</i>, en la cual aparece una mujer, que en esta ocasión, por el momento del día que parece representar, las sube despacio, sin hacer ruido. De nuevo la iluminación de la obra parece centrar nuestra atención, la escalera vuelve a estar en penumbra. ¿Qué quiere mostrarnos el pintor del Romanticismo?¿Es sencillamente una escena de género nocturna en la que una mujer se dirige hacia </span><span style="font-family: inherit;">sus aposentos? Me voy a detener en la iluminación que confiere a la imagen. Si en los paisajes juega con las luces del día, con los crepúsculos que dependiendo si son al alba o al anochecer, nos muestran una paleta cromática más cálida o más fría, en este lienzo lo hace con los fuertes contrastes que proporciona la luz artificial. Deja en penumbra la parte inferior de las escaleras para iluminar con un fuerte claroscuro la parte superior de la vivienda hacia donde se dirige la mujer. Y así crea expectación, y lo hace de una forma muy parecida a como lo hizo Cartier-Bresson en la fotografía de Sipnos. Siguiendo con cierto paralelismo entre pintor y </span>fotógrafo<span style="font-family: inherit;">, podíamos decir que Friedrich jugó en esta obra con el "instante decisivo", la frase clave que define la obra del fotógrafo francés. Podemos pensar que todas las imágenes juegan con ese momento, ya que nos muestran el segundo exacto en el que sucede algo, pero el instante decisivo es más que eso y Friedrich, a pesar de los años que los separan, parece que en esta obra supo captarlo, dejando en suspense hacia donde se dirige la mujer que está a punto de perderse ante nuestros ojos, de desaparecer en cuanto de la vuelta a la esquina. Y eso es lo que hace que el tiempo se detenga y que estemos expectantes de ver lo que sucede preguntándonos cual será el siguiente paso, hacia dónde se dirige, cómo es la vivienda que se nos oculta, cómo es la habitación a la que encamina sus pasos o quién es esa mujer. En ese punto, echamos de menos el siguiente fotograma, el que acabe con nuestras dudas. Y pensando así, en ese paso posterior, os pregunto ¿quién puede ser protagonista en esta escena? ¿La mujer, las escaleras o la luz? Realmente ¿estamos esperando saber hacia dónde se dirige </span><span style="font-family: inherit;">la mujer, dónde desembocan las escaleras, cómo será el foco de luz que la ilumine cuando siga su avance, será más potente o más </span>tenue<span style="font-family: inherit;">? Lo más importante en este lienzo, no es la mujer, ni la escalera, ambas son medios, elementos que complementan y dan forma a la obra. Lo más importante, es la luz, la forma de jugar con las tonalidades, de expresar a través de ellas, la creación de una atmósfera intimista, cotidiana, nocturna, de un momento preciso. En las obras, donde la naturaleza tenía todo el protagonismo, también jugaba con las luces, como decía antes, con los crepúsculos y con las gamas cromáticas. Y en ellas, también aparece la figura humana, que incidían en un concepto muy Romántico, el de lo pintoresco. En ellas, los hombre y las mujeres, estaban supeditados al paisaje que les empequeñecía. Aquí la mujer que avanza escaleras arriba, sirve para situarnos ante una escena de género. Una escena que nos habla, seguramente, de una casa burguesa, cuya clave la dan las escaleras. Debido al ascenso de la burguesía, como clase social dominante, comienzan a construirse viviendas de varias plantas que distribuían los espacios desde los públicos, que se encontraban en la parte baja y los privados a los que se accedía por una escalera, en la parte superior. Pero no solo eso, en la parte superior existían dos alas, una ocupada por la mujer y otra por el hombre. En algunas viviendas existía un tercer piso ocupado por los niños o por las personas que trabajaban en la casa, aunque estos solían ocupar la planta baja, en estancias cercanas a las cocinas. Muy curioso, es como las dependencias femeninas tenían acceso a dos escaleras, la principal y una trasera que conectaría directamente con las cocinas. En ese momento también nacieron los edificios de pisos que se alquilaban, en la parte baja, la más cara vivirían los señores de la misma y en los pisos superiores los alquilados. </span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span><span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="font-size: 12.8px; margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje9gqUYhCbTqOvhvPH-oJdcOSwRLfpvOPXFZfw3J8LkdcuEBTQLkzm9k3VJpHBgv6cvndTQf6wDdhQsQrlBFtFxVnmlIy4OYXtcX45jRGJlU3493VAzcHcmFcp9HsNZ8uWe87K-_jYOg/s1600/woman-on-the-stairs.jpg%2521Large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="422" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje9gqUYhCbTqOvhvPH-oJdcOSwRLfpvOPXFZfw3J8LkdcuEBTQLkzm9k3VJpHBgv6cvndTQf6wDdhQsQrlBFtFxVnmlIy4OYXtcX45jRGJlU3493VAzcHcmFcp9HsNZ8uWe87K-_jYOg/s320/woman-on-the-stairs.jpg%2521Large.jpg" width="225" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><i>Woman on the stairs, 1825.</i><br />
<i>Pomeranian State Museum, </i><i style="font-size: 12.8px;">Greifswald, Germany.</i><br />
<i style="font-size: 12.8px;">Caspar David Friedrich.</i><br />
<div>
<br /></div>
</td></tr>
</tbody></table>
Si las escaleras parecen tener tanta importancia ¿por qué digo entonces que la importancia radica en la luz? El Romanticismo, como movimiento que marca la subjetividad de los sentimientos, se sirve de los colores y de la creación de atmósferas para trasmitirnos un estado de ánimo, el sentimiento del momento concreto en el que la mujer, cansada de la vorágine diaria, asciende hacia sus aposentos. Todo parece estar en calma, en un silencio adormilado al igual que el resto de los habitantes de la vivienda y ella parece ascender despacio, sin hacer ruido, evitando que cualquier crujido de la escalera despierte a los habitantes de la casa que duermen plácidamente. Y esas ideas aparecen marcadas por la luz, la oscuridad asciende tras ella y la inunda, solo la pared de nuestra izquierda aparece ligeramente iluminada por una tonalidad dorada. Si nos fijamos de donde proviene la luz, parece que lo hace de un punto en la parte alta del muro, de una candela de la que emana una luz amarillenta. A esta luz parece perseguirla la oscuridad que proviene de la parte baja y va ascendiendo junto con la mujer. ¿A qué os recuerda? Las tonalidades doradas, nos sitúan en un momento preciso, en la naturaleza sería el ocaso, la puesta de sol, el momento en el que la noche comienza a ganar terreno. Por lo tanto Friedrich, podía estar jugando con esa idea. Es el momento en el que cesa la actividad y llega el reposo. Es el momento de la serenidad, de la calma, la tranquilidad, marcada por los juegos de luces y de tonalidades. Por el atuendo de la mujer, podría ser el ama de la casa, la que da el último vistazo para ver que todo esté en orden.<br />
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La literatura también se hizo eco de la importancia de la escalera, y así, Buero Vallejo nos dejó su particular <i>"Historia de una escalera". </i></div>
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Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-1246942202125665012019-01-24T12:21:00.002+01:002019-01-26T20:29:34.923+01:00La ventana en el arte.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div style="text-align: justify;">
Las obras de arte están llenas de motivos, de elementos, de recursos que se repiten a lo largo de ellas independientemente del tiempo. Algunos nos sirven para reconocer a los artistas que hay detrás de los lienzos, otros para involucrarnos en un movimiento, otros tienen un significado concreto que hace referencia al personaje retratado. Elementos ligados al poder, al buen príncipe o incluso a las aficiones del personaje. O sencillamente, objetos que ayudan a la estética de la obra y sirven para crear la sensación de realidad de lo que estamos viendo, engañando a nuestro ojo, como los balcones. Es este un recurso que puede rastrearse desde el Renacimiento italiano. Giulio Romano edificó el Palacio del Té o Palazzo Te, en Mantua, para Federico de Gonzaga, decorando algunas de sus habitaciones con frescos, como el del techo de la Sala de los Gigantes. Aquí se crea una falsa sensación arquitectónica utilizando 12 columnas que soportan una cúpula de casetones, típica renacentista, que ayuda a crear aún más profundidad y que es heredera de la utilizada en el Panteón de Agripa en Roma. A la balaustrada, sobre la que se apoyan las columnas, se asoman una serie de personajes, algunos de los cuáles dialogan entre ellos seguramente sobre lo que está sucediendo, que no es otra cosa que la lucha de los dioses del Olimpo con los Titanes a los cuáles castigan, buscando la intención moral y la disposición que Federico de Gonzaga tenía hacia Carlos V. El Manierismo buscó y consiguió trasmitir en su obras, la mezcla de realidad e ilusión.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqXjBMrfq8PdWwH7XMdwWRWwVXj2D7bQQcu1ov44LGGqUt8fg_wir5EyfQiukmocZQJeupYm_j_WbMyzhL3RNCQvVNl38tNO_QTrBfAvKdWUMX0I5Wlby6nG08vfRSAGI6hFSdJT7oTA/s1600/IMG-8173.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="761" data-original-width="750" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqXjBMrfq8PdWwH7XMdwWRWwVXj2D7bQQcu1ov44LGGqUt8fg_wir5EyfQiukmocZQJeupYm_j_WbMyzhL3RNCQvVNl38tNO_QTrBfAvKdWUMX0I5Wlby6nG08vfRSAGI6hFSdJT7oTA/s320/IMG-8173.jpg" width="315"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Techo de la Sala de los Gigantes, 1532.<br>Giulio Romano<br>Palacio del Té, Mantua (Italia).</i></td></tr>
</tbody></table>
La influencia italiana llega a los Países Bajos. Allí, en los primeros años del S.XVII, <span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Gerard Van Honthorst, buscó sorprender al espectador con la obra <i>"Músicos en un balcón"</i>, un lienzo que les hacía creer que sobre ellos no existía una arquitectura, sino el cielo abierto en el que unos músicos que les miraban interpretaban para ellos la más bella de las composiciones musicales. </span><br>
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<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEja5BQwhdcITs3XcyCaW_DgnfYbjMKCksBCyiffOrRbZE00NTb4rsrX2WzeFPBItDVyhB1SymYFPxxFxKYwJo3rKQwLcWtqS6yNu6-g0jE8efaxMEl4WYxTDEYimM2T3Gpa3x21lxOlJA/s1600/00060401.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="718" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEja5BQwhdcITs3XcyCaW_DgnfYbjMKCksBCyiffOrRbZE00NTb4rsrX2WzeFPBItDVyhB1SymYFPxxFxKYwJo3rKQwLcWtqS6yNu6-g0jE8efaxMEl4WYxTDEYimM2T3Gpa3x21lxOlJA/s400/00060401.jpg" width="280"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Músicos en el balcón", 1622</i><br>
<i>Gerard Van Honthorst.</i><br>
<i>@The J. Paul Getty Museum, Los Ángeles (CA)</i></td></tr>
</tbody></table>
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En España, una idea parecida la encontramos en el trampantojo que, Francisco de Goya, realiza para la cúpula de San Antonio de La Florida, donde buscaba crear la impresión de un cielo abierto, pero no al estilo italiano de Corregio o del Tiépolo, con grandes rompimientos de gloria, sino más cotidiano, recreando el paisaje que rodeaba la ermita y donde tiene lugar un hecho milagroso, así el fiel tendría la sensación de ser espectador privilegiado del mismo.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTHb43VVBoTvSqZr0G5ORJmYSGZ5VkwKCvitPORbwlZNpvqpXUL07NdreNs3FAvh4F_hwYZ2iQUpY_D0fB4CyGYZZeb0bBy025-tCwLnCwJeIr_W24XJHeO_xp7qUydjGsmPg28Zv4Jg/s1600/250px-Bartolom%25C3%25A9_Esteban_Perez_Murillo_014.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="250" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTHb43VVBoTvSqZr0G5ORJmYSGZ5VkwKCvitPORbwlZNpvqpXUL07NdreNs3FAvh4F_hwYZ2iQUpY_D0fB4CyGYZZeb0bBy025-tCwLnCwJeIr_W24XJHeO_xp7qUydjGsmPg28Zv4Jg/s1600/250px-Bartolom%25C3%25A9_Esteban_Perez_Murillo_014.jpg"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Mujeres en la ventana", 1655-1660.<br>Bartolomé Murillo.<br>@National Gallery of Art, Washington.</i></td></tr>
</tbody></table>
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No solo en los techos, también el balcón o la ventana, son protagonistas de numerosos lienzos. Así Bartolomé Esteban Murillo, el maestro sevillano barroco de la dulzura y de las composiciones anecdóticas, lo utilizará en el lienzo <i>"Mujeres en la ventana". </i>El eco de esta obra se deja sentir en algunas de las que realizaría Goya y que toman este elemento como referente, como <i>"Majas en el balcón", </i>la cual a su vez influenciará a Édouard<i> </i>Manet para componer <i>"El balcón",</i> al cual se asoman tres personajes, uno de ellos es Berthe Morisot que se convertiría en su modelo y con el paso del tiempo, en una de las más importantes representantes del Impresionismo. En su obra también encontramos escenas en las que aparecen mujeres asomadas a balcones contemplando exteriores, aquí la importancia radica en el paisaje urbano, pero también, Morrisot nos muestra interiores con ventanas abiertas al exterior, en este caso destacaría el carácter intimista. Completarían la escena, de la obra de Manet, un pintor Antoine Guillemet y la violinista Fanny Clauss, amigos todos ellos del pintor. A pesar de que Manet se inspiró en Goya, la temática es muy diferente. En el caso del pintor aragonés, aunque no se puede asegurar, parece que las mujeres son prostitutas, en el de Manet, representan a la rica burguesía. El artista francés al contrario de lo que hizo Goya, huye de las escenas costumbristas tan propias de la época, del tema por el tema, obviando la anécdota. Y esto es lo más moderno de su obra, y donde radica la importancia de este lienzo, ya el tema no importa, es secundario, lo más importante es la forma de resolver el lienzo a través de la técnica. Quizá también, el surrealista, Óscar Domínguez, se inspirase en estas obras para mostrarnos varias versiones de sus <i>"Mujeres en el balcón"</i>.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH9JQEaQtsjZR7VEXXNnqD2X0AtzDwBd7ekc5StvLLTs9V8rBIDfskG2yZJFoOAbBOpVhR3t7AWC1fuiOETd-y9uPBeofLnIkSHqAe-PMRiKoSTjz9GtjWusRVZk4iq0IHOE55u2IxnA/s1600/mujeresenelbalcon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1059" data-original-width="1500" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH9JQEaQtsjZR7VEXXNnqD2X0AtzDwBd7ekc5StvLLTs9V8rBIDfskG2yZJFoOAbBOpVhR3t7AWC1fuiOETd-y9uPBeofLnIkSHqAe-PMRiKoSTjz9GtjWusRVZk4iq0IHOE55u2IxnA/s320/mujeresenelbalcon.jpg" width="320"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"<i>Mujeres en el balcón", 1947.</i><br>
<i>Óscar Domínguez.</i></td></tr>
</tbody></table>
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<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Volviendo al Barroco, Caravaggio no utiliza balcones pero si ventanas como en <i>"La vocación de San Mateo"</i>, como elemento que dota de realidad a una escena, que quizá no lo fuese tanto. Pero si os fijáis, la luz no proviene de la ventana, sino de un foco que se sitúa fuera de la obra, proveniente del margen superior derecho y que ilumina no solamente la parte alta de la escena, dejándonos ver con claridad los rostros de los personajes sentado a la mesa, que se encuentran en la misma diagonal que el haz de luz, sino también y sobre todo la propia ventana. Caravaggio utiliza otros puntos de luz que iluminan a los personajes, pero son ellos mismos los que actúan como focos e irradian esa luminosidad, con lo que consigue crear zonas en penumbra dentro de un mismo personaje. Si os fijáis en el joven que sentado nos da la espalda, se aprecia perfectamente, la parte derecha del cuerpo está iluminada mediante toques de luz y deja el resto en semipenumbra, ayudando así a crear valores expresivos y a dotar de ciertos aires irreales la obra. Ya conocéis mi debilidad por el pintor romano, una debilidad que cada día se acrecienta viendo la genialidad que desprende su obra. La ventana es un motivo muy habitual en las obras, pero utilizado para dar la sensación de profundidad o para convertirse en el elemento que da luz a la obra. En realidad, Caravaggio también la utiliza, pero él muy hábilmente, para aportar cierta sensación de luminosidad, ya que las tonalidades de los cristales ayudan a crear la atmósfera de luces doradas que bañan a los personajes sentados a la mesa y sitúan la escena que estamos viendo en un momento concreto del día y también definen que lo que vemos, es en cierta manera irreal, ya que es un capítulo bíblico aunque los personajes vayan vestidos según la época de nuestro pintor. Caravaggio juega a engañar nuestra percepción y lo hace, como siempre, asombrosamente. </span><br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs8M19vxyR-xAZESdKu4fXYJ4mp6M02Mi_zCDquPYHJpdBegwQoDy0LS5BMgEbhpwRXhulNsY49NkH3LioEWeT0AhSdcN5_h69JD1VtjbdezuKa4YGOAF-5L0NfjP1rVfyGYQsgYX7fA/s1600/892px-Caravaggio_1571-1610_-_De_roeping_van_Matte%25C3%25BCs_1599-1600_-_Rome_San_Luigi_dei_Francesi_10-01-2011_12-07-56-e1478074554131.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="726" data-original-width="720" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs8M19vxyR-xAZESdKu4fXYJ4mp6M02Mi_zCDquPYHJpdBegwQoDy0LS5BMgEbhpwRXhulNsY49NkH3LioEWeT0AhSdcN5_h69JD1VtjbdezuKa4YGOAF-5L0NfjP1rVfyGYQsgYX7fA/s320/892px-Caravaggio_1571-1610_-_De_roeping_van_Matte%25C3%25BCs_1599-1600_-_Rome_San_Luigi_dei_Francesi_10-01-2011_12-07-56-e1478074554131.png" width="317"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"La vocación de San Mateo", 1599.<br>Caravaggio.<br>Iglesia de San Luis de los Franceses, Roma (Italia)</i></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Podíamos seguir hablando de más ventanas en el arte. </span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">René Magritte la utiliza como protagonista de la obra <i>"La clef des Champs" </i>en la que lo importante no es el paisaje que vemos a través de ella, lo importante es saber si ese paisaje es real o no. Si existe tras la ventana, ya que cuando esta se fragmenta y los pedazos caen al suelo, reproducen parte del paisaje que vemos a través de ella. Algo similar encontramos en la obra <i>"La condición humana", </i>que había realizado unos años antes. La ventana y los cortinajes son los mismos, lo que cambia, es el punto de vista que nos ofrece. En este caso, delante de la ventana sitúa un caballete, aunque a simple vista, pueda parecer que solo son las patas del mismo, pero si centráis vuestra atención, veréis que soporta un lienzo donde se reproduce una parte de paisaje que encaja perfectamente con el que vemos al otro lado del cristal. De nuevo parecen piezas que completan un puzzle, un engaño visual que nos hace dudar sobre lo que es real. Juega con el ilusionismo y la ambigüedad en una mezcla de elementos que podemos situar en la órbita de lo real y lo imaginado, de lo consciente y lo subconsciente en un claro juego surrealista. Magritte quiere que el espectador se pregunte qué es lo real, y de nuevo lo vuelve a conseguir. </span>Y vosotros ¿qué opináis? <span style="font-family: "times new roman";">¿Conocéis más obras donde aparezca este recurso o en su defecto una ventana? Seguro que la respuesta es ¡sí! Todos los lienzos son ventanas. </span><br>
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8NmUbt4jKuSWO8q5WNZMiY5Gv5dfMGcr7iVPi3qs5s6DYflgFUKQCH4UJ8VmqEeBPEoEbb9_8M2qbnInTmlKUlOjOF1IT0sJ24fgy_8JfmpwywmnqRoyQnXNrSkb6jiiNZvC_sGI9tg/s1600/Ren%25C3%25A9_Magritte_The_Human_Condition.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="481" data-original-width="378" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8NmUbt4jKuSWO8q5WNZMiY5Gv5dfMGcr7iVPi3qs5s6DYflgFUKQCH4UJ8VmqEeBPEoEbb9_8M2qbnInTmlKUlOjOF1IT0sJ24fgy_8JfmpwywmnqRoyQnXNrSkb6jiiNZvC_sGI9tg/s320/Ren%25C3%25A9_Magritte_The_Human_Condition.jpg" width="251"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"<i>La condición humana", 1934.<br>René Magritte.<br>Colección particular.</i></td></tr>
</tbody></table>
Pero no solo los lienzos se llenan de ventanas, también las fotografías las utilizan como símbolo. Podéis encontrar muchas imágenes de fotógrafos de todos los tiempos que utilizan este recurso. Yo me voy a quedar con las íntimas y poéticas de André Kertész que utilizó la ventana, como motivo a fotografiar, pero también desde donde tomó muchas de sus fotografías. Desde la de su apartamento de Nueva York, y con un teleobjetivo, fotografiaba, sin ser visto, a cuántas personas transitaban por el parque o todas aquellas escenas que podía captar con su cámara y que discurrían por los tejados de los edificios cercanos. Como si fuera un voyeur, nos mostraba los momentos más personales de sus vecinos. Captó el día a día, los momentos más cotidianos, los más íntimos y quizá también los más banales, pero que son parte importante de nuestra rutina y componen nuestro día. Y así, aparecen ambientes de lo más variado, como niños jugando, mujeres tomando el sol en los tejados e incluso una ventana de la que cuelgan calcetines. En<i> "Una ventana en el Quai Voltaire"</i>, vemos dos bustos, uno masculino que parece salido de la Antigüedad y otro femenino, quizá más moderno. Ambos se asoman a la calle pareciendo observar algo que sucede al otro lado. Como Kertész, actúan de mirones. Pero quizá no fuesen mirones, sino cautivos de un tiempo pasado que reposan en un espacio nuevo y cuyo único contacto con su nueva realidad fuese esa ventana. Una ventana que les enmarca como si fuesen dos retratos. Una ventana de mansarda, característica de los edificios parisinos. Una ventana historiada con volutas laterales, que deja de ser un sencillo elemento para ser el marco de una historia.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhskzXJgZ0i8IEPcRLZ93BtEWpjzJm7ouQBaTfc7MQpytrXM4n_FVQj5jsqz4ZFP4VWzKWCHI2DZ3zCcX-mFJxm5DyfkFhMnI4z70ESPzI1CkPnx9c8wO7J3tSnX7oYG6RdQmFWCfYc8g/s1600/20150501-lens-kertesz-slide-JA57-superJumbo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1140" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhskzXJgZ0i8IEPcRLZ93BtEWpjzJm7ouQBaTfc7MQpytrXM4n_FVQj5jsqz4ZFP4VWzKWCHI2DZ3zCcX-mFJxm5DyfkFhMnI4z70ESPzI1CkPnx9c8wO7J3tSnX7oYG6RdQmFWCfYc8g/s320/20150501-lens-kertesz-slide-JA57-superJumbo.jpg" width="227"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Una ventana en el Quai Voltaire. París". 1928.<br>André Kertész.</i></td></tr>
</tbody></table>
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Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-32686300370506433662019-01-09T17:43:00.001+01:002019-01-10T18:30:09.799+01:00Constantin Brancusi y la extensión de un beso.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiREbjhpN3qoC1NV4OentA5YrCLnFeUlWvWx6OjWI5PBzsgzHCNyJVtpiXTACyxklkBwSh7aQtR27pJ-CBynfzzyYkcHtmMwqfpBsmKrsST9z8atUs5bZere8QQ5bX4JD9xmgelgXQxsw/s1600/5-grandes-frases-del-ermitano-del-arte-moderno-constantin-brancusi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="620" height="154" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiREbjhpN3qoC1NV4OentA5YrCLnFeUlWvWx6OjWI5PBzsgzHCNyJVtpiXTACyxklkBwSh7aQtR27pJ-CBynfzzyYkcHtmMwqfpBsmKrsST9z8atUs5bZere8QQ5bX4JD9xmgelgXQxsw/s320/5-grandes-frases-del-ermitano-del-arte-moderno-constantin-brancusi.jpg" width="320"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Constantin Brancusi. </i></td></tr>
</tbody></table>
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París era una fiesta, eso pensaba Ernest Hemingway, cuando decidió titular así su última obra, la cual recoge sus aventuras de juventud en la ciudad del Sena durante los años 20 del siglo que nos antecede, acompañado por los escritores que formaron la llamada generación perdida. Y eso mismo pienso yo, cuando imagino a esta bulliciosa ciudad, en lo albores del S.XX, a la que, provenientes de diferentes países, llegaron jóvenes artistas, escapando de un destino incierto y deseosos de alcanzar la fama y mostrar al mundo el nuevo arte. Uno de estos jóvenes fue Constantin Brancusi (1876-1957), que en 1904 y después de una larga caminata desde Bucarest, llega a la ciudad donde tomarían forma sus sueños. Allí, entraría en contacto con Auguste Rodin, en cuyo taller pasaría una temporada y sobre todo con artistas que se encuentran en el origen del nacimiento del arte Moderno como Picasso, Modigliani al que dice que le enseñó a tallar, o con ese dúo tan bien avenido como fueron Francis Picabia y Marcel Duchamp (recordad que era un trío, ya que junto a ellos siempre estaría Man Ray) o Henry Rousseau "el aduanero". Todos ellos dieron carácter y especificidad al arte que se desarrollaría en Europa desde inicios del S.XX y que tuvo como epicentro París. </div>
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El destino o el hado, hizo que Brancusi abandonase la taberna en la que trabajaba en Bucarest y comenzase su formación como escultor en la escuela de Artes y Oficios de Craiova. Y ese dulce destino se forjó una tarde en la que alguien le reta a realizar un violín con una caja de madera utilizada para guardar naranjas. La perfección del instrumento fue tal, que un rico comerciante le apadrinó pagándole sus estudios. Y así, ese joven campesino, que había trabajado en los oficios más dispares, logró convertirse en pionero y referente de la escultura y del arte vanguardista de las primeras décadas del siglo pasado. A pesar de que la historia no ha sido justa con él, ya que el gran público apenas conoce y reconoce sus logros, con su obra se inicia la andadura de la escultura abstracta y la influencia que tendría en artistas posteriores como Henry Moore o Richard Serra.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilXqKnritI6HVXtCZPi-91FsOb5M_uR1r-uY6QnhplrcBtCzcohIMBEy_oeZsAwzBnh6qy6VXzO1wtM1TFz351eMKXJgnS9Aguv3B_B2MF-qCze4AD57qWd_-KXXaS0UGoGAYdUePyGA/s1600/01-Brancusi-Plato-Mademoiselle-Pogany-II-and-Golden-Bird-1920.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1598" data-original-width="1280" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilXqKnritI6HVXtCZPi-91FsOb5M_uR1r-uY6QnhplrcBtCzcohIMBEy_oeZsAwzBnh6qy6VXzO1wtM1TFz351eMKXJgnS9Aguv3B_B2MF-qCze4AD57qWd_-KXXaS0UGoGAYdUePyGA/s320/01-Brancusi-Plato-Mademoiselle-Pogany-II-and-Golden-Bird-1920.jpg" width="256"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Mademoiselle Pogany II" y "Golden Bird", 1920</i><br>
Taller del Impasse Rossin (París)</td></tr>
</tbody></table>
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Este hombre de aspecto rudo y serio, barba y pelo desmadejado que gustaba de las obras seriadas, inmortalizó, para mí, uno de los besos más sencillos pero lleno de emotividad que nos ha dado la Historia del Arte. Aquí no hay artificio, ni poses estudiadas, ni siquiera una historia detrás, solo hay un abrazo y un beso. Un bloque de piedra que trabajado con la técnica primitiva de la talla directa, nos trasmite toda la calidez del momento. Esta técnica había sido abandonada desde época medieval, ya que la consideraban demasiado ruda y los ideales del Renacimiento tendían a la belleza en todos los sentidos, una belleza que empezaba por el uso de técnicas que nos mostraran cuerpos perfectos y bellos y no solo bloques que conservaran la marca de la talla. Con la talla directa se golpeaba la piedra quitando material hasta hacer aparecer la imagen que subyace en su interior, al golpear el material se obtenían diferentes calidades y acabados más propios de la artesanía. Pero nuestro escultor la utiliza con tanto mimo, que esa supuesta rudeza desaparece en aras de la gracilidad. En parte no estaban tan alejados de la idea de Miguel Ángel, quien dijo que cada bloque de mármol guarda una escultura en su interior y que el trabajo del escultor es sacarla a la luz. Brancusi hizo lo propio y a través de la sencillez y de la simplificación nos legó obras que muestran el mismo amor por las formas que tenía Miguel Ángel. Contemplar "El beso" ("The Kiss") es abstraerte, es detenerte en las escasas líneas que forman los brazos, los labios, los ojos que cerrados se entregan a ese bello momento y el pelo con el que identifica al hombre y a la mujer. No necesitó de nada más para convertir su obra en la más deseada por coleccionistas y museos. La demanda de esta obra para formar parte de distintas exposiciones fue tal, que Brancusi sacó algunos modelos en yeso, como el que conserva la Colección Nasher en Dallas.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDtjgu-l_LINhQHIN1gAAItiJhvrI6tKnC7kTdmClk98c9PLbTHpN9HMhPfJ9gU5jrU3E8Q_MgKkOo4T70nrjZKh3pl5wvFAls_p2Hfp9kBErc2jC5hhIYJgGzTFZ3rrrasp65I5q_og/s1600/beso_brancusi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="320" data-original-width="289" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDtjgu-l_LINhQHIN1gAAItiJhvrI6tKnC7kTdmClk98c9PLbTHpN9HMhPfJ9gU5jrU3E8Q_MgKkOo4T70nrjZKh3pl5wvFAls_p2Hfp9kBErc2jC5hhIYJgGzTFZ3rrrasp65I5q_og/s1600/beso_brancusi.jpg"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"El beso", 1907<br>Museo de Arte de Craiova (Rumania)</i></td></tr>
</tbody></table>
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La primera versión de <i>"El beso"</i> es un yeso de principios del S.XX que realizaría para la colección del artista e historiador del arte Walter Pach y la última data de 1916 a requerimiento de su marchante en Nueva York, John Quinn. Esta última es la más geométrica de todas y quizá la más influenciada por el Cubismo. Entre todas ellas existen diferencias que van modelando su estilo. Pero todas conservan la idea de una obra surgida del bloque, del material, ya sea de piedra caliza o yeso. El uso de técnicas tan básicas y primitivas tiene mucho que ver con el descubrimiento del arte africano, que tanto influiría en los artistas de aquella generación, como en Picasso, para ello no hay más que contemplar <i>"Las Señoritas de Avignon"</i>, influenciada además por el arte Íbero. La escultura africana partía de un bloque al cual se le daba la forma general de la figura a representar mediante el desbastado, para luego crear, a través de líneas interiores incisas, el resto de la obra. Estas esculturas se caracterizan por la frontalidad, la rigidez y la enorme belleza que le confería el pulido de la madera. Nuestros artistas entraron en contacto con las civilizaciones africanas, debido al gusto del momento por el exotismo proveniente de las numerosas expediciones que se realizaron al continente africano, y que se hicieron presentes en colecciones y museos y ellos a cambio, hicieron que este arte fuese reconocido a nivel mundial.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiie8Xt-T1H-5RmxL2I_lzzotPD8mPlKn5gyah3h2uig2c7ipFQV2WFvUT6Yt71Oqzj5H70J_lCA5a0Ow0vL7zxkN_a2r_SYeZwo20t86TLJGUQuQTKIZ2c2-_aqkp3fHgpbBuQiDpD4A/s1600/unnamed.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="266" data-original-width="200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiie8Xt-T1H-5RmxL2I_lzzotPD8mPlKn5gyah3h2uig2c7ipFQV2WFvUT6Yt71Oqzj5H70J_lCA5a0Ow0vL7zxkN_a2r_SYeZwo20t86TLJGUQuQTKIZ2c2-_aqkp3fHgpbBuQiDpD4A/s320/unnamed.jpg" width="240"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i style="font-size: 12.8px;">El beso", 1916</i><i style="font-size: 12.8px;"><br>Philadelphia Museum of Art.</i></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: start;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Si os fijáis en cualquiera de las versiones de "El beso", parece estar realizada para ser contemplada de frente, pero es una obra para ser contemplada exenta, es decir, podemos rodearla y verla desde todos sus ángulos, así se enriquece nuestra visión y la obra. Esta conserva la pureza del bloque que adquiere la forma de un cubo que en ocasiones se alarga como en la última versión. Es táctil, ya que busca las calidades, las cuales están en la génesis del arte vanguardista, recordad como el Cubismo utilizó el collage para crear texturas y por lo tanto aportar significados. El otro elemento propio de este momento y que continuará hasta la actualidad, es la importancia que Brancusi otorga al espacio. La obra no es solo la pieza que contemplamos, es también la relación que guarda con el ambiente que la rodea, que la envuelve y con el que juega. Nuestro escultor tenía tan clara esa idea que cuando le preguntan cómo y dónde deberían colocar esta obra, él responde: <i>"tal y como está, en algo separado; para cualquier tipo de disposición tendrá el aspecto de una amputación". </i>Pero va más allá, </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); text-align: left;">su preocupación por el espacio y la relación que guarda con la obra, era tal, que al final de su vida, encerrado como un ermitaño en su taller del número 8 del Impasse Ronsin, en París, se dedicó a estudiar la relación que estas tenían con el espacio en el que se alojaban. Tanto es así que dejó de participar en exposiciones y cuando vendía una de sus esculturas la sustituía por otra de yeso para que no se rompiera la unidad del conjunto. Su taller se convirtió en objeto de su propio estudio haciendo de él una magnífica sala de exposiciones a la que invitaba a sus amigos y a todo aquel que quisiera visitarle, preparando minuciosamente cada una de esas visitas. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); text-align: left;"><br></span></div>
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); text-align: left;"><br></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-92cEP82MlL-M6425IOYAVnmdp-mhyphenhyphenUblf5Ot3J2pCmo8TDkaflxuHWqB2gLWngBct4WxbnlOlGukvqEFo3gEZpBtB7NNn68ATVgessUmsiKk87Byw2LZXsfZmNT9AenYQcaQOpLTSQ/s1600/b4a1c54b148e597f5d0fa7a0dff22dee--constantin-brancusi-artist-studios.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="535" data-original-width="425" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-92cEP82MlL-M6425IOYAVnmdp-mhyphenhyphenUblf5Ot3J2pCmo8TDkaflxuHWqB2gLWngBct4WxbnlOlGukvqEFo3gEZpBtB7NNn68ATVgessUmsiKk87Byw2LZXsfZmNT9AenYQcaQOpLTSQ/s320/b4a1c54b148e597f5d0fa7a0dff22dee--constantin-brancusi-artist-studios.jpg" width="254"></a></div>
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); text-align: left;"><br></span>
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); text-align: left;"><br></span></div>
<div style="text-align: start;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;">El beso no está representado solo por el hecho mismo de la acción, sino por los brazos con los que rodean el cuerpo del otro, unos brazos que por un lado contribuyen a dar el aspecto de bloque, de cubo, evitando cualquier elemento saliente, cualquier ángulo que no sea el formado por la propia figura geométrica, y por otro señalan el acto de besar, algo muy propio del arte más primitivo en el que se destacaba aquellas partes que iban cargadas de significado, en la cuales se concentraba la atención. Brancusi resalta dos, los labios y los brazos, ambos se encargan de unir a los dos amantes, haciendo de ellos, uno solo. Otra versión de 1907, de este famoso ósculo se encuentra en el cementerio de Montparnasse en París y a modo de estela sirve para marcar la tumba de Tania Rachevskaia, una anarquista rusa que se suicidó por amor. En este caso, Brancusi introduce una novedad, marca las piernas, unas piernas que de nuevo vuelven a entrelazarse, buscando el aspecto unitario del conjunto, de monolito, de primitivismo. Quizá esta versión, por la historia que tiene detrás, esté más en consonancia con el beso en el que se inspira y que no es otro que el del afamado Rodin</span>, pero el de Brancusi marca el inicio de la escultura hacia formas más modernas.<br>
<br>
Y a vosotros ¿qué versión de todas os gusta más?<br>
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4CWSvsSpZPp_btfatAt4AAMFxiVpEVRjNG_rqK4YPHDffJcvXN7Q78oIo-Gna2wlosRA36fDMBZy2qPvr1vIWTk05lM1AfAMZF6S1eZNu5Ex-L2CuhDtTYRwKTnznuYirw0BErnbAqg/s1600/beso-brancusi-iv-espalda-chico.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="330" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4CWSvsSpZPp_btfatAt4AAMFxiVpEVRjNG_rqK4YPHDffJcvXN7Q78oIo-Gna2wlosRA36fDMBZy2qPvr1vIWTk05lM1AfAMZF6S1eZNu5Ex-L2CuhDtTYRwKTnznuYirw0BErnbAqg/s320/beso-brancusi-iv-espalda-chico.jpg" width="176"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"El beso", 1910.</i></td></tr>
</tbody></table>
</div>
</div>
<div style="text-align: start;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOG9-juJibfiDVW-Y47H5VKCbFJt2vb_134MhW0I6LImxTDTfJjP8MdGq9AzFeXRGidtSWvhaFINXNa8xRVSyLO1tVnnpjy6KcTTJ0_NXIaSu3kvEDU1f-8u4oSNMMQzuPXrMApLy5jg/s1600/1_xF65iBavdFpKbsMgS7h5Ew.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="956" data-original-width="717" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOG9-juJibfiDVW-Y47H5VKCbFJt2vb_134MhW0I6LImxTDTfJjP8MdGq9AzFeXRGidtSWvhaFINXNa8xRVSyLO1tVnnpjy6KcTTJ0_NXIaSu3kvEDU1f-8u4oSNMMQzuPXrMApLy5jg/s320/1_xF65iBavdFpKbsMgS7h5Ew.jpeg" width="240"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div style="font-size: medium; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px; text-align: center;">Monumento a Tania Rachevskaia, 1907<br>
Cementerio de Montparnasse, París.<br>
<br></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span></div>
<div style="font-size: medium; text-align: justify;">
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span></div>
<div style="font-size: medium; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
</div>
</div>
</td></tr>
</tbody></table>
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<div style="text-align: justify;">
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
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<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
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<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"><br></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;">En ocasiones le han calificado de cubista, pero no todas sus obras se centran en el cubo y en sus valores formales, el amor por la búsqueda de la forma pura, sencilla pero reveladora, le lleva a jugar con las curvas, cómo se aprecia en <i>"El recién nacido"</i> o en <i>"Princess X"</i>, de la que Matisse (o quizá Picasso, no está del todo claro) diría que es un falo y por ese parecido con el miembro viril, la policía la retiró del Salón de los Independientes de 1920. En ambas vemos como la palabra simplificación adquiere todo su significado. En ambas llama la atención el pulimento, la calidad lisa y fría de su superficie, en cambio las formas curvas nos aportan calidez. En ambas el material, mármol y bronce respectivamente, se convierte en parte fundamental y casi única de la obra. </span><span style="-webkit-text-size-adjust: auto;">Con ellas se acerca cada vez más a la abstracción, aunque el escultor rumano huye de esta técnica abstracta, al igual que lo hace de las formas clásicas de representación, de la simple imitación de la naturaleza, idea que había sido defendida por los artistas durante siglos. Busca la idea, la esencia </span>que se hace materia y no la forma, por ello, quizá la frase que mejor define su corpus teórico sea: <i>"yo no esculpo pájaros, sino su vuelo"</i>. Obvia la anécdota para centrarse en lo que es. </div>
<br>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd7rI8fMe7a8nfkM90Qvy7f002S54ApRbwYjcm3BrrJTUqPo3ZlUEOhb-RC3uY8ZMwOsUGxJRPC5kBHNTHeoTRpJ8vxR6-XXDAS8el0AvGI97dINscbn-EPvbpUchz0ewpWTHxKv3zbw/s1600/4942496.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="328" data-original-width="169" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd7rI8fMe7a8nfkM90Qvy7f002S54ApRbwYjcm3BrrJTUqPo3ZlUEOhb-RC3uY8ZMwOsUGxJRPC5kBHNTHeoTRpJ8vxR6-XXDAS8el0AvGI97dINscbn-EPvbpUchz0ewpWTHxKv3zbw/s320/4942496.jpg" width="164"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Princess X", 1916</i><br>
<i style="font-size: 12.8px;">Philadelphia Museum of Art.</i></td></tr>
</tbody></table>
<br>
<div style="text-align: justify;">
Si contempláis <i>"Princess X"</i>, seguramente estaréis de acuerdo con la afirmación de Matisse y no con la de su autor, él cual aseguró, que lo que muestra es la esencia de lo que es una mujer. La mujer que inspiró esta obra no fue otra que Marie Bonaparte, la nieta de Napoleón. Ella acudió al taller de Brancusi para que la realizase un busto, aunque él no estaba muy por la labor de realizar este tipo de escultura. Finalmente accedió. En la primera obra que realizó, no esculpió a la mujer que vió, sino su esencia, la que ella le había trasladado sin querer. Y esa no era otra que su vanidad, ya que Marie Bonaparte, durante el tiempo que estuvo con Brancusi, no dejó de mirarse en un espejo que llevaba. La obra que surge es <i>"Mujer mirándose en un espejo", </i>en donde la mujer representada, se inclina para mirarse en ese objeto que la devuelve su reflejo. Pero no contento con el resultado, quizá demasiado convencional y obsesionado por buscar formas muy simples que encerrasen lo que la caracterizaba, durante los cinco años siguientes, continuó investigando sobre la idea que ella le había transmitido. Siguió puliendo y simplificando la obra hasta crear <i>"Princess X"</i>, hasta quedarse con el concepto, con lo que ella representaba y no con sus facciones, ya que aseguraba que la esencia de una mujer no es la nariz, ni la boca ya que todos poseemos una, ni tampoco es una sonrisa ni pintura en las mejillas. Lo que caracterizaba a la princesa Marie, es la realidad que el escultor había captado y así lo representa. Y esa realidad no es abstracta ya que parte de una idea, de un concepto y eso nunca es abstracto siempre es real. El resultado es una obra <span style="text-align: left;">delicada, suave, grácil, perfecta, sin bordes y etérea. </span>La simplificación hizo que la escultura esté formada por dos bolas inferiores ligeramente aplastadas, que representa el busto de la mujer, alabado por el escultor, una pieza cilíndrica que se identifica con el cuello y otra superior que de nuevo adquiere forma de bola y que se correspondería con la cabeza. Quizá, ahora, después de esta explicación, estéis más de acuerdo con Constantin Brancussi que con Henry Matisse. </div>
</div>
</div>
<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-vslONbykIsQlhfjc7BNNcUj8CEhgzmt_EnF8fNMxuGixBrxPpTTyOOuwBtdbRjM_ksesoUNr6hwfyoGWebCaat-i278sVv-51i6xAhvBns06TQfsYimp4J9QpKJv5cQekZBgFIYOwQ/s1600/8606836.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="331" data-original-width="264" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-vslONbykIsQlhfjc7BNNcUj8CEhgzmt_EnF8fNMxuGixBrxPpTTyOOuwBtdbRjM_ksesoUNr6hwfyoGWebCaat-i278sVv-51i6xAhvBns06TQfsYimp4J9QpKJv5cQekZBgFIYOwQ/s320/8606836.jpg" width="255"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Mujer mirándose en un espejo", 1909.</i></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
Constantin Brancusi después de pasar unos pocos años en el taller de Auguste Rodin, emprendió su propio vuelo alegando que <i>"nada crece a la sombra de un gran árbol", </i>quizá su reflexión fuera cierta, pero demostró que no solo Rodin era un gran árbol, él también se convirtió en el árbol que haría florecer el arte de su época.<br>
<br></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzz-EHCop8XgS0H6Oo49AVyGUbOXPZEg8_lzmmd_pRdMsj4dmXMew5X1jTMKbagMpuSjnzGfr8ZIhWz6qGRrowhR9_7KKG8Kd7qTcB2alQJnmj2p8a185i47T6-j5bSPJynVewGY0yow/s1600/reb_brancusi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="396" data-original-width="500" height="253" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzz-EHCop8XgS0H6Oo49AVyGUbOXPZEg8_lzmmd_pRdMsj4dmXMew5X1jTMKbagMpuSjnzGfr8ZIhWz6qGRrowhR9_7KKG8Kd7qTcB2alQJnmj2p8a185i47T6-j5bSPJynVewGY0yow/s320/reb_brancusi.jpg" width="320"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i style="font-size: 12.8px;">"El recién nacido", 1915<br>Philadelphia Museum of Art.</i></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br></div>
</div>
Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-63530122190138113912018-12-19T13:58:00.003+01:002018-12-19T16:08:34.769+01:00Jaume Plensa, un pensamiento lleno de inmensidad.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiH3XsWUFH5azVyZdEfDPfNf88Ovrh4_LhwP3gZMSmWQH9mXowcqQKna5ugx_Tf3pUUrcm_csYi2sZRLvZVrkFF7B69QZALuuLnhn67v2C6Mytp1G-v2pW4St5XyfGYPGT1iGMDqn5dyw/s1600/IMG-9808.JPG" imageanchor="1" style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0); margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="585" data-original-width="1040" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiH3XsWUFH5azVyZdEfDPfNf88Ovrh4_LhwP3gZMSmWQH9mXowcqQKna5ugx_Tf3pUUrcm_csYi2sZRLvZVrkFF7B69QZALuuLnhn67v2C6Mytp1G-v2pW4St5XyfGYPGT1iGMDqn5dyw/s400/IMG-9808.JPG" width="400" /></a></div>
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Mi primer contacto con Jaume Plensa (1955) se produjo hace unos años, a raíz de una exposición en mi ciudad, organizada por la Fundación ICO. Desde ese día me declaro fan incondicional de este artista que utiliza el material perfectamente pulido, el cuerpo humano y el lenguaje para componer sus delicadas obras. Este primer contacto se produjo con una obra muy especial, una de sus famosas "cortina de letras", la que lleva por título <i>"Mcbeth and the Porter" (2005).</i> Esta instalación es un compendio perfecto de sus recuerdos infantiles, ya que evoca a través de ellas las cortinas que tenían a la entrada las tiendas, para evitar que entrasen las moscas, pero a la vez nos trasmite su gusto por la poesía de Shakespeare y lo que para el artista es el arte. Si tuviésemos la oportunidad de hablar y os preguntase que sentido o sentidos entran en juego cuando contemplamos una obra de arte, seguro que todos contestaríamos que el visual, ya que las obras están hechas para ser contempladas visualmente, o al menos esa es la idea, por ese motivo a través de la vista apreciamos la belleza o la falta de ella. Las obras de Jaume Plensa no son solo visuales, ni tampoco son solo bellas. Sus obras, y deteniéndonos en esta instalación, van más allá de la belleza que contemplamos, es una belleza que trasciende la simple visión, es una belleza que sentimos, tocamos, escuchamos y pensamos, pero donde lo más importante, es el silencio que genera la observación y la captación de todos esos matices, que luego se diluyen en la nada. ¿Analizamos los sentidos que entran en juego en esta cortina de letras? Primero el visual para captar la obra en toda su dimensión. El ojo no solo nos permite ver lo que tenemos delante también lo que se proyecta detrás, el juego de luces y sombras que hace que las letras queden reflejadas en la pared que hay al fondo. Aunque ya solamente entrase en juego este sentido, la contemplación sería maravillosa, y estaríamos cautivados por esta instalación y este artista. La cortina está colocada a una distancia de la pared en la que se proyecta, así se consigue que la sombra de las letras, ocupen todo el espacio, pero al mismo tiempo, permite que ese espacio sea practicable, podemos pasear por él y sentir que formamos parte de la instalación. La obra no es solo el objeto, es también el espacio que la rodea inundado por la luz que es parte integrante de ella. Pero vamos a adentrarnos en otro de nuestros sentidos, en este caso el táctil. Las obras de Plensa, están hechas, según sus propias palabras, para ser tocadas, pero tocadas no significa, recrearse, significa acariciarlas, pasar suavemente la mano por ellas, sentirlas. El tacto nos trasmite mucha información, pero sobre todo, nos hace disfrutar. En este caso las letras están realizadas en hierro, si las pudiésemos tocar sentiríamos el frío del material pero también la superficie pulida, que nos transfiere una suavidad cargada de sensualidad. Un elemento fundamental en la obra de este artista son las calidades que transmite al trabajar los diferentes materiales, algo que no se queda solo en un simple acabado de la obra, para que luzca más perfecta. Sigamos, al tocarlas, estas chocan suavemente unas contra las otras produciendo un perfecto y maravilloso sonido, que roza la musicalidad, lo cual también tiene que ver con su niñez, cuando oía a su padre tocar el piano, y por el sonido que producían las cortinas en las que se inspira, por lo tanto, aquí entra en juego otro de nuestros sentidos, el oído. Y finalmente, aunque no es un sentido, también están hechas para ser entendidas, ya que nos intentan mandar un mensaje. Con lo cuál, cuando estéis frente a una obra, tenéis que poner a trabajar vuestra materia gris, esta tiene que preguntarse el por qué de los colores, de las formas, de los materiales o incluso de la ubicación en un determinado lugar, por ejemplo en este caso ¿por qué se proyecta en una pared? No os quedéis en la simple contemplación. Si situados frente a esta cortina nos preguntamos cuál es el motivo de que utilice letras para componerla o por qué se titula de esta manera, podéis encontrar en ella, las respuestas. La cortina no es una sucesión de letras, si comenzáis por la izquierda, es decir en nuestro sentido de la lectura, y dejáis que vuestros ojos se deslicen desde arriba hacia abajo, leeréis un fragmento de <i>La tragedia de Mcbeth.</i> Una advertencia, a pesar de que el artista está de acuerdo con que sus obras puedan ser acariciadas, esto, afortunadamente, está prohibido en los museos, así que, si tenéis la suerte de ver sus obras, por favor no las toquéis, respetadlas, sé que nos privaremos de una parte importante de la información y del disfrute, pero lo más importante es la conservación, haced caso de las recomendaciones y de las explicaciones de los educadores de museos y disfrutad de la contemplación.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6HRV3E7v6MgHSdGbCoqxthyphenhyphennyYCAXk4EaNgk4VLKnqfMpMY3eUt6QneC6vWjnEucAGx6etUIjuBB8TZHCTmbFLuw5_WLsOQOnAxxsRGeUXW236WoXBWf6LFtHCyvcgJRfWooQjA0lpA/s1600/19.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1005" data-original-width="1600" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6HRV3E7v6MgHSdGbCoqxthyphenhyphennyYCAXk4EaNgk4VLKnqfMpMY3eUt6QneC6vWjnEucAGx6etUIjuBB8TZHCTmbFLuw5_WLsOQOnAxxsRGeUXW236WoXBWf6LFtHCyvcgJRfWooQjA0lpA/s320/19.jpg" width="320" /></a></div>
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Jaume Plensa es un artista de prestigio internacional, cuyas obras no solo forman parte de colecciones y exposiciones, sino que se encuentran diseminadas por diferentes ciudades y pueblos del mundo. A pesar de que sus obras nos puedan parecer conceptuales, según sus propias palabras, es un artista físico, ya que materializa la poesía en la que se inspira o la captación del mundo, pero también la idea a la que convierte en tangible pudiéndose tocar. Por lo tanto, si tuviésemos que definir su obra, hablaríamos de los valores de una escultura clásica donde lo principal es lo físico, el volumen, el espacio y lo tangible.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuaWvth-U1rhyphenhyphenM9PKXiEn38xbNTaFVobU3Om-3FPmuXvq8UdaiMLpD_OczfEQ3uQWQSESDWP9olVYK_c_Z9YC3WcCyVJYRznIsJH_y8j1NFMGm5QooufGzFHVMtM9XbJqqThhOULv3Sw/s1600/plensa-g.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="433" data-original-width="770" height="179" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuaWvth-U1rhyphenhyphenM9PKXiEn38xbNTaFVobU3Om-3FPmuXvq8UdaiMLpD_OczfEQ3uQWQSESDWP9olVYK_c_Z9YC3WcCyVJYRznIsJH_y8j1NFMGm5QooufGzFHVMtM9XbJqqThhOULv3Sw/s320/plensa-g.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Invisibles, 2018.<br />
Palacio de Cristal (Madrid)</td></tr>
</tbody></table>
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La obra de este catalán se caracteriza por varias constantes, una de ellas es la de relacionar el fragmento con el todo, lo pequeño con lo grande, es decir, el cuerpo del que se sirve para crear muchas de sus esculturas, en relación con el mundo que le rodea y que observa sus obras. Esta idea se aprecia perfectamente en las cabezas y en los cuerpos formados por letras. Por un lado parte de letras, de la unidad más pequeña, pero esas letras, como apuntaba antes en la cortina, no están aisladas, sino que forman diferentes alfabetos y unidas crean palabras, en ocasiones mezcla, en una misma obra, alfabetos de culturas distintas, lo que nos sitúa ante algo más genérico, pero también diversificado. Todas ellas dan forma a un cuerpo, nos encontramos de esta manera ante un hecho más global y con más implicaciones. Para acabar, el cuerpo, formado por letras que cobran significado cuando las unimos con las adyacentes, formarían el elemento narrativo que se completa al insertarse la instalación o bien en un espacio abierto, en una calle o en un parque, o bien en un espacio expositivo, que se convierte en un microcosmos, ya que las personas que pululan por los museos y las salas son todas diferentes y su intereses, como en la sociedad, también lo son. Por lo tanto, hemos ido de la pieza más pequeña a la más grande. De lo singular a lo general. Las letras serían los elementos fundacionales, al igual que lo son los cuerpos. En ocasiones, estos cuerpos o las cabezas formadas de la misma manera, están hechas para meternos dentro, cuando lo hacemos, por un lado nos sentimos aislados del mundo exterior, pero a la vez protegidos por nuestra atalaya, nos convertimos en observadores. Pero al mismo tiempo, las letras que nos rodean, de alfabetos distintos, nos hacen ser ciudadanos del mundo, nos involucran en otras realidades, en otras diversidades culturales. Uno a uno somos únicos pero entre los demás somos uno más, formamos parte de un todo, que a la vez, es lo que es y se enriquece por la existencia de cada uno de nosotros. Si hay algo que destaca en su obra, y ahora hablamos de esta como concepto, es la idea de diversidad que aparece representada por los distintos tipos de letras como anotaba unas líneas más arriba. Esta idea conlleva la aceptación y valoración de esa diversidad que nos perfecciona, que nunca nos excluye, si nosotros no tenemos la voluntad de ser excluidos. Desde mi punto de vista es lo más importante, porque esa es la esencia misma del arte. Siempre que puedo, defiendo la importancia que tiene el arte en la formación de todos, ya que contemplando obras de diferentes artistas, períodos y procedencias, podemos ser capaces de aceptar sin ningún tipo de exclusión y rechazo lo que para nosotros puede ser diferente simplemente por el hecho de no estar familiarizados con ello o por esa idea de superioridad entre los distintos mundos. Por eso, es fundamental, que desde pequeños visitemos museos, ya que a través de la contemplación y entendimiento de las obras, se van formando los valores sociales fundamentales para la convivencia. La otra constante que se repite es la utilización de la figura humana y el uso de la poesía que materializa a través de sus obras.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKjf-mkP9Faf8flIDObRV_OzKuYJ0s9OjWCSLQEjXtEB2Ux3v5yRh-T9gts9EHS0YSJrA6yuH8BIXZgw3vLy7xyNt9IHn2KszFMDuz2Sg-bNM6GwUORbkwtjnKkpSBCauicOfc6PFqcQ/s1600/Plensa_8643.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1066" data-original-width="1600" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKjf-mkP9Faf8flIDObRV_OzKuYJ0s9OjWCSLQEjXtEB2Ux3v5yRh-T9gts9EHS0YSJrA6yuH8BIXZgw3vLy7xyNt9IHn2KszFMDuz2Sg-bNM6GwUORbkwtjnKkpSBCauicOfc6PFqcQ/s320/Plensa_8643.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Spiegel I y II.</td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Pero sus obras no son una sucesión de letras, ni tampoco un material muy pulido, sus obras tiene alma y esta, se convierte en la pieza clave ya que es lo que sigue creciendo. Esta idea, me recuerda en cierto modo la teoría artística de Jorge Oteiza, sobre la materia y la ausencia de ella. Oteiza, trabajaba habitualmente con formas geométricas, normalmente con cubos, pero no con cubos completos, sino que prescindía de partes de esas figuras, aunque en el fondo las aristas que las componían se dibujaban mentalmente en el espacio y completaban la obra. Pero ese acto de completar, de percibir el todo, tenía que hacerle nuestra alma, nuestra mente al contemplarla.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaMaCsZgwwBqM3Pr6ZZktA980khqDLW58BE2s3-aTHLAeBcOtekUrrnGudHL6oIEKKlnV3IXYRDUw0JWeEsd52laQUgJRtQsLUwjnxgCwQO4i-CtqIRY2FuCd66qzIBDLk-gTXy9FBPQ/s1600/Oteiza-J-1958-Caja-vacia-Conclusion-experimental-no1-En-Oteiza-1935-1975-La-casa.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="567" data-original-width="658" height="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaMaCsZgwwBqM3Pr6ZZktA980khqDLW58BE2s3-aTHLAeBcOtekUrrnGudHL6oIEKKlnV3IXYRDUw0JWeEsd52laQUgJRtQsLUwjnxgCwQO4i-CtqIRY2FuCd66qzIBDLk-gTXy9FBPQ/s320/Oteiza-J-1958-Caja-vacia-Conclusion-experimental-no1-En-Oteiza-1935-1975-La-casa.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Caja vacía. Conclusión experimental nº 1, 1958.<br />
Jorge Oteiza (1935-1975</td></tr>
</tbody></table>
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Sus obras no son anónimas, aunque no busca el retrato, pero las cabezas están basadas en modelos, y el cuerpo, es el suyo propio, ya que el artista asegura que es el que mejor conoce debido a que le ha visto como iba variando a lo largo del tiempo. En este sentido sigue una línea muy parecida a la que inició Rembrandt, en sus famosos autorretratos que se tomó en diferentes edades para mostrarnos, como el paso del tiempo modificaba su aspecto. Pero ¿por qué utiliza cabezas? Porque es la parte más importante de nuestro cuerpo, donde todo sucede, es nuestra gran casa donde surgen las ideas.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj70Q-t-YNhPh5KeuE8jv3meLngzbJJfQbD8vn7ACWC1Eo-aNQdZDR1QPOnphXlV4VbXzBvqFftqgu5mY9cOggPyp2p8GfewfF-3Y2ctP-BnFgvOBJvueUXX8XTAUXE0LCfWMhBl5_p0A/s1600/11403094_777141049073157_1977704259312857763_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="612" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj70Q-t-YNhPh5KeuE8jv3meLngzbJJfQbD8vn7ACWC1Eo-aNQdZDR1QPOnphXlV4VbXzBvqFftqgu5mY9cOggPyp2p8GfewfF-3Y2ctP-BnFgvOBJvueUXX8XTAUXE0LCfWMhBl5_p0A/s320/11403094_777141049073157_1977704259312857763_n.jpg" width="204" /></a></div>
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Jaume Plensa es un artista que esta de moda en España, cuando hace mucho tiempo que ya es valorado fuera de nuestras fronteras. Ha tenido que esperar mucho tiempo para ser reconocido como una gran escultor cuyo trabajo, la calidad de sus instalaciones, el significado de las mismas y su humildad, han sido valoradas como aportación fundamental en el desarrollo del arte contemporáneo. En el año 2013 le otorgaron el Premio Velázquez, el equivalente al Cervantes en Literatura, por la renovación del lenguaje plástico en el que integra poesía y conceptualización. Pero son muchos los reconocimientos que atesora por su labor. Plensa se ha mantenido alejado de las corrientes comerciales que marcan el devenir del arte, fiel a su estilo ha sido reconocido internacionalmente en el mercado del arte, esto nos habla de que cuando hay calidad puedes seguir tus objetivos y conseguir tus metas. Quizá porque como él declara haber nacido a mitad de un siglo y ser el puente entre este y el siguiente, como también lo fue su admirado William Blake, ha hecho que no pertenezca a ninguna escuela o movimiento, declarando que situarse al margen de las corrientes establecidas es el mayor logro de un artista.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzUs1TJmRtzDIVfaBPdGqU4hUPgdlY5ZI3pfwFH2KZK2mrGIrIZZ2hURvis-lN_nJZciFDIP3buscndwBd5n6D7OJvbHpO8rncAJaqDXIZeDnuGi7GeYHLOdGH2Kpmee_r65SBtVI_Yw/s1600/IMG_3993bis.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1098" data-original-width="1600" height="219" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzUs1TJmRtzDIVfaBPdGqU4hUPgdlY5ZI3pfwFH2KZK2mrGIrIZZ2hURvis-lN_nJZciFDIP3buscndwBd5n6D7OJvbHpO8rncAJaqDXIZeDnuGi7GeYHLOdGH2Kpmee_r65SBtVI_Yw/s320/IMG_3993bis.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">The hearts of trees, 2007.</td></tr>
</tbody></table>
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En la actualidad en España se han puesto en marcha diferentes exposiciones, como la del Palacio de Cristal, sede de las exposiciones temporales del Museo Reina Sofía y también en Madrid, se está terminado de instalar en la Plaza Colón, una de sus cabezas de 12 metros de altura que lleva por título <i>"Julia", </i>creada ex profeso para este espacio. Y si nos trasladamos hasta Barcelona, su ciudad de origen, el MACBA acoge una gran retrospectiva del artista. Un lugar donde podemos disfrutar de su obra de forma permanente, es en el pueblo minero inglés de St. Helens, que cuenta con una cabeza, <i>"Dreams"</i>, de 20 metros de altura, y que surgió de las charlas entre Plensa y los antiguos mineros.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGvyrxwEDN6yhq8zZ_KcpZrnwfaXz6Jtxa2zcZ4xqVxHvrPXwtEZM1cI3Ichz_5o8qMBMKDtJ6OMGyw05KwG3T9JOuVIczEsVg6aB4S_5N4hk5C1cb-SsO5KnCUCoXkGWWxZUTCjxQcQ/s1600/Dream-st-helens11.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1062" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGvyrxwEDN6yhq8zZ_KcpZrnwfaXz6Jtxa2zcZ4xqVxHvrPXwtEZM1cI3Ichz_5o8qMBMKDtJ6OMGyw05KwG3T9JOuVIczEsVg6aB4S_5N4hk5C1cb-SsO5KnCUCoXkGWWxZUTCjxQcQ/s400/Dream-st-helens11.jpg" width="265" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Dreams, 2011<br />
St.Helens (United Kingdom)</td></tr>
</tbody></table>
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Localizar si en vuestra ciudad, existe una escultura o una instalación de Plensa y lanzaros a disfrutar de ella.<br />
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Si hay una frase que destacar de este genial artista es la siguiente:<i> "lo que más me ha hecho crecer es aceptar mis límites". </i></div>
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Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-44280064349363696052018-12-04T17:17:00.004+01:002020-12-15T18:38:31.003+01:00Leyendas mitológicas en el arte y en nuestras vidas.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilMC44dMNdAYX8Y1uSyKz-EHewEmRYoVO-jWBGpY-ceBpGepbxWzRkzYhJ7m2oC1Vl7blPkuB3m-DyhpK2jWHz4k5H_WoqmVAsY4zajwnCdJo4OodBp2Y-0A6cC-OozkM0bgQY6KNO0Q/s1600/El+Olimpo.+Batalla+de+los+gigantes.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="893" data-original-width="1600" height="222" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilMC44dMNdAYX8Y1uSyKz-EHewEmRYoVO-jWBGpY-ceBpGepbxWzRkzYhJ7m2oC1Vl7blPkuB3m-DyhpK2jWHz4k5H_WoqmVAsY4zajwnCdJo4OodBp2Y-0A6cC-OozkM0bgQY6KNO0Q/s400/El+Olimpo.+Batalla+de+los+gigantes.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>El Olimpo. Batalla de los gigantes,</i> 1764<br />
Francisco Bayeu (1734-1795)<br />
Museo del Prado, Madrid.</td></tr>
</tbody></table>
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: justify;">
¿Sabéis por qué se emplean palabras como odisea o por qué utilizamos la expresión canto de sirenas cuando nos referimos a algo que se nos antoja seductor pero que esconde algo oscuro de lo cual no nos fiamos? ¿O quién fue el Can Cerbero y por qué se les llama así a los porteros de fútbol? En este caso utilizaríamos el término cancerbero. ¿O por qué cuando hablamos de nuestras debilidades decimos que es "nuestro talón de Aquiles" y cuando obtenemos un logro inútil decimos que es "una victoria pírrica ? ¿O qué era la manzana de la discordia, que además da título a mi blog? ¿O por qué a las personas que se gustan mucho las llamamos narcisistas? ¿O por qué cuando oímos nuestra voz que se repite y pierde en la lejanía hablamos del eco? ¿O quiénes eran las arpías y por qué se denomina así a las personas que tienen malas intenciones? ¿O por qué se utilizan cipreses en los caminos que nos conducen a los cementerios? Para encontrar la respuesta a estos interrogantes, deberíamos remontarnos a la Antigua Grecia y a la creación de los mitos por parte de los habitantes de esta isla.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwLPC-9lvNOFP2j2CjhM8chYLv0TG2uY9J9tto_x1hF5nqWkd2_PCR8p35sb89HOtwViAd-eBqLsl0X5SFO5yR9CgDCP6wao8ZYDWDvwXkiy11bbbMIs_s-T541ppS0GiQ9sSzon04kQ/s1600/08-520231.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="650" data-original-width="605" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwLPC-9lvNOFP2j2CjhM8chYLv0TG2uY9J9tto_x1hF5nqWkd2_PCR8p35sb89HOtwViAd-eBqLsl0X5SFO5yR9CgDCP6wao8ZYDWDvwXkiy11bbbMIs_s-T541ppS0GiQ9sSzon04kQ/s320/08-520231.jpg" width="297" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El rapto de Europa, S. IV a.c.<br />Museo del Louvre, París.</td></tr>
</tbody></table>
<br />Cuando en mi época de estudiante, escuchaba a mi profesora de mitología clásica, describirnos los diferentes mitos o contarnos historias sobre los dioses, que enamorados de mortales, abandonaban el Olimpo para bajar a la tierra y adoptando diferentes formas, ya fueran humanas o animales, intentaban seducir a los humanos o la lucha de los Titanes o ¡los castigos! exagerados y eternos que imponían a diferentes personajes para recordarlos que la desobediencia hacia ellos tenía una cruel penitencia, al escuchar todas esas historias, me quedaba boquiabierta. Me imaginaba como debió de ser el sufrimiento de Ticio, hijo de Júpiter y Elara, condenado a que su hígado fuese devorado una y otra vez por un águila durante toda la eternidad en el Tártaro. El mismo castigo le impuso Zeus al titán Prometeo, por robar el fuego eterno y dárselo a los hombres. Pero ¿qué significado tenía el fuego para que Zeus se enfadase tanto? El fuego era el raciocinio, la inteligencia. El dios del Olimpo, no contento con castigar a Prometeo, el más inteligente de los titanes, decidió castigar también a toda la humanidad y lo hizo a través de Pandora. ¿Cuántas veces habéis oído la expresión "la caja de Pandora"? Pandora fue la primera mujer sobre la tierra, creada por Hefestos (Vulcano) según orden de Zeus. Pero este no la hace de forja y fuego, sino que la modela de barro y lágrimas, es decir, de dolor y pena. Cada uno de los dioses la dota de un don, de ahí su nombre y la regalan un <i>phyto, </i>que por una mala traducción en el S.XVI, convertirían en caja. Este phyto no podía abrirse, pero los dioses, dotaron a Pandora también de la curiosidad y esta, será la que haga que ella abra el recipiente. Cuando lo hace comienzan a salir todos los males, rápidamente cierra el phyto quedando solo en su interior la esperanza. La lectura es fácil ¿no? Mientras que Prometeo do a los hombres el raciocinio, los dioses les otorgaron una vida salpicada de elementos negativos, pero ante las adversidades, siempre nos quedará la esperanza, lo único que no se escapó de la vasija. Cuando decimos que se ha abierto la caja de Pandora, nos referimos a que están saliendo a la luz, secretos o elementos que no debían descubrirse y que van a traer cosas poco positivas. ¿No os recuerda otra historia en esta ocasión relacionada con el catolicismo? Como último dato en esta historia, <span face="'Helvetica Neue Light', HelveticaNeue-Light, helvetica, arial, sans-serif">os diré que Prometeo fue liberado de su castigo, pero la argolla que le sujetaba a la roca para que no huyese, se convirtió en un anillo que de por vida le recordaría su penitencia. ¿Qué curioso lo del anillo, no?</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiV7RXn83gY3_a_sdHTu0X1wUlTzbIxjTkcxEAyTBhH4Rl6LIahQr9s1Wh9tMvx4VSV4WHqPfcGi5fbSJrC5GwAa0IL23tHX7V9SV7_9bK1twAGkQv7_qVXdDCjDroVMgNK-uer1ylNzw/s1600/Ticio.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1364" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiV7RXn83gY3_a_sdHTu0X1wUlTzbIxjTkcxEAyTBhH4Rl6LIahQr9s1Wh9tMvx4VSV4WHqPfcGi5fbSJrC5GwAa0IL23tHX7V9SV7_9bK1twAGkQv7_qVXdDCjDroVMgNK-uer1ylNzw/s320/Ticio.jpg" width="272" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Ticio</i>, 1565<br />
Tiziano Vecellio (1490-1576)<br />
Museo del Prado, Madrid.</td></tr>
</tbody></table>
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: justify;">
<br />
Escuchando estas historias, llenas de violencia, amor, celos y traiciones, me di cuenta que realmente los mitos clásicos y las explicaciones que los griegos daban a los asuntos que les preocupaban, aún estaban muy presentes en nuestras vidas y sobre todo, que no nos eran tan ajenas, ya que a través de ellas cobraban sentido algunas expresiones y actos. Los hombres de la Antigüedad crearon historias míticas para buscar un sentido a todo aquello que les <span style="text-align: left;">preocupaba y que tenía que ver con la sociedad y sus valores, con lo político, con las relaciones familiares o con el más allá, con lo espiritual y el mundo de las creencias. </span><br />
<span style="text-align: left;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2pHTJOOxB5LHqt_t7R5NNjkmSXRWArgPGBv7cXWSBKW8AuPRkUFS0tcwXT58p1KxWL259BZUfJiE2htwgcass9plkuQuz3NideNHv_tNOKnbwcbtRP8VH6rtcTB4ij2TzpCL76RocJg/s1600/preview.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="468" data-original-width="600" height="249" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2pHTJOOxB5LHqt_t7R5NNjkmSXRWArgPGBv7cXWSBKW8AuPRkUFS0tcwXT58p1KxWL259BZUfJiE2htwgcass9plkuQuz3NideNHv_tNOKnbwcbtRP8VH6rtcTB4ij2TzpCL76RocJg/s320/preview.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Dánae, 1612</i><br />
<span style="font-size: 12.8px;">Artemisia Gentileschi (1593-1654)</span><br />
Saint Louis Art Museum, Missouri. <br /><br /></td></tr>
</tbody></table>
</div>
</div>
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: justify;">
<span face=""helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif">¡Las tramas que urdían eran impresionantes! Cuando hablamos del Olimpo, nos lo imaginamos como un lugar paradisíaco, tranquilo, lleno de bondades, pero conociendo como se las gastaban sus moradores, más se nos asemeja a un lugar lleno de envidias, deseos y venganzas. Quizá por ello, </span><span face=""helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif" style="text-align: justify;">la mitología se convirtió en una fuente inagotable, de la que los artistas de todos los tiempos, podían nutrirse. En España, esta temática, comienza a desarrollarse durante el Barroco. Entre los artistas españoles que cultivaron este tema, destacan Ribera y sobre todo Velázquez, el cuál abarcó todos los géneros imperantes en su época. Y así, de su primera etapa, nos ha dejado una bella obra, <i>"La fragua de Vulcano"</i>. ¿Os acordáis de la obra? Vulcano o Hefestos, era el dios menos agraciado del Olimpo, pero eso no fue impedimento para que se casase con la más bella, con Venus. La historia sería genial, el triunfo del amor por encima de lo físico y por fin podríamos aplicar esa frase tan manida como incierta, de que la belleza está en el interior, pero no. Venus además de bella era adúltera, pero como todos los dioses, ahí tenéis a Zeus, que adoptaba todas las formas posibles para llevar a cabo sus conquistas ¡hasta en polvo de oro se convirtió para poseer a Dánae! Siguiendo con Vulcano y Venus, Velázquez recoge el preciso momento, narrado por Ovidio en</span> <i>Las Metamorfosis,</i> en el que Apolo se encuentra en el taller de Vulcano haciéndole sabedor del engaño del que estaba siendo objeto. El dios del fuego y de los herreros, parece sorprendido por la noticia, sus ojos desorbitados así lo manifiestan, al igual que los rostros incrédulos de los cíclopes que le acompañan. Esta forma de representar a los personajes, como sorprendidos en la realización de sus tareas cotidianas, era además muy propia del Barroco. Si seguís mi blog, ya sabéis la admiración que en mi causa Velázquez. Esta admiración no es solo por la plástica o las aportaciones a la técnica y a la historia del arte, lo es también, porque a pesar de que buscaban la representación de la verosimilitud, Velázquez nunca se recreó en lo desagradable o en las deformidades de los personajes que representaba. En esta obra podía habernos mostrado a Vulcano, como nos le describe la mitología en su aspecto físico y recrearse, a través de él, en el hecho lastimoso del engaño que estaba sufriendo. Pues bien, nuestro pintor evita el morbo o el drama, obvia el momento de indignación por el que está atravesando, no existe un solo rasgo de humillación, ni en su físico ni en la vivencia por la que atraviesa. Solo ligeramente, nos deja ver que Vulcano sufría de cojera y lo hace muy sutilmente, sin recrearse, lo podéis apreciar en la disposición del torso el cual crea una ligera diagonal desde su hombro derecho hacia su cadera izquierda. Incluso a los cíclopes les dota de dos ojos, cuando la mitología nos relata que solo tenían uno. La delicadeza no solo en el tratamiento del tema o en la captación de los personajes, también en las poses que adoptan cada una de las figuras de la composición, nos hablan de un gran maestro. ¡Cómo veis el amor no solo mueve el mundo, también hizo tambalear el Olimpo!</div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfxLWp-qVAz-_CmC3JiWl4YuMutmfvLQwfLpfCvY-L-AM5PKXjs4IZhAV8iNGBzxTPfUHJNgh1fdJ2QFfMVOjgfioxcjvVKQlEL_VeL0c34cFzwgW_IWfzRW6AfqYDmEGEcDYplGip2Q/s1600/La+fragua+de+Vulcano.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1228" data-original-width="1600" height="245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfxLWp-qVAz-_CmC3JiWl4YuMutmfvLQwfLpfCvY-L-AM5PKXjs4IZhAV8iNGBzxTPfUHJNgh1fdJ2QFfMVOjgfioxcjvVKQlEL_VeL0c34cFzwgW_IWfzRW6AfqYDmEGEcDYplGip2Q/s320/La+fragua+de+Vulcano.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>La fragua de Vulcano, 1630</i><br />
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660)<br />
Museo del Prado, Madrid.</td></tr>
</tbody></table>
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<span face=""helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif" style="text-align: justify;"></span></div>
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Pero no solo la pintura se adueñó de estos temas, también lo hizo la escultura. Gian Lorenzo Bernini nos dejó un soberbio ejemplo de la historia de Apolo y Dafne, la cual para no ser capturada por Apolo y en el preciso momento en el que la está dando alcance, se convierte en laurel. Bernini capta perfectamente la expresividad en el rostro de Dafne, así como las calidades de los cuerpos jóvenes, tersos, bellos y delicados, en contraposición con la dureza y el tacto áspero del árbol en el que la ninfa se está convirtiendo. Bernini utiliza un solo material, el mármol, pero sabe como darle las características propias de cada elemento. Entre sus obras también labraría el colchón sobre el que descansa una bella obra, la <i>"Hermafrodita dormida", </i>que se conserva en el Museo del Louvre.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwIpa2FQriDRIMQ_24z_RxwN7dm4JdTnbEjo9L-prwf04bTofnl_ODnh9PwoWRDD6U4jLQBydT4H47VcfE01-C-Sxd4yXfAchgDMiwHkL70xFSuoh-w7qGT5fHuhi7cszfc6pzFZ1gYw/s1600/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvYXBvbGxvLWRhcGhuZS1zZXB0ZW1iZXItMmEuanBnIiwicmVzaXplLDE1MDAiXX0.0DhvueC1C4aQX5PKH3g9nYSnMzhwRSe13sMGyJIWHXg.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1094" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwIpa2FQriDRIMQ_24z_RxwN7dm4JdTnbEjo9L-prwf04bTofnl_ODnh9PwoWRDD6U4jLQBydT4H47VcfE01-C-Sxd4yXfAchgDMiwHkL70xFSuoh-w7qGT5fHuhi7cszfc6pzFZ1gYw/s320/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvYXBvbGxvLWRhcGhuZS1zZXB0ZW1iZXItMmEuanBnIiwicmVzaXplLDE1MDAiXX0.0DhvueC1C4aQX5PKH3g9nYSnMzhwRSe13sMGyJIWHXg.jpg" width="218" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Apolo y Dafne, 1625<br />
Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)<br />
Galería Borghese, Roma.<br /><br /></td></tr>
</tbody></table>
Hermafrodita o Hermafrodito, era hijo de Hermes y de Afrodita o de Mercurio y Venus en la mitología romana. La leyenda cuenta, como la ninfa Salmacis se enamoró de él, pero este la rechaza aunque acepta bañarse en su pozo. Ella decide bañarse junto a él con un objetivo, abrazarle y rogarle a los dioses quedarse unida a él por siempre. El deseo se hizo realidad y así nació Hermafrodita, uniéndose en un solo cuerpo ambos sexos. El museo parisino conserva una copia griega del S.II a.c, donde apreciamos la voluptuosidad de las formas de Hermafrodita, representada como un ser bisexual. De la obra destaca, además del tema, la perfección formal, lo sensual del personaje que recostado sobre la cama nos muestra sus formas mitad hombre mitad mujer, mientras que vuelve su cabeza hacia un plano posterior, si rodeamos la escultura podemos ver su delicado rostro. A favor de la sensualidad, juega de nuevo, la utilización del mármol y el uso de una sábana enredada en las piernas de Hermafrodita.</div><div style="text-align: justify;"><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEismzLFf5ry1ckS3kWKoNjB84cid77qGc_8RuNNAztVHKN6ieLK4ciQUGPkkqB_WpkQ1JGeCm5azuuETj-mW4xuui9olnS4YPWK5hW6BkmYi8QaZJ3S5T3ricEAuJ49YCACTlQn89_T1g/s1600/2.JPG" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="441" data-original-width="588" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEismzLFf5ry1ckS3kWKoNjB84cid77qGc_8RuNNAztVHKN6ieLK4ciQUGPkkqB_WpkQ1JGeCm5azuuETj-mW4xuui9olnS4YPWK5hW6BkmYi8QaZJ3S5T3ricEAuJ49YCACTlQn89_T1g/s320/2.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Hermafrodita dormida</i><br />Copia griega<br />Museo del Louvre.<br /><br /></td></tr>
</tbody></table>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh43KiPBT7QU073xCYHbiYBxJ0gYq6jyf3wnrHl0zlOHPyODkV8RRY6Dhbm0zrgM9Ert8wSe1DP1ZIKMEZh3hNnQxBwZIzluvolMVkIAo5iE6YYxPqgXMurOeZQvkfTNyHhaZAKfg-acQ/s1600/louvre20hermaphrodite2002.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="683" data-original-width="1024" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh43KiPBT7QU073xCYHbiYBxJ0gYq6jyf3wnrHl0zlOHPyODkV8RRY6Dhbm0zrgM9Ert8wSe1DP1ZIKMEZh3hNnQxBwZIzluvolMVkIAo5iE6YYxPqgXMurOeZQvkfTNyHhaZAKfg-acQ/s320/louvre20hermaphrodite2002.jpg" width="320" /></a></div>
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Unas líneas más arriba os preguntaba sobre el eco. ¿Quién fue Eco y que relación tiene con la voz que en la lejanía se repite y acaba desapareciendo? Eco era una ninfa de cuya boca solo salían bellas palabras a la cual Hera castigo dejándola sin voz y a repetir, únicamente, la última palabra que su interlocutor dijera. Por ello, la ninfa decide recluirse en un apartado lugar y allí se enamora de Narciso. Ella ayudada de los animales del campo le declara su amor pero Narciso la rechaza, por ello, la ninfa decide recluirse en una cueva alejada de todos. Algunas versiones cuentan que es Eco quién decide vengarse de él, otras que es Némesis la que lo castiga. Pero en ambas, el deseo o el castigo, es que este se enamore sin ser correspondido por rechazar a todas las que hasta él se acercaban. Ese deseo o castigo se cumplió, de nuevo. Narciso se enamoró, sin saberlo, de su propio reflejo en el agua, debido a ello, su amor era imposible. Ahora ya sabéis de donde proviene el término narcisista aplicado a alguien que se gusta mucho. Narciso estaba desesperado de que el joven que veía y habitaba el río no le correspondiese a su amor. Cada día, se acercaba hasta el mismo lugar para estar cerca de su amado e intentar conseguir su propósito. Pero un día, se inclinó tanto hacia el agua para poder acercarse más al joven que veía, que cayó muriendo ahogado. En ese mismo lugar nació una flor a la que dieron el nombre de Narciso. L<span face="'Helvetica Neue Light', HelveticaNeue-Light, helvetica, arial, sans-serif">a leyenda cuenta que mientras que Narciso estaba absorto en la contemplación de su reflejo, en la lejanía, se oía a la ninfa Eco repetir su nombre. </span></div><div style="text-align: justify;"><span face="'Helvetica Neue Light', HelveticaNeue-Light, helvetica, arial, sans-serif"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span face="'Helvetica Neue Light', HelveticaNeue-Light, helvetica, arial, sans-serif">Así que, si en algún momento escucháis, como a lo lejos resuena vuestro nombre, pensad que quizá es algún enamorado al que olvidasteis y que aún os llama.</span></div><div style="text-align: justify;">
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfh_kI62tNsvaXr1vXnsE92taYakXI0-kDai8F2PYAq-jvE-9rPmVLZ46dMisk9qUT9VzuFyKpNxS8FwWsW0r1DLCw3zMNew7Gf2pkIqqx1l_VgqCaD5GAK78D-qDl-3wWoPLkQGlbgQ/s1600/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvbmFyY2lzby1jYXJhdmFnZ2lvLmpwZyIsInJlc2l6ZSwxNTAwIl19.XaV2SvedTjXq6x8tTY2JKOzifxINpJow2W-RK6KdAVE.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1322" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfh_kI62tNsvaXr1vXnsE92taYakXI0-kDai8F2PYAq-jvE-9rPmVLZ46dMisk9qUT9VzuFyKpNxS8FwWsW0r1DLCw3zMNew7Gf2pkIqqx1l_VgqCaD5GAK78D-qDl-3wWoPLkQGlbgQ/s320/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvbmFyY2lzby1jYXJhdmFnZ2lvLmpwZyIsInJlc2l6ZSwxNTAwIl19.XaV2SvedTjXq6x8tTY2JKOzifxINpJow2W-RK6KdAVE.jpg" width="264" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div style="font-size: 12.8px;">
<i>Narciso, 1599</i></div>
<div style="font-size: 12.8px;">
Caravaggio ( 1571-1610)</div>
<div style="font-size: 12.8px;">
Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma (Italia)</div>
</td></tr>
</tbody></table>
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</div>
</div>
</div>
Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-84375228785316964792018-11-19T16:28:00.002+01:002018-11-20T12:44:33.412+01:00American Gothic ¿El icono americano?<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZd9EJ9Cb1uAXVehqldYC4wEpjZZVcid90XxU_V-RhSTQv2LHJ8RpwDIKjigd9JfqjrA3lXAViVNPQ1gGPwfFE37oalDyp0nj-1TghI7renaG-BsWEHY4DOdRX3r_p6hVVAuizaZ3riA/s1600/1154.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="420" data-original-width="700" height="192" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZd9EJ9Cb1uAXVehqldYC4wEpjZZVcid90XxU_V-RhSTQv2LHJ8RpwDIKjigd9JfqjrA3lXAViVNPQ1gGPwfFE37oalDyp0nj-1TghI7renaG-BsWEHY4DOdRX3r_p6hVVAuizaZ3riA/s320/1154.png" width="320" /></a></div>
<span style="font-family: inherit;"><span style="background-color: white; vertical-align: inherit;"><br /></span></span>
<span style="font-family: inherit;"><span style="background-color: white; vertical-align: inherit;"><br /></span></span>
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<span style="font-family: inherit;"><span style="background-color: white; vertical-align: inherit;">A mediados del S.XIX, se desarrolló en Estados Unidos, un estilo arquitectónico denominado Carpenter Gothic, al que podríamos definir como una reinterpretación, muy libre, del estilo gótico europeo, a través de la utilización del arco apuntado u ojival. Y digo, muy libre, ya que solo toma la idea visual, el arco que utiliza es demasiado puntiagudo, no sigue la forma de un verdadero arco apuntado gótico, formado por la intersección de dos circunferencias que al cruzarse crean un ángulo. El que utilizan aquí nace de dos líneas rectas que se unen en el centro. Además no es estructural como lo fue el que les sirve de inspiración. Durante el gótico, el arco apuntado tuvo una importante misión arquitectónica: la de repartir las fuerzas y los empujes hacia el suelo, con lo cual se conseguían varias cosas, elevar la altura de los arcos, conseguir la eficiencia de los materiales utilizados y aligerar los muros permitiendo que se hiciesen mucho más delgados e incluso pudiesen ser sustituidos por vidrieras, como vemos en las Catedrales. No sólo el arco, los contrafuertes también sirvieron para que las cargas fuesen a parar directamente al suelo. Nacen así edificios mucho más esbeltos que los románicos, cuyo arco de medio punto distribuía las fuerzas no solo a través de la línea de fuerza que discurría por el interior del arco, sino hacia los muros, es decir vertical y horizontalmente, lo que obligaba a hacer los paramentos mucho más gruesos para soportar parte de las cargas del edifici</span><span style="background-color: white; vertical-align: inherit;">o. El Carpenter Gothic, toma los elementos que caracterizaron al gótico europeo pero con un sentido muy decorativo y banal, creando casas de un gran eclecticismo al mezclar decoraciones que tienden a lo vertical, como las que se aprecian en las ventanas ojivales, con estructuras apaisadas como las que forman los aleros de grandes dimensiones que recorren el perímetro de la casa. </span></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="background-color: white; vertical-align: inherit;"><br /></span></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfwCO2C2b6S-Ah3gg9mQ2yUKcE_-84vXkqtaHfQcroa8GM3_Grnif5yd_oszVZeCSeRdCc4huB1RbF838NJfkA8AviUmlCFrDsFpBlGmIWeIsZs-gcpE_f9qzyHpBRpTEHIYD0FpXFnA/s1600/img_9656.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1066" data-original-width="1600" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfwCO2C2b6S-Ah3gg9mQ2yUKcE_-84vXkqtaHfQcroa8GM3_Grnif5yd_oszVZeCSeRdCc4huB1RbF838NJfkA8AviUmlCFrDsFpBlGmIWeIsZs-gcpE_f9qzyHpBRpTEHIYD0FpXFnA/s320/img_9656.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Dibble house", 1881<br />
Eldon, Iowa.</td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: inherit;"><span style="background-color: white; vertical-align: inherit;"><br />Pues bien, uno de estos edificios, la Dibble house, en Eldon, Iowa, se convirtió sin quererlo, en el escenario de una de las obras más conocidas de Grant Wood (1891-1942), <i>American Gothic</i> y también en una de las más misteriosas, ya que al contemplarla, los rostros serios de los protagonistas y sobre todo la horca que lleva el hombre, nos sugiere algo "gótico", en el sentido que los americanos dieron a este término años después, relacionado con asesinatos en la América más profunda, con lo siniestro. Con esta obra, Grant Wood, se adentra en un tipo de pintura llamada Regionalismo americano, la cual trataba de poner de relieve los aspectos y tipos más populares y tradicionales del sur y del Medio Oeste de los Estados Unidos, durante los años 30 y 40 del siglo pasado. En España, por ejemplo, el Regionalismo se había desarrollado años antes con pintores como Joaquín Sorolla o Ignacio Zuloaga. En el caso americano surge como una reacción al mundo urbano, ya que buscaron en las comunidades rurales la esencia de los tipos, las actividades y de las tradiciones que en ellas se llevaban a cabo, en definitiva, de lo que podemos denominar el Folklore, en su sentido original y no despectivo. Esta reacción contra lo urbano tenía su punto de partida en el rechazo hacia los movimientos y sobre todo hacia los artistas de vanguardia europeos que estaba intentando introducir Alfred Stieglitz en Estados Unidos, donde lo urbano tenía mucho protagonismo, el principal es que estas vanguardias se formaron en las principales capitales. Las vanguardias europeas comenzaron a difundirse a través de la exposición "Armory Show" que entre febrero y marzo de 1913 se celebró en Nueva York. En esta exposición, no solo se mostraron obras europeas, también de la vanguardia americana, aún así se levantaron voces contrarias a ella, ya que un porcentaje muy bajo de obras pertenecían a los movimientos americanos. Y este, fue el otro elemento, que hizo nacer el Regionalismo en esta parte de América. Aunque para ser justos, la reacción de desagrado también se produjo por el elevando número de obras representativas de la vanguardia francesa en detrimento de otros focos europeos, como Alemania o Italia que también jugaron un papel destacado en el nacimiento de importantes estilos durante el primer tercio del S.XX, sobre todo Alemania. </span></span><br />
<span style="font-family: inherit;"><span style="background-color: white; vertical-align: inherit;"><br /></span></span>
<span style="background-color: white;">La reacción fue la lógica y habitual. En todos los países ha estado presente contrarrestar lo que viene impuesto de fuera mediante la búsqueda de la esencia genuina del país propio. Y para ello se rastrea en la sociedad más primitiva rescatando los elementos identitarios, aquellos que nos hacen diferentes y originales. Y no solo sucede en el arte, en todas las manifestaciones de la vida, por ejemplo en la forma de vestir, también se observó esta rebeldía. </span><br />
<span style="background-color: white;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwezwiFAx4CvuekWSZFtHOJzhYgtPzsZ49ND7lAenU4_TURJB3b84Ncme6oCdSsA39WdAl5WYtQ59oggLVdTn2gO-JqXY908qH5d1X6SMKQUJZZRmJLJph_3ZayPcZSOVaD_y8ev_kDA/s1600/large_American_Gothic.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1458" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwezwiFAx4CvuekWSZFtHOJzhYgtPzsZ49ND7lAenU4_TURJB3b84Ncme6oCdSsA39WdAl5WYtQ59oggLVdTn2gO-JqXY908qH5d1X6SMKQUJZZRmJLJph_3ZayPcZSOVaD_y8ev_kDA/s320/large_American_Gothic.jpg" width="263" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>American Gothic, 1930<br />Grant Wood<br />Art Institute Chicago. </i></td></tr>
</tbody></table>
<br />
<span style="background-color: white;">Grant Wood con <i>American Gothic</i>, se convirtió en representativo de este estilo simplificado, que puede recordarnos la pintura Naïf, por lo ingenuo de las representaciones y por concebirlas desde la más absoluta sencillez en colores, composiciones y temas. La sencillez de la pareja encaja con la del medio que les rodea. Sencillas son las líneas que componen la casa o las copas perfectamente redondas y casi infantiles de las copas de los árboles. Es un conjunto bien avenido, como lo pueda ser la supuesta pareja que vemos. Y junto a la sencillez, la verticalidad, que observamos primero en el propio formato de la obra y a partir de ahí en los diferentes elementos que la componen, como en los rostros y cuerpos alargados de la pareja que tienden a lo ascensional, como hizo el gótico. O las tablas de madera que construyen la casa Y para subrayarlo aún más, el hombre sujeta firmemente una horquilla de tres dientes que se elevan al cielo y que replican los rostros de los personajes. Pero aún hay una tercera característica: el carácter frontal que el artista imprime a la obra. Frontalidad que evoca </span><span style="background-color: white;">al arte flamenco. Aunque nos pueda parecer que el granjero y su acompañante focalizan nuestra atención, otros es el elemento que se convierte en destacado, la ventana del fondo. Lo utiliza como recurso para mostrarnos lo más característico de este estilo constructivo propio de un momento determinado y de una comunidad que engendra, supuestamente, valores superiores. Pero la ventana también ayuda a buscar la verticalidad, y en cierto modo, ventana y horquilla siguen las mismas formas, y así, el primer y el último se abren y cierran respectivamente, con la misma forma, ayudando a potenciar más la sensación de verticalidad. Y por último y hablando de la influencia de la pintura flamenca, la ventana, además de ayudar a conseguir una obra muy frontal compuesta para ser contemplada desde un único punto de vista, el que tenemos si nos colocamos frete a ella, también nos recuerda la búsqueda de la profundidad, </span><span style="background-color: white;">aunque el punto de fuga, en este caso, se encuentra en el vértice que forma la techumbre. La obra recuerda las de los primitivos flamencos, pero en esta ocasión invertida, en vez de representar un interior representa un exterior, pero al estar el encuadre tan ajustado las copas de los árboles que se vislumbran al fondo no nos dan sensación de una escena completamente exterior, sino más bien interior lo que nosotros podríamos contemplar a través de una ventana. Grant Wood viajó a Europa en los años 20 del siglo pasado y aquí conoció la obra de los flamencos en la que se inspiraría para esta composición. ¿Quizá la frontalidad de <i>El Matrimonio Arnolfini, </i>de Van Eyck, esté presente aquí, junto con el recurso del espejo que en esta ocasión ha sido sustituido por una ventana?</span><br />
<br />
<span style="background-color: white;">Hasta aquí lo que vemos, y ahora lo que no vemos. </span><span style="background-color: white;">Esta obra surgió cuando el artista viajaba a través de Iowa, lugar donde nació. Allí, en Eldon, fue donde vio la casa a partir de la cual se imagino una escena tradicional americana, ubicada en los tiempos en los que el Carpenter Gothic se desarrolló. La imagen tenía que completarse con granjeros sencillos, que evocasen el espíritu americano de fines del S.XIX. Para ello eligió como modelos a su hermana, Nan Wood Graham y a su dentista, Byron McKeeby. Aunque al ver una pareja, inmediatamente nuestra mente nos pueda llevar a pensar en un matrimonio, lo que realmente Wood quiso representar era a un padre y a su hija, encarnando los valores rurales del Medio Oeste, entre ellos el del trabajo por eso utiliza el tridente y el de la fortaleza que aparece representada a través de la mano del granjero que sujeta fuertemente la herramienta con la que trabaja. La composición la terminó en el garaje de su estudio, que le servía para exponer sus trabajos de artes decorativas lo que muestra su apego por las formas más tradicionales de expresarse, a través de la artesanía se recupera la esencia del trabajo tradicional hecho con cariño y que en cierto modo, relaciona con esta obra, por todo lo que subyace en ese tipo de trabajos. Pero estos valores les extrapola al momento por el que los americanos están atravesando, los momentos álgidos de la Gran Depresión. Esta crisis se desarrolló a nivel mundial aunque tuvo su origen en el desplome de la bolsa estadounidense, el 29 de octubre de 1929, lo que se conoce como Martes Negro. </span><br />
<span style="background-color: white;"><br /></span>
<span style="background-color: white;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1-l4yCXMKBsuZGDHrd4cL230_j8o3LbOjMGXqyYk5SalWPfou_eI9iUO3EI3EDmQ0TQptXE3hqGjZfHSaYp-EcYVDHfOgpl-MXfk3LltrzLPEZExyMcw4zlQt6JV4x8Gd0TGZHHjXXg/s1600/models.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="500" height="239" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1-l4yCXMKBsuZGDHrd4cL230_j8o3LbOjMGXqyYk5SalWPfou_eI9iUO3EI3EDmQ0TQptXE3hqGjZfHSaYp-EcYVDHfOgpl-MXfk3LltrzLPEZExyMcw4zlQt6JV4x8Gd0TGZHHjXXg/s320/models.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Nam Wood Graham y Byron McKeeby.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<span style="background-color: white;">En un momento de decaimiento a todos los niveles, Wood quiso, a través de lo que representa esta obra y que ellos podían perfectamente entender, a buscar los valores de fortaleza y prosperidad que caracterizaron a la nación en un momento determinado y que les podían servir para sobrellevar la crisis. Era un canto a la esperanza y al optimismo y quizá por ello, los colores son alegres y </span><span style="background-color: white;">las formas sencillas evocando una vida tranquila, idílica y próspera, en la que las preocupaciones modernas relacionadas con lo urbano, con la banca y lo bursátil no tenían cabida. Una prosperidad que volvería a fines de los años 30 </span><span style="background-color: white;">con la aparición de la economía de guerra. </span><br />
<span style="background-color: white;"><br /></span>
<span style="background-color: white;">Pero hay algo más que puede desprenderse de esta obra, eso sí, para ello hay que tener en cuenta, ya no a la sociedad utópica y ciertamente idealizada, sino a la más crítica y tradicional a la represiva y opresiva, y al propio Grant Wood. Quizá la obra no sea un canto a la esperanza sino una crítica a lo retrogrado que convive con los otras características antes mencionadas. Wood era homosexual y a través de esta obra trasmite sus ansias y su ansiedad ante su propia situación. El lugar donde él vivía, era pequeño y posiblemente opresivo, un ambiente que estaría encarnado por los dos protagonistas y el carácter que dejan traslucir en sus rostros y en su vestuario. </span><span style="background-color: white;">Yo soy de la idea, de que la vida en el campo está sobredimensionada ya que la ciudad aporta valores y libertades que en lugares más cerrados se niegan. La ciudad quizá es mas impersonal, más independiente y solitaria, pero es ahí donde podemos encontrar la libertad a nuestra personalidad y poder expresar quién somos cada uno realmente, </span><span style="background-color: white;">sin temer la crítica o la humillación. A través de <i>American Gothic</i> </span><span style="background-color: white;">alienta al avance para salir de la crisis, pero al mismo tiempo, ese avance que reclama, también debería hacer salir a la sociedad de la rigidez moral en la que se encontraba. </span><br />
<span style="background-color: white;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia7AvQ-5AK2_kdzf9iH-74ci0b8r0wCCt7dwRtdZVaCpiilbHPcMYX8adZfiZSYLbKkQ2abBp5erXP3O4iX52FNmxlS3U1aET0hDRDdifG2fJaFM-_Jxb-rIJgvgBBeTgMMQoZ6OOyeg/s1600/Grant+Wood+-photo00.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1271" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia7AvQ-5AK2_kdzf9iH-74ci0b8r0wCCt7dwRtdZVaCpiilbHPcMYX8adZfiZSYLbKkQ2abBp5erXP3O4iX52FNmxlS3U1aET0hDRDdifG2fJaFM-_Jxb-rIJgvgBBeTgMMQoZ6OOyeg/s320/Grant+Wood+-photo00.jpg" width="254" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Grant Wood (1891-1942)</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<span style="background-color: white;"> ¿Cuándo, cómo y por qué le llega la fama a Grant Wood? Wood era un artista local que residía en una pequeña población llamada Cedar Rapids. Parece que sus deseos de ser artista se veían limitados por su lugar de residencia. Pero en 1930, el destino, la suerte o lo más importante para triunfar: creer en uno mismo, hizo que presentase esta obra a la exposición que cada año se llevaba a cabo en el </span><span style="background-color: white;">Instituto de Arte de Chicago. En una primera vuelta, la obra fue rechazada, pero curiosamente y en el último momento deciden que la obra, a pesar de no tener nada que ver con el resto de obras presentadas, sea tenida en cuenta en una segunda ronda. Finalmente el lienzo se hace merecedor, no del primero, pero si del tercer puesto y obtiene la medalla de bronce</span><span style="background-color: white;"> </span><span style="background-color: white;">Norman Wait Harris, curiosamente un banquero fundador del Harris Bank de Chicago. </span><span style="background-color: white;">Pero lo que realmente hizo que su obra comenzase a ser estudiada y su figura tenida en cuenta, fue que el Instituto de Arte de Chicago decidió comprarla por 300 $, el precio de venta libremente fijado por el artista. </span><br />
<span style="background-color: white;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibJNuhTC7YugUy6bMq-ztf741XQgOa54jw1Zwt72nandwBgoCxz8ofci1hkLvshtvVnVYkO7Lc6ogGP5ZHaB791VawXlbdMteoolYrf2hJzDWZxSFjxCHbuSXa5ogjdxFKt7yI0Ev2gA/s1600/default.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="846" data-original-width="846" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibJNuhTC7YugUy6bMq-ztf741XQgOa54jw1Zwt72nandwBgoCxz8ofci1hkLvshtvVnVYkO7Lc6ogGP5ZHaB791VawXlbdMteoolYrf2hJzDWZxSFjxCHbuSXa5ogjdxFKt7yI0Ev2gA/s320/default.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Medalla Norman Wait Harris"</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Desde entonces, la obra, ha sido reproducida y parodiada hasta nuestros días, eso sí obviando el significado o significados latentes tras los personajes, el ambiente y los colores.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEga8McTDTX9qBMNt051opwIFRRHi6Ogoxn33LPGF57hc_XPHgxsH8nfIb8TbFsuNLvl2zyNSxQQD5g7QFF9mpzjdqPXBIJX5sCYLJalHAMF7NF3EWQ4N0h_SDwCCoQtDYmyEekWo7ekvQ/s1600/alfred-gescheidt-american-gothic-parody-regan-1983.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1221" data-original-width="805" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEga8McTDTX9qBMNt051opwIFRRHi6Ogoxn33LPGF57hc_XPHgxsH8nfIb8TbFsuNLvl2zyNSxQQD5g7QFF9mpzjdqPXBIJX5sCYLJalHAMF7NF3EWQ4N0h_SDwCCoQtDYmyEekWo7ekvQ/s320/alfred-gescheidt-american-gothic-parody-regan-1983.jpg" width="210" /></a></div>
<br />
<span style="background-color: white;"><br /></span>
</div>
</div>
Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-17160428889949846242018-11-02T14:01:00.001+01:002018-11-07T18:11:37.777+01:00Van Gogh, ese loco del pelo rojo. <div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: justify;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcZb8E19i8NScOF7QpECAs4yMhMprx-fZTnen-h510u62x0u9SiGpvEwM-QXlJGlj6HmjXZelrqa8YS_5F7nYznWENSNYbPPczOPnzGfovyWeOGts97OMeA90PXMp6esYSXMYYHO2sHA/s1600/1367400062_592165_1367400208_album_normal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="867" data-original-width="666" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcZb8E19i8NScOF7QpECAs4yMhMprx-fZTnen-h510u62x0u9SiGpvEwM-QXlJGlj6HmjXZelrqa8YS_5F7nYznWENSNYbPPczOPnzGfovyWeOGts97OMeA90PXMp6esYSXMYYHO2sHA/s320/1367400062_592165_1367400208_album_normal.jpg" width="245" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Autorretrato pintando", 1887</i><br />
<div style="font-size: 12.8px;">
Museo Van Gogh, Amsterdam.</div>
<div style="font-size: 12.8px;">
Vincent Van Gogh. </div>
</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Cuando hablamos de Vincent Van Gogh, creo que siempre lo hacemos desde una perspectiva nada halagüeña. La imagen que de él tenemos va más allá de la de un pintor, la imagen que proyectó Vincent, o al menos es lo que yo veo cuando pienso en su vida, es la de un hombre, un hombre muy carismático pero muy débil a pesar de tener un fuerte carácter. Solo cuando contemplo sus obras veo al Vincent pintor y en ellas, en algunas ocasiones, veo reflejadas sus experiencias vitales, esas, que a todos nos llevan a ser lo que somos. Y digo en ocasiones, ya que su obra no es un canto a la desesperación, como lo fueron las últimas obras de Goya, utilizando una paleta ennegrecida o la de Gutierrez Solana o Darío Regoyos, que proyectaban la desesperación, no de sus vidas, sino de la sociedad, de lo que se dio en llamar la España negra, en paletas de idénticos colores. Podríamos pensar en comparar la obra de los españoles citados con las de la primera etapa del holandés, como sus <i>"Comedores de patatas", </i>en la que nos muestra<i> </i>la dureza de la vida en el campo y el genial artista en el que se está convirtiendo, a pesar de las críticas hacia las figuras y hacia las tonalidades demasiado oscuras, pero estas tonalidades aluden al color que tiene la patata cuando es sacada de la tierra de labranza. Lo que él buscaba y que quizá sus contemporáneos no entendieron, era trasmitir el mensaje de la dura vida rural.<br />
<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiklntZ6TUm31Z_KIBQ9AImmUpAygqrEZxaAoLjcpF0VRlfM1mOJNxmklehLJAAq9RlBKwafCorSJQkgQQQU619y037MhFW8oQrKolx-W1GsL54UXzEdUnNo3t4K3cHFI7AsNtzRZvzXg/s1600/descarga+%25281%2529.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="789" data-original-width="1423" height="177" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiklntZ6TUm31Z_KIBQ9AImmUpAygqrEZxaAoLjcpF0VRlfM1mOJNxmklehLJAAq9RlBKwafCorSJQkgQQQU619y037MhFW8oQrKolx-W1GsL54UXzEdUnNo3t4K3cHFI7AsNtzRZvzXg/s320/descarga+%25281%2529.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Los comedores de patatas", 1885</i><br />
<div style="font-size: 12.8px;">
Museo Van Gogh, Amsterdam.</div>
<div style="font-size: 12.8px;">
Vincent Van Gogh. </div>
<i><br /></i></td></tr>
</tbody></table>
En la obra de Van Gogh yo veo un canto a la vida, a la luz, a la libertad del campo o al renacer, a una vida sencilla cargada de trabajo, pero complaciente. Y ese renacer, que puede ser el suyo propio, se muestra en obras como el <i>"Almendro en flor" </i>donde además es muy clara la influencia que sobre él ejerció la estampa japonesa. El deseo de un hombre de sentirse libre de sus ataduras mentales, de su ánimo. Por eso su obra muestra escenas de la vida diaria. En ella abundan los girasoles, como bien sabréis, estos durante el día van girándose buscando la luz y el sol. Así se mostraba nuestro pintor, como un girasol que buscaba la vida, pero que por diferentes motivos se le hacía más difícil encontrar un elemento que le aportase la luz que necesitaba. Seguramente, ese elemento, no era otro que pintar, que reflejar en sus múltiples lienzos lo que tenía delante de sus ojos: los campos y los paisajes urbanos de Arlés, la luz que influyes notablemente en los amarillos, las noches estrelladas o su habitación pero introduciéndoles también en la magia de su propia visión de artista.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7V5e2K1hvAX3g0U0LVbzQldREN0js4oRylAcO8P53DzJixP9LsCW0jz3O-Xm0SBJsnKonFTqb6rkn_vCug4fMKCE-AWZAjABGuLnaRUccXYWYQZVik7KczM1-1cgfH_TZtx4oiMgRTg/s1600/Almendro-en-flor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="593" data-original-width="741" height="256" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7V5e2K1hvAX3g0U0LVbzQldREN0js4oRylAcO8P53DzJixP9LsCW0jz3O-Xm0SBJsnKonFTqb6rkn_vCug4fMKCE-AWZAjABGuLnaRUccXYWYQZVik7KczM1-1cgfH_TZtx4oiMgRTg/s320/Almendro-en-flor.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Almendro en flor", 1890</i><br />
<div style="font-size: 12.8px;">
Museo Van Gogh, Amsterdam.</div>
<div style="font-size: 12.8px;">
Vincent Van Gogh. </div>
</td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Se ha hablado mucho que la paleta cromática que utilizaba reflejaba su estado anímico. Cuando hablamos de estado anímico pensamos en el aspecto más negativo. Van Gogh pasaba de la alegría a la desesperación en poco tiempo, por lo tanto, sus obras, deberían marcar ambos estados, pero ¿realmente lo hacen? Esta idea es válida en muchos pintores e incluso puede serlo en el caso del propio Van Gogh, pero no debemos tomarlo al pie de la letra, hay que tener en cuenta otros condicionantes y uno de ellos sería el cambio que van experimentando las artes a partir de las Vanguardias y como se utiliza a partir de entonces el color. El utilizó, por ejemplo, en muchas de sus obras, los azules, pues bien, quiero que os fijéis en alguna obra de la etapa azul de Picasso y la comparéis con una de Van Gogh y entonces, pensad, si os trasmite lo mismo una y otra. Pero por favor, ya sé que es difícil, abstraeros de lo que sabéis de uno y de otro, solo contemplad las obras. Y si os apetece podéis dejar vuestros comentarios. Quizá la obra más difundida en estas tonalidades, sea <i>"La noche estrellada"</i> (1889). ¿Qué os trasmite este lienzo, tristeza, agitación o calma? ¿Sabéis en que momento pintó esta obra? ¿Dónde se encontraba? ¿Qué pasaría un año después? Los azules nos dan sensación de calma a pesar de ser tonalidades frías, o quizá también por ello. Los colores cálidos como el rojo o los naranjas, en cambio provocan más agitación. Y según sus palabras el rojo y el verde le servían para expresar las <i>"terribles pasiones de la humanidad"</i>. El color no es lo que determina su estado de ánimo, o al menos no como elemento final, las pinceladas largas que forman remolinos en el cielo, también tienen mucho que decir, ya que nos pueden hablar de un alma que no encuentra la paz, y es en ellas, a mi juicio, en donde se concentra toda la expresividad. Ambos, el color y la pincelada se necesitan y complementan. Esta fuerza expresiva, de la cual Van Gogh era totalmente consciente, le llevó a decir que muchos pensarían que era una forma de suplir la técnica. Pero en realidad, era tan meticuloso que aprendió la técnica a la perfección, y la aprendió de los mejores, de los grandes maestros holandeses. De Rembrandt y de Frans Hals tomó el gusto por los colores oscuros, de los que más tarde se desaprendería al entrar en contacto con Toulouse- Lautrec o Paul Signac. Es una obra que tiene mucho de evocador y de poético, pero en el sentido más literal. Camille Pissarro, llegó a decir que la inmediatez que parece estar presente en las obras de Van Gogh, no es tan cierta, ya que subyace una profunda elaboración que en algunos casos, como en el que nos ocupa, tenía como fuente de inspiración los poemas de Walt Whitman. Y quizá por la idea de que sus obras reflejan lo inminente pensemos en sus estados anímicos. Esa idea se desmonta cuando hablamos de un trabajo meditado y calculado. Debido a eso y a pesar de que nos pueda parecer un paisaje real, Van Gogh pocas veces pintaba lo que tenía delante, esas visiones las mezclaba con otras provenientes de sus sueños y de su imaginación. Por eso y en esta obra que nos ocupa, se ha hablado mucho sobre el pueblo que se ve. Siguiendo las teorías de la inmediatez, podría ser Saint Rémy, pero según algunas investigaciones el pueblecito que se ve estaría en su invención y la aguja de la iglesia evocaría la de su ciudad natal en los Países Bajos, Zundert. ¿Dónde estaría el antecedente de esta obra? ¿No os recuerda <i>"La vista de Toledo"</i> de el Greco? Por lo imaginativo en la concepción de los lugares que representan. El Greco Pintó Toledo pero alteró el curso del río. Nos dio una visión un tanto fantasmagórica de la ciudad. Lo que ambos están haciendo es anteceder el Expresionismo en el arte.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEZaiO_qXwOtX6vtPPEuJAzsHb_uDn7vbo0zAkyqRmno8D0jlh1AWLRrKlH-YBmHHQZMbEBrw0xrbkSgVfkX4ZSJOqbMw3V0uyGvU2VryS4GfoUlBUvzIrn-sPmWaUJbgiYhR-3Lnz0g/s1600/Vincent-van-Gogh-La-noche-estrellada-1889-Museo-de-Arte-Moderno-de-Nueva-York.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="613" data-original-width="1090" height="179" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEZaiO_qXwOtX6vtPPEuJAzsHb_uDn7vbo0zAkyqRmno8D0jlh1AWLRrKlH-YBmHHQZMbEBrw0xrbkSgVfkX4ZSJOqbMw3V0uyGvU2VryS4GfoUlBUvzIrn-sPmWaUJbgiYhR-3Lnz0g/s320/Vincent-van-Gogh-La-noche-estrellada-1889-Museo-de-Arte-Moderno-de-Nueva-York.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"La noche estrellada", 1889</i><br />
Museo de Arte Moderno de Nueva York<br />
Vincent Van Gogh.</td></tr>
</tbody></table>
Si viajáis a Nueva York, no os olvidéis de visitar el MoMa, allí os estará esperando <i>"La noche estrellada"</i> y como sabéis, nada tiene que ver la explosión del color real con lo que nuestra pantalla nos devuelve. Es entonces, cuando se tiene un lienzo frente a frente, cuando realmente se experimenta sensaciones y sentimientos, por eso es tan importante visitar los diferentes museos. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8aSBv_ca6d23B0ZE76cTE6hLezeVzHhPxuPKAYoLcTU8GBmPeZDGFeuEC3j-G0KZdw2oKABYVycAdWYAG4zewtSBcYut44ZY85HFCbL_gk4cqNHs27a_NWsElN6qimvr2HAbD2r4niA/s1600/van-gogh-christies-kySE-U212026625623tNI-620x470%2540abc.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="471" data-original-width="620" height="242" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8aSBv_ca6d23B0ZE76cTE6hLezeVzHhPxuPKAYoLcTU8GBmPeZDGFeuEC3j-G0KZdw2oKABYVycAdWYAG4zewtSBcYut44ZY85HFCbL_gk4cqNHs27a_NWsElN6qimvr2HAbD2r4niA/s320/van-gogh-christies-kySE-U212026625623tNI-620x470%2540abc.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Laboreur dans un champ", 1889</i><br />
Colección privada<br />
Vincent Van Gogh</td></tr>
</tbody></table>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Otro color que se convirtió en su preferido, fue el amarillo, recordad de nuevo los girasoles. Para vosotros ¿qué representa esa tonalidad? Seguramente lo primero que nos viene a la mente es el astro rey. El sol es vida, es la alegría de un comienzo, de un nuevo día y de nuevas oportunidades. Quizá cuando Van Gogh utiliza este tono esté lanzando un mensaje implícito, el anhelo de un renacer. Como os decía, a pesar de esa imagen que tenemos de él, disfrutaba de la vida, de lo que veía y así lo dejó escrito en algunas de sus cartas, en ellas no solo se lamentaba de que no vender ni un solo cuadro. En 1888 escribió desde el sur de Francia a Émile Bernard: "¡Oh! Ese hermoso sol de verano aquí."<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVaI7Z9sln8uwLVxMt-79G5IkCyNRftTgCEXeadIYf4wofdnYAZFsXrVPujQz9L-WXUadxbKH74RLzikoR5LcyORvj_P2E9KkgefIQAbxCmLz-3A5jaKQTFr8moeBkw7gsDgURLIFe9g/s1600/1367400062_592165_1367401044_album_normal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="874" data-original-width="666" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVaI7Z9sln8uwLVxMt-79G5IkCyNRftTgCEXeadIYf4wofdnYAZFsXrVPujQz9L-WXUadxbKH74RLzikoR5LcyORvj_P2E9KkgefIQAbxCmLz-3A5jaKQTFr8moeBkw7gsDgURLIFe9g/s320/1367400062_592165_1367401044_album_normal.jpg" width="243" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Girasoles", 1889</i><br />
<div style="font-size: 12.8px;">
Museo Van Gogh, Amsterdam.</div>
<div style="font-size: 12.8px;">
Vincent Van Gogh. </div>
</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Todas estas obras son de sobra conocidas por todos, en cierta manera nos trasmiten lo idílico, lo que tiene de sugerente otros tiempos primigenios donde el tiempo se detiene y solo es necesario contemplar, eso es lo que quiso mostrar Van Gogh. Quizá esta es la clave de su triunfo entre el gran público, nadie tendría en su casa una reproducción de una obra de la cual se desprenden elementos negativos. Pero yo quiero acercaros otras, que quizá no han sido tan reproducidas y que a través de ellas y de lo dicho hasta ahora, nos sirvan para indagar más en la personalidad real del pintor. Me estoy refiriendo a sus calaveras y esqueletos. ¿Os podíais imaginar que además de las obras que todos conocemos tiene otras tan diferentes? Y no por favor, controlad vuestra imaginación, no hagáis asociación de ideas, no penséis en calaveras, muerte y su destino trágico ya que nada tiene que ver con eso. Quizá en un principio os cueste reconocerlas como obras suyas, esto es debido a la imagen que se ha proyectado de él. Van Gogh fue en gran parte autodidacta pero si que asistió a la Escuela de Bellas Artes de Amberes, allí estudiaban los esqueletos para conseguir reproducir de forma perfecta el estudio del natural. Acordaos de <i>"La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp"</i>(1632) del inigualable Rembrandt. Pues bien, este es el origen de sus risueñas calaveras, que aportan el elemento más divertido de su obra. Como nos ha pasado a muchos en nuestra época de estudiantes, había ciertas materias que se hacían más difíciles de digerir, a Van Gogh también le sucedía eso y traducía el aburrimiento en creatividad y así y de forma irónica representaba a una calavera que portaba en su boca un cigarrillo, era la forma elegida de burlarse de estas prácticas académicas. La obra tiene todos los componentes de un cuadro Barroco, el cigarro también. Por supuesto del Barroco holandés, en España una imagen así era ¡imposible! Por un lado, entroncaría con lo que nosotros aquí llamamos las Vanitas y que genéricamente llamaríamos Memento Mori. Un bodegón que nos recuerda que el tiempo pasa, que la vida es fugaz y que lo material es solo eso, material y que recuerdes morir, o dicho de otra manera, <i>aprende a morir.</i> Esta sería la traducción más cercana a la frase Memento mori, que según los historiadores fue susurrada al oído por un sirviente a un general victorioso en su entrada triunfal en Roma. Y por otro lado, en el arte holandés fue bastante frecuente la representación de los vicios y de los pecados capitales, pero no dentro de lo que denominaríamos Vanitas, sino más bien y durante el Barroco, de la pintura de género, que se aprecia en obras como <i>"El rey bebe"</i> de Jacob Jordaens u otra con el mismo título realizada por David Teniers. En ambos lienzos se representa una tradición flamenca relacionada con la Epifanía, en la cual la persona que encontrase el haba en el pastel es nombrado rey por un día y al grito de "el rey bebe" comenzarían los festejos. A los españoles está tradición nos es familiar ya que celebramos lo mismo en la misma fecha. También fueron muy habituales los fumadores como el tronie de Joos Van Craesbeeck, del cuál ya hablamos en una entrada anterior o el de Adriaen Brouwer.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDR3ZQDqHWbroVGo1J9HZbp4aeeICRU-goYWU07UF7wGeOB44Ph52y5NRXZYi25IHNVVGzSnGbKpU6XZDIk3EjBbxYM91Sp_6GHjKoJcCWnYoD1fqHEglqWOVIBS0QYEjto8tQGh_Jgw/s1600/sNTAwIl19.GPOzxr5BujZagGPjojlnluzqHtcJXHqzPfBmoSuREu4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="663" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDR3ZQDqHWbroVGo1J9HZbp4aeeICRU-goYWU07UF7wGeOB44Ph52y5NRXZYi25IHNVVGzSnGbKpU6XZDIk3EjBbxYM91Sp_6GHjKoJcCWnYoD1fqHEglqWOVIBS0QYEjto8tQGh_Jgw/s320/sNTAwIl19.GPOzxr5BujZagGPjojlnluzqHtcJXHqzPfBmoSuREu4.jpg" width="241" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Cabeza de esqueleto con cigarro"</i>, 1886<br />
Museo Van Gogh, Amsterdam.<br />
Vincent Van Gogh. </td></tr>
</tbody></table>
En esta obra hace uso de una pincelada perfecta con la que va dando forma a los huesos y esto se aprecia mucho mejor en otra de sus obras que tiene por protagonista otra calavera. El lienzo titulado <i>"Skull"</i>, le podéis visitar en el Van Gogh Museum en Amsterdam. Lo más llamativo de esta obra es la forma en la que consigue el craquelado de la cabeza. La pinta sobre otra obra anterior la cual cubrió con una capa de zinc blanco que tiene como característica un lento secado que provocó las grietas. Como veis el cráneo está lleno de color, algo propio de sus obras y que en cierta manera es una antecedente, como decía antes del Expresionismo por lo que tiene de subjetivo.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQViwEFNyOW0-nXTGpPqfHib_lKICHDHdI-H09QpmHC_WLxie8apQTYioZl4TbRBdtU1mk5yuMqEnuF9VwUUIsVa4rPljMkhVmkvANMkjEZxgPjW8xGcLVc0AXY0rWWl6SgzrKHflC3Q/s1600/180803-van_gogh_3_MOB.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="280" data-original-width="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQViwEFNyOW0-nXTGpPqfHib_lKICHDHdI-H09QpmHC_WLxie8apQTYioZl4TbRBdtU1mk5yuMqEnuF9VwUUIsVa4rPljMkhVmkvANMkjEZxgPjW8xGcLVc0AXY0rWWl6SgzrKHflC3Q/s1600/180803-van_gogh_3_MOB.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Skull", 1887</i><br />
Museo Van Gogh, Amsterdam.<br />
Vincent Van Gogh.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Van Gogh no fue el único que pintó este tipo de temática entre los pintores post impresionistas, también Paul Cézanne lo hizo, y no una vez sino varias. Sus cráneos nos recuerdan sus bodegones de frutas, utiliza una gama cromática muy suave propia de su obra y la composición piramidal para mostrarnos, de nuevo, la fugacidad de la vida.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj4cAw-CJ-WslllQQTa6FmYVxLIrcw8wrtFd7bBBhdjmDkdP4WzKzAdiYhSCBeyZIACPonWbZx3wvi_z_adBrXt_cgYP8QQW3LG2Jc08rpvF5-1CNsnogotbbviI1Y7JcdEjLuBTi1kA/s1600/default.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="645" data-original-width="846" height="243" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj4cAw-CJ-WslllQQTa6FmYVxLIrcw8wrtFd7bBBhdjmDkdP4WzKzAdiYhSCBeyZIACPonWbZx3wvi_z_adBrXt_cgYP8QQW3LG2Jc08rpvF5-1CNsnogotbbviI1Y7JcdEjLuBTi1kA/s320/default.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Tres calaveras", 1905</i><br />
Intituto de Arte de Chicago<br />
Paul Cézanne.</td></tr>
</tbody></table>
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Como veis Van Gogh fue mucho más que un pintor de trigales y mucho más que un hombre de fuerte y atormentado carácter. Sus disputas con Paul Gauguin fueron habituales, a pesar de que fue este a través de la intermediación de su hermano Theo, marchante de Gauguin, quién le invitaría a formar parte de una cooperativa de artistas idea de Camile Pissarro. Arlés fue el punto de encuentro y allí los más creativos pintores de este momento postimpresionistas dieron a luz a algunas de sus mejores obras. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgacQWadmfTS08Qjv_1rpRrvRh1AFBtLh2P9u-VwNNEow63NxtcyHmhTZBdKKERhGoMD96sl8eaU7e7OJsBxJCpn8W0uTMqIThbEY12q1W_JF86w64HA_XOBPyS1lRBxjOoUXhKY7AYbA/s1600/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvdGVycmF6YS1jYWZlLXZhbi1nb2doLmpwZyIsInJlc2l6ZSwxNTAwIl19.XTGn6z60hj1WLDaMuuI1e1ixOKNbm3A-5DGdhBI5Xuo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1276" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgacQWadmfTS08Qjv_1rpRrvRh1AFBtLh2P9u-VwNNEow63NxtcyHmhTZBdKKERhGoMD96sl8eaU7e7OJsBxJCpn8W0uTMqIThbEY12q1W_JF86w64HA_XOBPyS1lRBxjOoUXhKY7AYbA/s320/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvdGVycmF6YS1jYWZlLXZhbi1nb2doLmpwZyIsInJlc2l6ZSwxNTAwIl19.XTGn6z60hj1WLDaMuuI1e1ixOKNbm3A-5DGdhBI5Xuo.jpg" width="255" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Terraza de café por la noche", 1888</i><br />
Museo Kröller-Müller, Otterlo (Países Bajos)<br />
Vincent Van Gogh.</td></tr>
</tbody></table>
Para terminar, he titulado la entrada como esa famosa película, que os recomiendo y que recoge de una manera muy acertada su vida, pero en mi caso, la palabra loco no alude a las dolencias mentales de Van Gogh, sino a sus colores a la explosión de las tonalidades. Este "loco" del pelo rojo estaba loco pero por vivir. </div>
</div>
Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-56062748247688332152018-10-05T17:59:00.003+02:002019-01-22T11:11:41.562+01:00La atracción de la ciudad moderna en la obra de Gustave Caillebotte.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz6ElbtLjvQlyBMKgAy2IQHPmZ2Wru2L6TyomvQabktcz0NX1fVUlCo6bDMwRA-UZvmbHUttxAaVSNG_qdON4PX35Yz8ShUINwbGNzScQqFmPuvxSI6-gOrVSxxWYedY119CIsnhBi8Q/s1600/12-15_w-Caillebotte_5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="571" data-original-width="700" height="326" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz6ElbtLjvQlyBMKgAy2IQHPmZ2Wru2L6TyomvQabktcz0NX1fVUlCo6bDMwRA-UZvmbHUttxAaVSNG_qdON4PX35Yz8ShUINwbGNzScQqFmPuvxSI6-gOrVSxxWYedY119CIsnhBi8Q/s400/12-15_w-Caillebotte_5.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"La Rúe Halévy, vista desde la sexta planta", 1878.<br />
Gustave Caillebotte.<br />
Colección Privada, Dallas.</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
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Las ciudades tiene un halo mágico que ha intentado ser captado por muchos artistas. Quizá una de las vistas de ciudades más famosa es la de Toledo, pintada por el Greco. Las panorámicas de las ciudades será un tema que se vaya afianzando a lo largo del tiempo, y así, durante el S.XVIII en Italia, se desarrolla un nuevo género, el de la "veduta". Entre sus practicantes encontramos a Canaletto y a Francesco Guardi que fijarán sus ojos en la ciudad de los canales, Venecia. La Plaza de San Marcos, los canales o el Palacio Ducal serán los protagonistas de estas obras que se convierten en antecedentes de las postales para viajeros. En el S.XIX, el Romanticismo no solo se fijará en ruinas y paisajes, como era propio, sino también se inspirará en las urbes. Y así, Jenaro Pérez Villaamil, deja a la posteridad, la <i>"Vista de la ciudad de Fraga y su puente colgante"</i>. Y avanzando hasta nuestra época contemporánea, nuestro genial Antonio López, hará lo propio con una de las grandes avenidas madrileñas, La Gran Vía. Ahora ya no se busca dar una visión completa, interesa más el detalle, la atmósfera, los edificios más representativos, el bullicio o la soledad de un punto concreto, tal y como vemos también en la obra de Amalia Avia (1930-2011). Esta pintora, integrante del grupo de los llamados "Realistas madrileños", se especializó en una pintura urbana y nostálgica de aquellos rincones del Madrid más castizo que estaban a punto de desaparecer por la llegada de una nueva modernidad. Fachadas, puertas de tradicionales comercios o las calles por las que trascurría la vida fueron el objetivo de sus pinceles. Pero antes de esto ya hubo otros pintores que trataron de dejarnos un documento de los tiempos modernos en forma de lienzos. Si Amalia Avia captó el instante último, de algunas de esos escaparates, los artistas de fines del S.XIX captaron el instante inicial del nacimiento de una ciudad moderna. Si ella, desde mediados del S.XX, se paró en primeros planos buscando captar en su obra el momento íntimo, ellos lo habían hecho utilizando grandes angulares mostrando así, una perspectiva amplia de las grandes calles que estaban surgiendo. La Revolución Industrial surgida en la segunda mitad del S.XVIII en Gran Bretaña, fue la artífice de todos estos cambios, que se dejaron sentir, primero, en las grandes ciudades.</div>
<div style="text-align: justify;">
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<br /></div>
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<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxr4wnDJ5aBRovM2Lh5e7vhgHMRynq8_cM15r3ZHxGKsGMafY_wKmuT9QxqVXWcDtJmMnmnJUSnovLE5246TKOjZ6pTqm5x-nGdKOBur0hRIPVeSPYde3KTLFDBW2ktAmsIsw8PUHQIQ/s1600/f4998d2be6321bd8dd8d99aa65e30f0a_orig.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="922" data-original-width="1600" height="230" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxr4wnDJ5aBRovM2Lh5e7vhgHMRynq8_cM15r3ZHxGKsGMafY_wKmuT9QxqVXWcDtJmMnmnJUSnovLE5246TKOjZ6pTqm5x-nGdKOBur0hRIPVeSPYde3KTLFDBW2ktAmsIsw8PUHQIQ/s400/f4998d2be6321bd8dd8d99aa65e30f0a_orig.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Calle de San Mateo", 1974<br />
Amalia Avia.</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5A30dYEfbqmA9uYozVWYfwhS2zF809qY2uRvIzk9a_cQphnxaiYZ0cWpy_DYFdaoCIa8djC9RAcLoxKgN6jXkaqAUi2fl1iFY2k9-4bvP5Nnqkz2ytXqmNYbgsdOpCsLmXoUJU_Q4EA/s1600/1301506200_0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="313" data-original-width="470" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5A30dYEfbqmA9uYozVWYfwhS2zF809qY2uRvIzk9a_cQphnxaiYZ0cWpy_DYFdaoCIa8djC9RAcLoxKgN6jXkaqAUi2fl1iFY2k9-4bvP5Nnqkz2ytXqmNYbgsdOpCsLmXoUJU_Q4EA/s320/1301506200_0.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Ministerio de Fomento", 1988.<br />
Amalia Avia.</td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La Revolución Industrial favoreció la entrada de nuevos materiales como el hierro fundido, con el que se realizaron obras de ingeniería civil, como los puentes y permitieron estructuras arquitectónicas más resistentes e ignífugas que se cubrían con grandes acristalamientos.<br />
<br />
No solo los ingenieros y los arquitectos se dejaron seducir por los nuevos materiales con los que conseguían estructuras ligeras y novedosas que llenaban de luz los interiores, como vemos en la obra de Antoni Gaudí. El resto de disciplinas no fueron ajenas a estas novedades. La escultura utilizó el nuevo material y las técnicas industriales, a las que dotó de un cariz estético y artístico, tal y como hizo Julio González después de su paso por la fábrica de automóviles francesa, Renault. Los lienzos encontraron nuevos temas con los que entrar en la modernidad, el ferrocarril o los barcos de vapor como veíamos en William Turner, se convirtieron en protagonistas. La máquina ejerció tal poder de seducción, que el Futurismo, lo tomó como eje de su obra. El paisaje urbano cambiaba a las órdenes de nuevas necesidades que propiciaron reformas en las que se buscaban la apertura de grandes bulevares. Ejemplos de estas reformas fueron París y Barcelona. La modernización de las ciudades también llevó aparejado grandes pérdidas patrimoniales, y como consecuencia de ello, se comenzó a valorar el objeto como bien cultural, aunque en un principio solo se aplicaba a los monumentos. Nacieron ciudades de trazados regulares y racionales, de avenidas amplias que se llenaron de edificios modernos en los que se aplicaba todas las novedades nacidas de la Revolución Industrial. Y así, el arte, en cualquiera de sus disciplinas, se hizo eco de la modernidad dejándonos un documento fidedigno del nuevo cambio social.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVWHwdCSZ3m9A_9jRqu00BjKEYDaaaQQcfrEmLYUDLmTQlMmaCIVBKgh845ekSffrad4hxCw3NbqShS-sw_XgB2N-25YbwMPmM9ByUM7nqVALhLw8-LP0W5puFxde3BuR3hLU7M3Uo8w/s1600/default.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="199" data-original-width="256" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVWHwdCSZ3m9A_9jRqu00BjKEYDaaaQQcfrEmLYUDLmTQlMmaCIVBKgh845ekSffrad4hxCw3NbqShS-sw_XgB2N-25YbwMPmM9ByUM7nqVALhLw8-LP0W5puFxde3BuR3hLU7M3Uo8w/s1600/default.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Calle de París en un día de lluvia", 1877<br />
Gustave Caillebotte.<br />
Instituto de Arte de Chicago.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Y el pintor que mejor ha reflejado esos cambios ha sido Gustave Caillebotte (1848-1894). En su obra conjuga realismo, modernidad y cotidianidad. Y así, comenzamos a ver parejas que pasean por las amplias calles de París, diseñadas por el Barón Georges-Eugéne Hausmann, bajo el mandato de Napoleón III. Parejas que como despistadas, se cobijan bajo un mismo paraguas, y que tras su paso, dejan una farola de gas realizada en hierro. La atmósfera nos trasmite un día desapacible, el monocromatismo característico de Cailebotte incide en ello. Pero los sentimientos que emanan de la pareja que pasea por una <i>"Calle de París en un día de lluvia" </i>tampoco nos deja indiferente. Su frialdad, al igual que la del resto de los transeúntes, se hace patente. La ciudad se moderniza al ritmo de los cambios, en muchas ocasiones se vuelven grises, y las personas parece que igualmente inician ese cambio. Me gustaría que os fijarais en la obra de Amalia Avia, <i>"Ministerio de fomento"</i>, la cual también tiene como protagonista a una pareja bajo la lluvia. Ahí lo dejo.<br />
<br />
La Revolución Industrial, no solo aportó nuevos materiales y formas de fabricación, también una nueva clase social, el proletariado urbano, al cual Caillebotte también prestaría atención convirtiéndoles en protagonista de varias de sus obras, como en <i>"Los acuchilladores de parqué".</i><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi58qAK-eorvYLf-dtVH_Pj_UK9Vo9AbQnjmle6qhI4Rdk0ivKOop0GKqMHOs_RQUVaaj_I9VsIkibR8XQRIOsPLu-A9fYOnAMoOish1yYuAOGCkmPgIl8sOklHVXbcZdCXMN5c5Lgh7g/s1600/220px-Caillebotteraboteurs.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="153" data-original-width="220" height="222" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi58qAK-eorvYLf-dtVH_Pj_UK9Vo9AbQnjmle6qhI4Rdk0ivKOop0GKqMHOs_RQUVaaj_I9VsIkibR8XQRIOsPLu-A9fYOnAMoOish1yYuAOGCkmPgIl8sOklHVXbcZdCXMN5c5Lgh7g/s320/220px-Caillebotteraboteurs.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Los acuchilladores de parqué", 1875<br />
Gustave Caillebotte.<br />
Museo D´Orsay (París)</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Hasta ahora, esta nueva jerarquía, no había tenido presencia en las obras de arte, esta presencia estaba ocupada por los jornaleros del campo que veíamos en la obra de Millet. O por la burguesía, que pulcramente vestidos se asomaban a balcones o disfrutaban de su ocio escuchando música en las Tullerías.<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpYaRe9dlRrmi7YhYQZOHCOhOqYw-DwgWpSdrkn0SGd_B4i2KFAGj6rRKV85Dkc53tP3-HssadGkcqdO9tyamT6lxW2cUhNfif5lU6pYO9SP50PZ4OmIjYA4CBPaGHMdplVoR6GG90-g/s1600/_fronts_N-3260-00-000036-WZ-PYR.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="415" data-original-width="653" height="203" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpYaRe9dlRrmi7YhYQZOHCOhOqYw-DwgWpSdrkn0SGd_B4i2KFAGj6rRKV85Dkc53tP3-HssadGkcqdO9tyamT6lxW2cUhNfif5lU6pYO9SP50PZ4OmIjYA4CBPaGHMdplVoR6GG90-g/s320/_fronts_N-3260-00-000036-WZ-PYR.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Música en las Tullerías", 1862<br />
Edouard Manet<br />
The National Gallerie (London)</td></tr>
</tbody></table>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Gustave Caillebotte además de artista, fue amigo y mecenas de los Impresionistas. Pintaba por puro deleite y placer ya que no necesito vender ninguno de los cuadros que pintó. Será tras su muerte, cuando sus familiares vendan y donen algunas de sus obras. Gracias a ello podemos disfrutarlos en diferentes Museos. Enmarcado dentro del Impresionismo, su obra va más allá, ya que ni temática ni técnicamente se muestra demasiado deudor de sus colegas. Si que es verdad, que en algunas de sus imágenes podemos observar la pincelada que les caracterizó, ágil y pequeña. Como detalle, los Impresionistas jamás utilizaron el negro. Parece que la no presencia de este color en sus pinturas !se debió a un olvido! Según cuenta el anecdotario, Renoir dijo que tras el olvido de uno de ellos al ir a comprar los pigmentos, dejaron de usarlo. Si os </span>dais<span style="font-family: inherit;"> cuentas Caillebotte si que le utiliza, tanto en los trajes de las personas como en la reforma de resolver las sombras. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;">Sus pinturas se </span>caracterizan<span style="font-family: inherit;"> por utilizar planos horizontales que buscan la amplitud. Un primer plano que normalmente estará ocupado por algún personaje; un segundo plano que puede aparecer vacío o bien salpicado de transeúntes, que con la cabeza hacia abajo buscan pasar desapercibidos; y un tercer plano que aporta la distancia y es en el que sitúa el punto de fuga, al que van a converger todas las largas líneas que dan profundidad a la obra. Una profundidad que pone de relieve las dimensiones del París de la Belle Epoqué. Y así podemos meternos en los lienzos y pasear por las amplias avenidas de la Rue Miromesnil, donde Caillebotte y su familia vivían y que habían heredado de su padre. Este había invertido parte de sus ganancias en adquirir inmuebles, uno de ellos fue un palacio de tres pisos en la Rue Miromesnil. Un palacio aislado pero que con el paso del tiempo y las reformas urbanas se convirtió en parte importante del trazado parisino y de la obra del pintor francés. En una de sus ventanas vemos como se asoma su hermano, René, a contemplar la ciudad. Y a la vez nosotros la contemplamos con él, ya que él está colocado en una lateral dejando a su izquierda un espacio por el que se cuela la luz y la vista de la calle. Un espacio que parece estar esperándonos. Frente a la luz que viene del exterior, creada mediante colores claros, que buscan la sensación no solo de luz sino también de amplitud, el interior se presenta más íntimo y cerrado por la utilización de colores oscuros y cálidos. Y así se produce un fuerte contraste entre una zona muy iluminada y otra mucho más oscura. Destaca el estudio de las calidades, que se aprecia en la butaca y en la alfombra, y el fuerte realismo, el reflejo de René en la ventana es impresionante. En cambio frente a estos detalles, el exterior se nos antoja más desdibujado, menos conciso, aquí si utiliza la técnica Impresionista de pequeñas pinceladas. ¿A quién os recuerda este hombre de traje oscuro que nos da la espalda asomado a una ventana? Exacto, quizá a <i>"Caminante sobre un mar de nubes"</i> de Friedrich, ¿verdad? Existen varias diferencias, la más importante es que el caminante de Friedrich contempla la naturaleza, como era propio del Romanticismo y de la obra del pintor alemán. Podemos encontrar muchos otros parecidos, ya que si la naturaleza primero y la ciudad después, se convierten en parte fundamental de las obras, las ventanas tienen su gran espacio. Son elementos que ayudan a crear profundidad, ayudan a dar luz al lienzo y nos muestran lo que hay al otro lado. Lo que René o Ana María, la hermana de Salvador Dalí, están contemplando ensimismados. Lo único que cambia en todos ellos es la vista que contemplan, las cuales, son propias, del momento artístico e histórico, de la relación que tienen con el pintor, y de la temática predominante. </span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj3zNrrc60_w2kHttsHJFtrkL-8pu1dGV7nBfmqi9w2SpbPatt-tn8Kg5H_geEBcDHaDs5E_zpRfiy0lnAlkg1Rel74ZyMS5Uvi45cNfZs8Hsy7vnWPUI0zMYFVSnaKqAYgiiDsYRAqw/s1600/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvZGY3NmI2ZWU2YTAwNTlkOWIzZGIwNGNjMzllNTU2ODEuanBnIiwicmVzaXplLDE1MDAiXX0.mIUYOLJvdXVXSW7VVMwWsshhRZec9bFfHaUqFOPbbWI.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1129" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj3zNrrc60_w2kHttsHJFtrkL-8pu1dGV7nBfmqi9w2SpbPatt-tn8Kg5H_geEBcDHaDs5E_zpRfiy0lnAlkg1Rel74ZyMS5Uvi45cNfZs8Hsy7vnWPUI0zMYFVSnaKqAYgiiDsYRAqw/s400/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvZGY3NmI2ZWU2YTAwNTlkOWIzZGIwNGNjMzllNTU2ODEuanBnIiwicmVzaXplLDE1MDAiXX0.mIUYOLJvdXVXSW7VVMwWsshhRZec9bFfHaUqFOPbbWI.jpg" width="281" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Joven en la ventana", 1875.<br />
(Jeune Homme à sa fenêtre).<br />
Gustave Caillebotte.</td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div style="text-align: justify;">
La obra <i>"Joven en la ventana"</i> (1875), fue una obra de juventud de Caillebotte y presentada en la exposición de los Impresionistas de 1876 tras ser rechazada en el Salón de Otoño del año anterior. Podíamos considerar que esta obra se convierte en modelo para el pintor, ya que muy pocos años después asomará a otro hombre a un balcón con vistas al famoso Boulevard Haussmann. En esta ocasión nos muestra más la parte alta de la calle, el hombre aparece mucho más elegantemente vestido, pero ocupa el mismo espacio a nuestra derecha que en la obra anterior. En ambos casos, utiliza la disposición de los hombres para dirigir nuestra mirada hacia donde ellos lo hacen. La gran diferencia tiene que ver con el contraste lumínico, que aquí es mucho menor, la importancia se la da más al exterior, que al interior como en el caso anterior, en el que nuestros ojos se posaban en el rojo potente de la butaca. En esta obra, en cambio, no hay opción ya que no muestra el interior de la vivienda.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZBTtjwf8GWA7vvCoKAuTUDYCOZ4xeswYerysJAv0uenClYTiSN2QwtifIjzfr3Mi7EDS0vy06zkyS3RbGl5RHf8TYUtuSjN1dQHUpcW0yTghqWukI49WXvLtxvPJmqzDhRfd6rZ69Cw/s1600/manbalconybdhaussmanncb.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1147" data-original-width="874" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZBTtjwf8GWA7vvCoKAuTUDYCOZ4xeswYerysJAv0uenClYTiSN2QwtifIjzfr3Mi7EDS0vy06zkyS3RbGl5RHf8TYUtuSjN1dQHUpcW0yTghqWukI49WXvLtxvPJmqzDhRfd6rZ69Cw/s320/manbalconybdhaussmanncb.jpg" width="243" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Hombre en un balcón, Boulevard Haussmann", 1880<br />
Gustave Caillebotte.</td></tr>
</tbody></table>
Otro recurso que utilizará, para mostrarnos los cambios traídos por la modernidad, será el Puente de Europa que domina la Estación de San Lázaro, la cuál en esos mismo años, nos mostrará Monet en diferentes variantes, algunas de las cuales fueron compradas por Caillebotte. En estas obras, que tienen como protagonista este puente, parece que los colores de la atmósfera buscan mimetizarse con él. Utiliza colores fríos y una paleta monocromática que no solo refleja un ambiente, que al contemplarlo nos produce frío, climático y emocional. Y ese frío emocional se traspasa a los hombres que pueblan las obras y que todos ellos visten igual. Levan trajes oscuros, se muestran rígidos, impertérritos, no hay contacto entre ellos. Así se busca comparar los trabajos de ingeniería austeros y duros con la sociedad, que parece empezar a vivir de espalda a sus iguales. Caillebotte nos adelanta el futuro.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6-_XhCBeyy1CJmUKq5VY4JzySBLOF5Yo7jfxqGrNEi6qMtlqvAqUq78uc93WYUSbjEop8_mxKt_Gt7qu7Pj2PMCO2A-kHxcR9LQ-wV5vmpSlAzBAhyphenhyphenCjnPQrm0egSO5oiWzYNS3yJZw/s1600/AP1982_01_MAIN1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="476" data-original-width="600" height="253" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6-_XhCBeyy1CJmUKq5VY4JzySBLOF5Yo7jfxqGrNEi6qMtlqvAqUq78uc93WYUSbjEop8_mxKt_Gt7qu7Pj2PMCO2A-kHxcR9LQ-wV5vmpSlAzBAhyphenhyphenCjnPQrm0egSO5oiWzYNS3yJZw/s320/AP1982_01_MAIN1.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"En el Puente de Europa", 1876-7<br />
<span style="font-size: 12.8px;">Gustave Caillebotte.</span><br />
<span style="font-size: 12.8px;">Kimbell Art Museum (Texas)</span></td></tr>
</tbody></table>
<br />
Caillebotte pintó más lienzos mostrándonos, con peculiares perspectivas e incluso varios puntos de fuga, la ciudad del Sena. Pero yo he decidido mostraros solamente estas. Os invito, como siempre, a que busquéis más obras de este pintor. Y también, como siempre, podéis contarme a qué obras os recuerda <i>"Joven en la ventana". </i></div>
<br /></div>
Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-73707636738364978882018-09-19T19:09:00.000+02:002018-11-26T22:23:20.761+01:00El 30 de la Strandgade en Copenhague.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqIlXekfO61WEAtt3oYBJ8sWUr7_TyFQLMElYwcPtq-QZe_swoQJAp6jw8pzwG_AFVP9fTpB5T7tCJkiiZzutxpyKLGPZkEpQWRw3fjOYOj5nMiEvmrNx64CWrXdk1XgEnU0avm8UlNQ/s640/blogger-image-687384398.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqIlXekfO61WEAtt3oYBJ8sWUr7_TyFQLMElYwcPtq-QZe_swoQJAp6jw8pzwG_AFVP9fTpB5T7tCJkiiZzutxpyKLGPZkEpQWRw3fjOYOj5nMiEvmrNx64CWrXdk1XgEnU0avm8UlNQ/s640/blogger-image-687384398.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Sunbeams"<br />
("Dunst Mote Dancing in the Sunbeams")<br />
Ordrupgaard (Copenhague, Dinamarca)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br />
¿Qué es el arte? ¿Os habéis planteado alguna vez esta pregunta? Es el primer interrogante, al que todos los que hemos estudiado Historia del Arte, nos enfrentamos en nuestro primer día de clase. Una duda que esperas se disipe según se avanza en la materia, y según van pasando los años. Pero las materias van avanzando, el tiempo pasa y sigue estando presente la duda. Finalmente, te gradúas sin tener muy claro que respuesta dar. Podemos definir qué es la Historia del Arte, pero no lo que es el objeto de su estudio, al menos desde una perspectiva clara y objetiva, ya que se conjugan muchos elementos. Cuando hablamos de arte, normalmente nos referimos a sus disciplinas, y desde ahí intentamos definirlo, también lo hacemos por el impacto que causa sobre nosotros una determinada obra o un estilo, con lo cuál aportaríamos un elemento subjetivo. Y es eso, lo subjetivo, su mayor característica. Los que me seguís sabéis que yo siempre aludo a que es un sentimiento, al menos es lo que a mí me provoca, pero también es un comportamiento, el de rebeldía. Los diferentes movimientos y estilos nacen rebelándose contra el anterior, contra las normas que establecía la clientela y posteriormente las Academias. <span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Cuando La</span><i style="font-family: 'Helvetica Neue Light', HelveticaNeue-Light, helvetica, arial, sans-serif;"> Société des Artistes Indépendants, </i><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">abrió sus puertas en París en 1884, lo hizo para desmarcarse de las tendencias aceptadas en los Salones Oficiales y aplaudidas por la Academia de Bellas Artes. Y su estilo, la técnica de las obras que se presentaban en él, no solo impactó sino que marcó el rumbo del mercado del arte. Su lema, "Sin jurado ni premios", resumía sus objetivos. Pero no solo París vio nacer estos salones llenos de artistas rebeldes, también otros lugares, como Copenhague, tuvieron su propio Salón, en este caso llamado </span><i style="font-family: 'Helvetica Neue Light', HelveticaNeue-Light, helvetica, arial, sans-serif;">Den Frie Udstilling</i><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"> (The free exhibitions), creado pocos años después, en 1891. Sus ideales eran los mismos que los del Salón parisino, buscaban la independencia del arte, rompiendo con los ideales estéticos clasicistas que la Real Academia de Bellas Artes de Copenhague imponía, pero el gusto no solo lo imponía la Academia, también el jurado, por ello actuaban al margen de todos ellos. Entre sus fundadores se encontraba el danés Vilhelm Hammershoi (1864-1916). Contrariamente a lo que les pasaba a otros artistas, su obra no era rechazada en los Salones, lejos de eso, era galardonada en diferentes Exposiciones tanto Universales, como la de París en 1889 o Internacionales como la que se celebró en Roma en 1911. Y admirada por sus contemporáneos como el poeta Rilke. En ella confluye su personal estilo independiente y las características impuestas por lo que han denominado la Edad de Oro danesa. En la actualidad su obra</span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"> está siendo revisada y puesta en valor en relación, no solo con el arte danés, sino con el </span>de su época y sobre todo con la importancia que concede a la iluminación. Es poco lo que se sabe de él, ya que Vilhelm, apenas habló sobre sus fuentes de inspiración. Se le pone en relación con Johannes Vermeer, por los interiores domésticos, congelados en el tiempo y con Pieter de Hooch. Por los espacios y por la luz se le ha relacionado con James McNeil Whistler con el que trataba de ponerse en contacto. Podemos hablar de otras muchas supuestas influencias o evocaciones de otros artistas, pero hoy no me interesa ese punto, hoy quiero hablar solo de él, de lo que me trasmite su obra. Una obra que parece influir en la de Edward Hooper.<br />
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVl4r3M3L6pmeHfjU7pdWuEA9ceJwFSSfFy44sLydziLg8avpAXohvwUpaSQAuTTBScMFTpf3BifYYKEffrt57aQv2RqbfdKtgh3vilVieH2fAfummErlm0_XN5NgyAoE_NZj9mXBwtg/s1600/Hammershoi-Interior_Artists_Easel-460a.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="460" data-original-width="378" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVl4r3M3L6pmeHfjU7pdWuEA9ceJwFSSfFy44sLydziLg8avpAXohvwUpaSQAuTTBScMFTpf3BifYYKEffrt57aQv2RqbfdKtgh3vilVieH2fAfummErlm0_XN5NgyAoE_NZj9mXBwtg/s320/Hammershoi-Interior_Artists_Easel-460a.jpg" width="262" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Interior with the Artist´s Easel" (1910)<br />
Staten Museums for Kuns (Copenhague)</td></tr>
</tbody></table>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Su obra se ha englobado dentro del Simbolismo que se desarrolló en Francia a finales del S.XIX. Un movimiento literario que tuvo su repercusión en el mundo de las artes plásticas. Y quizá, debido a ese hecho, los lienzos de Hammershoi emanan poesía, y como toda poesía, el elemento más importante es la subjetividad, la visión propia de los elementos, de la naturaleza o de un interior doméstico lleno de soledades y de ausencias. Y para ello se sirve de una paleta de tonalidades apagadas con las cuales crea una atmósfera íntima, pero poco acogedora, melancólica y evocadora de presencias que han estado y ya no están, pero que han quedado impregnadas en el silencio. Interiores muy enigmáticos que nos hacen pensar sobre su significado. El Simbolismo fue deudor de las teorías freudianas sobre lo onírico, quizá pueda tener cierta influencia, pero a mí ese punto, viendo sus interiores se me antoja difícil. Si que está más cerca de los pintores flamencos del S.XVII en la captación de los interiores domésticos, como apuntaba antes, pero le falta el colorido vibrante con el que ellos dotaban a sus pinturas. El pintor se sirvió de un escenario muy conocido, el de su propio apartamento ubicado en el número 30 de la Strandgade en Christianshavn, cerca de Copenhague. Al utilizar su vivienda, podemos pensar, que las obras rebosan sentimientos y cercanía, pero lo que vemos es todo lo contrario. Sus lienzos trasmiten frialdad, como si quisiera alejarse de todo aquello que podemos experimentar al observar algo tan íntimo como su hogar. Yo diría que es una frialdad objetiva calculada, meditada y simétrica formada por elementos geométricos y por un mobiliario perfectamente ordenado. Debido a ello, tenemos la sensación de un escenario creado y no de una vivienda habitada. <span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Utilizar siempre el mismo recurso impone límites, ya que la obra podría ser reiterativa, pero él, y si os fijáis en la obra os daréis cuenta, va cambiando parte del mobiliario, de los personajes y también la iluminación. En sus lienzos vemos repetirse dos escenarios contrapuestos y complementarios, uno sigue el eje vertical de la vivienda y el otro el horizontal de una sola estancia. </span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilm5bI356EP19gGoc6KWUy8J_VcYgAYWtOC8YuwNV701ghCjSgeqa6S9BFdIu3gmBqNMNSPJ-U-O_WrPF8BJpwpz8i7tx0jcnJf5PMuLrCjR23hwXNa1IDKKSaKBz_tKjevfPAfQvKkQ/s1600/1468679918-037-vilhelm-hammershoi-theredlist.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="348" data-original-width="350" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilm5bI356EP19gGoc6KWUy8J_VcYgAYWtOC8YuwNV701ghCjSgeqa6S9BFdIu3gmBqNMNSPJ-U-O_WrPF8BJpwpz8i7tx0jcnJf5PMuLrCjR23hwXNa1IDKKSaKBz_tKjevfPAfQvKkQ/s320/1468679918-037-vilhelm-hammershoi-theredlist.jpg" width="320" /></a></div>
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En los dos casos la importancia se centra en las puertas y en las ventanas, así como en la luz que entra a través de ellas. Las dota de vida y dan ritmo a una estancia apática, llena de soledades. En cambio a los personajes se la quita, les cosifica y aparecen como elementos secundarios de la escena. De nuevo el juego con dos elementos que se contraponen pero que se complementan. Si os fijáis en cualquiera de estas obras de apartamento ¿en qué os fijáis primero?¿Dónde se fija vuestra vista de inmediato? </div>
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<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Cuando se sirve del eje longitudinal que va atravesando estancias, las puertas, en algunos lienzos, aparecen abiertas mostrando así la amplitud de la vivienda, pero casi siempre las dejará entreabiertas, creando un camino en zig zag. Nuestra vista no logra alcanzar ver que hay al fondo, creando en nosotros una sensación de inquietud. No siempre nos deja inmiscuirnos en su casa como si fuésemos mirones, ya que en ocasiones nos cierra la puerta del fondo cortando así de repente la perspectiva. Privándonos de una visión completa. De nuevo, esa sensación de curiosidad, nos invade. </span></div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXk0p5DvtLgrafifrvX6HHFJRm_YO43QTBxd6puLTr0bZLkjUmREn9NbVMv55wSEAO9tYZoc5aLHt_zg2sk9xNXmFCJFm0JBmJOtmU3DuUWesl51a1U9chg6MNVunmB-NfOlwCHsflcQ/s1600/115202984.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="754" data-original-width="700" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXk0p5DvtLgrafifrvX6HHFJRm_YO43QTBxd6puLTr0bZLkjUmREn9NbVMv55wSEAO9tYZoc5aLHt_zg2sk9xNXmFCJFm0JBmJOtmU3DuUWesl51a1U9chg6MNVunmB-NfOlwCHsflcQ/s320/115202984.jpg" width="297" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Open doors"</td></tr>
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<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Para el otro escenario utiliza la horizontalidad de una amplia sala. El cierre de esta sala está formada por dos elementos, otra vez la dualidad, un amplio ventanal que a veces aparece adornado con unas ligeras cortinas, y una puerta más pequeña y retranqueada respecto a la ventana. Y aquí al modo impresionista, nos muestra como va variando la estancia en los diferentes momentos del día. Cuando la luz atraviesa el ventanal o cuando es la noche la que invade el espacio. Pero no solo la atmósfera es cambiante, también lo es el "atrezzo". Para el día una mesa ocupada por una mujer sentada en una silla que parece estar ocupada en algo que tiene entre las manos. Esta puede darnos la espalda o estar sentada de perfil con la cabeza girada hacia el ventanal. Para la noche, la misma mesa pero en esta ocasión utiliza unos candelabros como foco de una luz tenue. La nocturna estancia puede estar habitada por un hombre que ahora sí, está frente a nosotros, pero también ocupado en algo que no adivinamos a ver. Como en el caso de las puertas, la mesa adquiere protagonismo como objeto que trasmite la soledad. </span>El otro elemento a destacar es la luz, que va iluminando las estancias. Una luz que no viene directamente de ventanas, como en el caso de Vermeer, sino que el blanco de las puertas es el que aporta la luminosidad. En la obra <i>"Sunbeams" </i>se aprecia un perfecto estudio de la luz que entra por la ventana y se refleja en el suelo y en las paredes. Una luz tan potente que es la única protagonista de la estancia.</div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmP6fIa4J-Yhvg46HBG_dueMMxmZHfgYSF7Huq1nJkYIjThDmzKUCfX4oQiHXPbEVf6kdsGa5NqWbz0RfbaJ8C73ZGOaJtMM4Q19FgO6nhDRoyGTdSMpnWw14RTRX1cgIZTszKMzDLAw/s1600/Woman+in+an+interior.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1478" data-original-width="1600" height="295" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmP6fIa4J-Yhvg46HBG_dueMMxmZHfgYSF7Huq1nJkYIjThDmzKUCfX4oQiHXPbEVf6kdsGa5NqWbz0RfbaJ8C73ZGOaJtMM4Q19FgO6nhDRoyGTdSMpnWw14RTRX1cgIZTszKMzDLAw/s320/Woman+in+an+interior.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Woman in an interior" (1909)</td></tr>
</tbody></table>
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZ_UHqUnkt6q4ueFea20QN8iQA3DkRgTIT4L3VhAOo4bOuYlnW7PY2y71OEsXAWfKXaByGbQNVywFTuhHVe4Zj7t9c3TYfyXKA6wh1FTrYY9Jfq6f9KRTfbPFBpak7M4IdKkhNYmrzgQ/s1600/vilhelm-hammersh%25C3%25B8i-interior-with-two-candles.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="470" data-original-width="367" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZ_UHqUnkt6q4ueFea20QN8iQA3DkRgTIT4L3VhAOo4bOuYlnW7PY2y71OEsXAWfKXaByGbQNVywFTuhHVe4Zj7t9c3TYfyXKA6wh1FTrYY9Jfq6f9KRTfbPFBpak7M4IdKkhNYmrzgQ/s400/vilhelm-hammersh%25C3%25B8i-interior-with-two-candles.jpg" width="311" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Interior with a candles" (1904)</td></tr>
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<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Los personajes de cualquiera de los escenarios, parecen no estar ociosos, por la disposición del cuerpo y de la cabeza ligeramente inclinada hacia abajo, parece que sostienen algo entre sus manos, algo que miran. En ocasiones parecen abstraídos en sus propios pensamientos, como si estuvieran esperando que sucediese algo. La mujer que aparece, es su esposa Ida, con la que vivió en este apartamento durante una década desde 1899. Y el hombre que aparece en una variante de <i>"Interior with a candles"</i> es su hermano Svend, que interpreta a un coleccionista de monedas. En el lienzo titulado <i>"The coin collector"</i> el joven está examinando unas monedas con la única luz de las dos velas. El conjunto de personajes y objetos componen particulares escenas de género donde la cotidianeidad de la vida se muestra a través de un juego de té o de una mesa con un mantel y dos platos. Curiosamente los manteles aparecen repetitivamente. </span><br />
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-xcz6ErhzFIOkVKpDt02pt66wIBWk-7ozUSG_NZ3TL1s1NYsb5VDnM9UVnyWEt0nkwjRTAE-aILLGSMA1ArdyFoRA4HOD658UlgjliQOl_6ZExFkJ1yFkBcFBz0uIyHBD_goLzMflQQ/s1600/6dfc615f74a77d09197b813248fd52a7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1265" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-xcz6ErhzFIOkVKpDt02pt66wIBWk-7ozUSG_NZ3TL1s1NYsb5VDnM9UVnyWEt0nkwjRTAE-aILLGSMA1ArdyFoRA4HOD658UlgjliQOl_6ZExFkJ1yFkBcFBz0uIyHBD_goLzMflQQ/s320/6dfc615f74a77d09197b813248fd52a7.jpg" width="253" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"The coin collector" (1904)<br />
The Nasjonalmuseet, Oslo.</td></tr>
</tbody></table>
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</div>
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No solo nos deja un documento del interior de su vivienda, también el patio de luces centrándose de nuevo en las ventanas y en la luz filtrada. Un patio interior que vuelve a crearnos las mismas sensaciones inquietantes, de abandono pero a la vez de presencias atestiguada por la ventana abierta, como si alguien se hubiese asomado. Una ventana que está mucho más iluminada que el resto captando así nuestra atención que vuelve a sobresaltarse. </div>
<div style="text-align: justify;">
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVJuGboY7WBouk8BncPo25R8gBThGpR2wWB193Yr2b_UZnesvoExmGrT-gtxjRuLXbf-P7Zko5jMJGAvn7U7DSCDhWvZeGZFBD4cBAXDmq7VbTHbYA3eo_tcNv7BeRXwenN6CofgKTwA/s1600/descarga.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="265" data-original-width="190" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVJuGboY7WBouk8BncPo25R8gBThGpR2wWB193Yr2b_UZnesvoExmGrT-gtxjRuLXbf-P7Zko5jMJGAvn7U7DSCDhWvZeGZFBD4cBAXDmq7VbTHbYA3eo_tcNv7BeRXwenN6CofgKTwA/s1600/descarga.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Interior of courtyard, Stradgade 30" (1899)<br />
Toledo Museum of Art <br />
(Ohio, Estados Unidos)</td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
Junto con estas obras tan características en su producción encontramos retratos y exteriores urbanos, en ellos los edificios vuelven a caracterizarse por los volúmenes geométricos, limpios, asépticos que en esta ocasión no nos aportan ninguna información relevante, quizá nos muestra la destreza de Vilhelm como dibujante. Y exteriores donde se muestra mucho más suelto abandonando esas líneas tan rígidas y académicas. Exteriores mucho más oníricos y fantasmagóricos que ahondan en la idea de la soledad inquietante. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibFO53FsXtQJHiFM15CqT91ysqALOVYYVeOXeS0pm6H9KGn3a4HrRsCPp-mycfELpLTu-HdLQuXBXKX_bndZ_6n4O3ns9RZXsErzC93TxXkMuRFvFU2JUumSpc9DTTxESAVslLSBzD6A/s1600/Hammershoi-Buildings_Asiatic_Company-460a.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="460" data-original-width="442" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibFO53FsXtQJHiFM15CqT91ysqALOVYYVeOXeS0pm6H9KGn3a4HrRsCPp-mycfELpLTu-HdLQuXBXKX_bndZ_6n4O3ns9RZXsErzC93TxXkMuRFvFU2JUumSpc9DTTxESAVslLSBzD6A/s320/Hammershoi-Buildings_Asiatic_Company-460a.jpg" width="307" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"The Buildings of the Asiatic Company" (1902)<br />
Staten Museums for Kuns (Copenhague)</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjZHur4eaa0eMjklcB1pD8oT1GL0QszZcKxz2lhah-q20dEqVjLuxYiD4lc-fG8rjodYVhmXkZNdcE08U_IExkskRyLrGG4XQl40nDsje5rFcdzmwUjbhF65w2u2WXJhKJoTU6UlbPdw/s1600/Tree+Trunks+%2528europeana%2529.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="505" data-original-width="768" height="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjZHur4eaa0eMjklcB1pD8oT1GL0QszZcKxz2lhah-q20dEqVjLuxYiD4lc-fG8rjodYVhmXkZNdcE08U_IExkskRyLrGG4XQl40nDsje5rFcdzmwUjbhF65w2u2WXJhKJoTU6UlbPdw/s320/Tree+Trunks+%2528europeana%2529.jpeg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Three Trunks"</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
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<div style="text-align: justify;">
A pesar de estar englobado en el Simbolismo, practica un arte muy especial, ya que los simbolistas buscaban un rico colorido, de atmósferas con tonalidades saturadas, líneas ondulantes, gráciles, livianas, de perspectivas distorsionadas, y mediante ello crear obras que buscaban la fantasía de lo irreal. Aquí vemos líneas muy rígidas que imponen seriedad, perspectivas perfectas o al menos casi perfectas, que construye con las verticales y una total ausencia de la inspiración en lo onírico o lo fantástico. Para los Simbolistas como Puvis de Chavannes, Odilon Redon o Gustave Moreau el color era lo primordial, al que dotaban de simbología, al igual que los personajes que ahora sí, protagonizan las escenas.</div>
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<div style="text-align: justify;">
Me parece un pintor muy interesante, muy personal, con elementos deudores de otros artistas pero quizá más por comparación que por realidad. Su obra aunque en ocasiones nos pueda parecer que se repite, pero merece una lectura y pararse en los detalles. Si tuviese que destacar alguna característica sería la importancia que da a la luz para crear con ella espacios impenetrables, y quizá ahí es donde se encuentre el simbolismo de toda su obra y el punto de unión con el movimiento al que le adscriben. Sus obras parecen estudios no solo de la luz, también del espacio pero no en cuanto parte de la vivienda sino como atmósfera creada. Vilhelm Hammershoi llegó a decir sobre las habitaciones vacías a las que habitualmente recurría, que en ellas la belleza se hacia más palpable precisamente cuando nadie las ocupaba.<br />
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<br /></div>
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Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-541950464481381542018-09-06T15:35:00.001+02:002018-09-06T20:45:33.954+02:00Los atormentados del arte.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiX7rZducXnL9kuqYJCD60lVTqdZPqDw1hgX4HCqDtZLS6jPSLQimHHbT4_9WCJDsCcuNTPZI0QiDpeUGUSIAVZqYlwLO-sZLSfqIQi0yUbfGiaTT6HWTIrzHJzI6Bv95Lgta6nHx0Q3w/s1600/gustave-courbet-le-desespere_57_540x335.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="335" data-original-width="540" height="198" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiX7rZducXnL9kuqYJCD60lVTqdZPqDw1hgX4HCqDtZLS6jPSLQimHHbT4_9WCJDsCcuNTPZI0QiDpeUGUSIAVZqYlwLO-sZLSfqIQi0yUbfGiaTT6HWTIrzHJzI6Bv95Lgta6nHx0Q3w/s320/gustave-courbet-le-desespere_57_540x335.jpeg" width="320"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"El desesperado" (1845)<br>
Gustave Courbet.</td></tr>
</tbody></table>
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<div style="text-align: justify;">
¿Os imagináis, de que podemos hablar hoy, con este título? Teniendo en cuenta, que a la mayoría de los artistas, se les presupone un alma torturada, podría ser perfectamente acerca de alguno de ellos. Como, por ejemplo, de Caravaggio, que murió solo y abandonado, preso de su propio tormento y de una enfermedad que le llevó al delirio, cuando el barco que debía llevarle a su amada Roma, para por fin, poder reconciliarse con ella y con el Papa, le dejó a su suerte en la playa de Porto Ercole. O del surrealista Óscar Domínguez, creador de la decalcomanía, que murió la noche de Nochevieja, desnucado contra la bañera, después de una tentativa de suicidio, algo que no era ajeno a la vida de este genial pintor canario, incluso había llegado a soñar con ello, quizá por eso, en uno de sus autorretratos, nos muestra una de sus muñecas seccionada por una cuchilla, mientras que con la otra mano, incita, con un gesto obsceno, a la muerte. Domínguez sufría de acromegalia, una deformación del cuerpo y del rostro que le llevo a odiar su imagen reflejada en espejo. La enfermedad, junto a la manía persecutoria que sentía, potenciada por el consumo de drogas y alcohol, así como un desprecio por la vida, le llevó a un triste final en la noche más alegre del año. O incluso de Gustave Courbet, cuya autorretrato, presentado bajo el título de "El desesperado", nos puede dar pistas del momento por el que el pintor francés atravesaba. Como veis, la Historia del Arte, nos ha legado a muchos artistas de alma "torturada", que la dejaban salir a través de una técnica enfurecida, como la de Jackson Pollock, o de los colores oscuros y temática de brujería como es el caso de las últimas obras de Goya. El color negro, también estuvo presente en los retratos cargados de emociones que Francis Bacon realizó, en los cuales, el uso de esta tonalidad, mostraba la angustia de la realidad. En cierta ocasión, el pintor británico, llegó a afirmar que los sentimientos de melancolía e insatisfacción, son más fructíferos para un artista, ya que llevan a una mayor sensibilidad.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgl2M1_oRT2OKmrJxwyHoTCW3ItEIzx5z-VCeozSkOzTVhXuiY1br6Dc_27Hfh4u3nhLh12ELFUi_1AVi5CT0PZK_TyKvNIHM96Vu3qtyMzFdIIKiXzXg8s7zFbE0SJhVF4TDUlvZS3lg/s1600/bacon-inocencio-x.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="688" data-original-width="520" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgl2M1_oRT2OKmrJxwyHoTCW3ItEIzx5z-VCeozSkOzTVhXuiY1br6Dc_27Hfh4u3nhLh12ELFUi_1AVi5CT0PZK_TyKvNIHM96Vu3qtyMzFdIIKiXzXg8s7zFbE0SJhVF4TDUlvZS3lg/s320/bacon-inocencio-x.jpg" width="241"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Estudio del Papa Inocencio X de Velázquez (1953)<br>Des Moines Art Center, Iowa (EEUU)<br>Francis Bacon. </td></tr>
</tbody></table>
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Esta dosis de melancolía, locura y descontento con el mundo, hizo que les tildaran con el calificativo de "artistas malditos". Todos ellos, huían de su propia realidad, origen de sus tormentos. Se revelaban contra la sociedad que les imponía unas normas morales, éticas y artísticas que contrarrestaban con una gran dosis de rebeldía. Así, si el Barroco buscaba la representación naturalista de los Santos y de las Vírgenes pero sin perder su halo de dignidad, Caravaggio decidió obviarlo y retar a la Iglesia y a la sociedad en general, buscó el naturalismo más descarnado utilizando a personajes de la calle, a prostitutas y a mendigos para encarnar esos papeles. El tenebrismo de sus obras, nos hablan de su lucha, de sus luces que son potenciadas por sus sombras. Y así, cuando nos presenta su particular "Cabeza de Medusa", ese grito que proviene del fondo de su garganta y que parece frenarse en la boca, ahogándole por salir, no sería propiciado por el dolor que la Gorgona Medusa sintió cuando Perseo la cortó la cabeza, sino el del propio pintor preso de sus angustias. Ya que algunos han querido ver en este rostro, al de nuestro pintor.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9NlsUwSPW9rkQ_Yhgq-_QCcDegBELxEp_FGYRzUjk1IhdKbBy_wKeJc1Jtp5NsnoJwB3WPX_BFiLKqSQqlv0Afzf0GU9JY-HqxLMrCvR6MO-R_hVVAkA-cTKThMqqVcxNWKZK4jcNug/s1600/MEDUSA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1571" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9NlsUwSPW9rkQ_Yhgq-_QCcDegBELxEp_FGYRzUjk1IhdKbBy_wKeJc1Jtp5NsnoJwB3WPX_BFiLKqSQqlv0Afzf0GU9JY-HqxLMrCvR6MO-R_hVVAkA-cTKThMqqVcxNWKZK4jcNug/s320/MEDUSA.jpg" width="314"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Cabeza de Medusa" (1597)<br>
Galería Uffizi , Florencia.<br>
Caravaggio (1571-1610)</td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Pero su supuesta locura, no fue únicamente producto de su descontento. Según los diferentes estudios, esta perturbación de su mente, también era debido a la utilización de pigmentos con plomo. A finales del S.XIX fue muy común el uso de un pigmento llamado blanco de plomo o blanco de España, que además de su secado rápido, proporcionaba un blanco cálido muy apreciado por los pintores. Fue el primer color enteramente sintético que llevó a la locura y a la muerte a diferentes pintores, entre los que podría encontrarse Goya, cuya sordera pudo derivar del uso reiterado de este pigmento, también pudo ser la causa de la muerte de Mariano Fortuny y la de Cándido Portinari, un pintor brasileño de la primera mitad del S.XX. Los síntomas de lo que se conoce como saturnismo son: dolores de cabeza, naúseas, sordera, mareos y alucinaciones.<br>
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El tema que he elegido en esta ocasión, no tiene tanto que ver con la biografía de estos y muchos otros artistas, más bien con sus obras o con las obras de otros, que no sufriendo de estos tormentos, también supieron captar la angustia en rostros que llaman nuestra atención.<br>
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Irremediablemente uno de las primeras obras que se asoman a nuestra mente no es otra que el famoso "Grito" de Eduard Munch (1863-1944). A la hora de elegirla, me planteaba ciertas dudas, debido a que es tan famosa que seguramente todos conozcamos su historia. Pero también, pensé, que ese mismo hecho es que el que en muchas ocasiones lleva, a que desconozcamos que subyace bajo una imagen tantas veces reproducida. En este caso es bastante expresiva en relación a su significado.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiQJhvy_ifEr7HAVNKqTbCgUwEofSbd9y6ceQgWKhbjF7xK_hPgZ-FHbUxywwrsOZaZ1QFc6XPNdux1wo6B6TPx1EPWG3-Rr-56iSG3PZsbs2qH8KFkGuxA_SQ1iOnnXs2D2crCJwslA/s1600/Skrikkkkk2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1551" data-original-width="1250" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiQJhvy_ifEr7HAVNKqTbCgUwEofSbd9y6ceQgWKhbjF7xK_hPgZ-FHbUxywwrsOZaZ1QFc6XPNdux1wo6B6TPx1EPWG3-Rr-56iSG3PZsbs2qH8KFkGuxA_SQ1iOnnXs2D2crCJwslA/s320/Skrikkkkk2.jpg" width="257"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"El grito" (1893).<br>
<span style="font-size: 12.8px;">Galería Nacional de Oslo, Noruega.</span><br>
<span style="font-size: 12.8px;">Eduard Munch. </span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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Este lienzo, realizado en 1893, intenta trasmitirnos la ansiedad, la angustia, la desesperación que vivía y sufría el artista noruego, debido a una vida llena de tragedias, su madre muere al igual que una de sus hermanas, cuando Munch era aún un joven, criándose junto a un padre imbuido por la religión. Sus crisis de bipolaridad y depresiones, empiezan a ser continuas y decide combatirlas con gustos insanos por el alcohol y las armas de fuego. Una tarde, Munch cuenta, que iba paseando por el campo y de repente el cielo empezó a adquirir los tonos cálidos propios de una puesta de sol, mezclados con las tonalidades azules propias de los Fiordos. Eduard, que iba acompañado de unos amigos, detuvo su andar se apoyó en una barandilla y en ese momento de cansancio también sintió la angustia que salía de su cuerpo en forma de grito que atravesaba la naturaleza. Así nace esta obra. Para dar el aspecto final del personaje que la protagoniza, se inspiró en una momia peruana que observó en París. Los rasgos poco definidos, le sirvieron para no personalizar en un hombre o en una mujer, y así, convirtió, esta obra característica del Expresionismo alemán, en un icono universal que habla sobre las crisis existencialistas, que en todas las épocas, acechan al ser humano. Munch decidió que su estado de ánimo quedase reflejado en los títulos de otras de sus obras como, "Desesperación", "Melancolía" o "Ansiedad". Si os acercáis al Museo Nacional de Oslo, podréis ver junto a "El grito", otras dos obras, "Ansiedad" y "Desesperación". Estados de alma que normalmente son indisociables.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxb-C6ca9wl8CzTirH8XZTY85hJPqd4a0e50UwJh-AcYXri__7t7EIjTvmbunnh1XsCYl96v6rGZSUvsfhkL6ECgEvzFSwKQBudugZLw9IfgmN64cEiPLfbLHvblh0H3uhmOIS81Jb1g/s1600/ansiedad.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="645" data-original-width="501" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxb-C6ca9wl8CzTirH8XZTY85hJPqd4a0e50UwJh-AcYXri__7t7EIjTvmbunnh1XsCYl96v6rGZSUvsfhkL6ECgEvzFSwKQBudugZLw9IfgmN64cEiPLfbLHvblh0H3uhmOIS81Jb1g/s320/ansiedad.jpg" width="248"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Ansiedad" (1894)<br>
Museo Nacional de Oslo, Noruega<br>
Eduard Munch.</td></tr>
</tbody></table>
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Si Munch, a través de un magistral grito, nos mostraba un estado del alma, Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) lo utilizará para trasmitirnos emociones como el enfado o la ira. Y así, en "Anima dannata" (1619) nos encontramos con un rostro terrorífico, que nos recuerda a la Medusa de Caravaggio, la boca abierta como señal de enfado, el pelo ensortijado y revuelto que evoca las serpientes que cubrían la cabeza de la Gorgona, y los ojos desorbitados. Bernini, al contrario que el resto, fue un artista cuya vida fue un completo éxito, admirado por todos, y sobre todo por el Papa, que era en el que todos los artistas buscaban el agrado, no sufrió ni el rechazo ni los altibajos que sufrieron otros artistas del Barroco. A pesar de ello, y contraviniendo lo dicho por Bacon, no hace falta sufrir de un estado melancólico para trasmitir una mayor sensibilidad o sentimientos más apasionados. Bernini, desde la calma que da el éxito, lo cual no implica siempre tener un alma tranquila, es capaz de mostrar y de trasmitirnos la tormenta de un ánima. Si nos parasemos frente a ella, probablemente sentiríamos el aliento que sale de su boca como un torbellino. Durante mucho tiempo se ha pensado, que representaba el martirio de un alma condenada al infierno, haciendo pareja con otro busto, en este caso delicado y grácil que haría referencia a los placeres del paraíso, y que estaría representado por una mujer. La disputa de siempre, los buenos y los malos. Los primeros aparecen representados como almas cándidas, y los segundos en arrebatadas pasiones. Estamos en plena Contrarreforma, y la Iglesia, como siempre, tiene que vender el camino recto que nos llevará a las bondades del paraíso. Y vosotros, sabiendo lo que sabemos ¿qué preferís? Siguiendo con el significado de esta obra, en la actualidad se cree que realmente el rostro no es el de un ánima pecadora condenada al infierno, sino más bien, el de un sátiro que persigue a una ninfa. Pasamos de un tema religioso a uno mitológico. Un tema, ampliamente tratado en la Italia del Barroco, pero que aquí en España, apenas se tocará, sino es por Velázquez y Ribera, debido a que la Iglesia, de nuevo la Iglesia, imponía el decoro y eso llevaba a olvidarse del desnudo. Sea sátiro o ánima me recuerdan los tronies característicos del Barroco de los Países Bajos.</div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuRwNvFl8ae1l9HL7NJ8hQLoNDMSz_2K2SVHA5z_W7aLOEr_x7eIepVWAaMlULFyMf4f_kQUBDsVqDjlTpyHxXtAemzd7pTenUk414Ka_Jpp4f8mMz7IZieNYSq5Tr1CScEF29ZLgJng/s1600/ea98728canima_dannata_754x808.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="808" data-original-width="754" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuRwNvFl8ae1l9HL7NJ8hQLoNDMSz_2K2SVHA5z_W7aLOEr_x7eIepVWAaMlULFyMf4f_kQUBDsVqDjlTpyHxXtAemzd7pTenUk414Ka_Jpp4f8mMz7IZieNYSq5Tr1CScEF29ZLgJng/s320/ea98728canima_dannata_754x808.png" width="298"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Anima dannata" (1619)<br>
Gian Lorenzo Bernini.</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Y para finalizar, abordamos el tormento en el arte, de la mano de Matt R. Martin, un pintor australiano contemporáneo. En los casos anteriores, la tortura o el calvario, le veíamos reflejado en los rostros. Martin nos muestra, como también, pueden aparecer en los cuerpos abandonados y laxos, que se retuercen, en las luces y en las sombras, en los elementos que acompañan una composición, en atmósferas desvaídas, en las manos que compungidas y tensas cubren los rostros o se entrelazan, la una a la otra, buscando una respuesta a la mortificación. Su obra esta llena de líneas curvas formadas por los cuerpos que se agachan, se doblan para ocultarnos todos ellos su rostro, que se conjugan con las líneas rectas proporcionadas por elementos estructurales de las habitaciones abandonadas y desolados en los que estos personajes habitan. La habitación representaría el alma, el pintor podría estar mostrando así, el interior donde se encuentran atrapados. Composiciones muy sencillas, con metáforas ya vistas en otros artistas. Sus composiciones me recuerdan las de Francesca Woodman, otra artista que sucumbió a sus dolencias anímicas, pero que por repetidas no dejan de ser muy efectivas y efectistas, aunque nos lleven a la reiteración de modelos. Cuando se sirve de exteriores, serán las tonalidades frías y oscuras las que le sirvan para crear la metáfora. El color se convierte en elemento fundamental, ya que la utilización de tonalidades ocres, las más apagadas y tristes del espectro, profundizan en el sentimiento a tratar. Quizá lo más llamativo de su obra, es que son tan realistas, que parecen fotografías.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5F4z6AyhapRps4eZuHBDj0J1kdi7KY7Jwcpd02lEJ1jL-CBnXIjMiYjg0XNaWK7aagS1dGDW2zfk6UktsYWBiOGCx-j8m5a7z1f8ouE_D-WueMBWHvOyuEC70a_7V2yPsJY5OlpaISA/s1600/xmattmartin_23443234_large.jpg.pagespeed.ic._XPLMuFcdo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="528" data-original-width="800" height="211" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5F4z6AyhapRps4eZuHBDj0J1kdi7KY7Jwcpd02lEJ1jL-CBnXIjMiYjg0XNaWK7aagS1dGDW2zfk6UktsYWBiOGCx-j8m5a7z1f8ouE_D-WueMBWHvOyuEC70a_7V2yPsJY5OlpaISA/s320/xmattmartin_23443234_large.jpg.pagespeed.ic._XPLMuFcdo.jpg" width="320"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Preservation"<br>
Matt R. Martin.</td></tr>
</tbody></table>
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Y a vosotros ¿Qué os sugieren los atormentados en el arte? ¿Tenéis alguna obra, con estas características, que se encuentren entre vuestras preferidas?<br>
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Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-3435738164852459352018-08-20T17:06:00.002+02:002018-08-21T21:20:56.030+02:00Las veladuras pictóricas y los velos escultóricos.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitEQ6M2x_wRxQ_W8CowyrLRGPuSTfrCNbz6j4w-9os75Wo7L059n3qhkO6NLfHLVR41XZ8aY1-Tjoi7MRCKwyrd_8j3IX-IBSfmZrpbQuAKIT5oySY-SmhEf0cxL9IKfJgsJRcsIBrFw/s1600/Ez93XMCGOIZHnXj0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="600" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitEQ6M2x_wRxQ_W8CowyrLRGPuSTfrCNbz6j4w-9os75Wo7L059n3qhkO6NLfHLVR41XZ8aY1-Tjoi7MRCKwyrd_8j3IX-IBSfmZrpbQuAKIT5oySY-SmhEf0cxL9IKfJgsJRcsIBrFw/s400/Ez93XMCGOIZHnXj0.jpg" width="400"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"La Verdad velada" (fragmento)<br>Antonio Corradini<br>Capilla de San Severo (Nápoles)</td></tr>
</tbody></table>
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En el S.XIV gracias a la pericia de los hermanos Van Eyck, sobre todo de Jan Van Eyck (1390-1441), asistimos al nacimiento de la pintura al óleo y de una nueva forma de crear la perspectiva o el efecto de lejanía. La pintura al óleo permitía aplicar finísimas capas de pintura que desdibujaban las figuras y los contornos. En el Quatrocentto será Leonardo da Vinci (1452-1519) quien comience a utilizar la técnica de las veladuras o sfumato. Leeréis que él fue el creador de esta técnica, pero los que afirman tal hipótesis lo único que hacen es demostrar sus pocos conocimientos sobre la Historia del Arte e incluso me atrevería a decir, que también de la lógica. Las técnicas, los descubrimientos en cualquier campo de la vida, no surgen de la noche a la mañana y no lo hacen de forma aislada y por un único artista, son los pequeños cambios, los que van haciendo que se desarrollen nuevas técnicas o nuevas formas de hacer en lugares diferentes. Lo mismo sucede con atribuir la paternidad del Cubismo a Pablo Picasso. Pero además de demostrar su escaso conocimiento, olvidan a importantes artistas que aunque en la actualidad no tengan la relevancia de otros, que no es el caso de Jan Van Eyck, contribuyeron al avance de las artes. En el S.XVII será Velázquez quién recupere esta forma de crear profundidad, ya que se da cuenta, que el aire que se interpone entre los objetos hacia que estos perdiesen definición. La obra que mejor lo refleja será "La fábula de Aracne". Si en el caso de Leonardo hablamos del sfumato, en el caso de Velázquez, y de ahora en adelante, hablaremos de perspectiva aérea. Curiosamente y como explica Ángulo Iñiguez, ninguno de los seguidores que Velázquez dejó a su muerte en la Escuela Madrileña, seguirán con lo aprendido del maestro sevillano.</div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQZ-w2Bc6ErF-CjeS4Yx8Zmf0R8-11J8WNPHZ_c70zORo8SsL8NXfi5274Leu5NfZ9Mm21k0MI5Z6reB-2x0Z4k4zBXLiePMVDKk7yR45gtblDSV0Ac1blB6T6nhY_rqFV2o7eKZPxUg/s1600/Las+hilanderas+o+la+f%25C3%25A1bula+de+Aracne+%25281%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1100" data-original-width="1600" height="273" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQZ-w2Bc6ErF-CjeS4Yx8Zmf0R8-11J8WNPHZ_c70zORo8SsL8NXfi5274Leu5NfZ9Mm21k0MI5Z6reB-2x0Z4k4zBXLiePMVDKk7yR45gtblDSV0Ac1blB6T6nhY_rqFV2o7eKZPxUg/s400/Las+hilanderas+o+la+f%25C3%25A1bula+de+Aracne+%25281%2529.jpg" width="400"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Las hilanderas o la fábula de Aracne" (1655-1660)<br>Diego Velázquez<br>Museo del Prado.</td></tr>
</tbody></table>
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</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">Pero esta técnica de las veladuras, no solo aparece en pintura. Observando las esculturas veladas de algunos artistas italianos del Rococó, a mí se me antoja que esas veladuras que cubren el cuerpo desnudo de las esculturas, cumplen una función muy similar a las pequeñas capas de óleo que se aplicaban en la pintura. Serán varios los artistas que practiquen esta forma de crear arte, entre ellos destacan el veneciano <span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">Antonio Corradini (1688-1752) y el napolitano </span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Giuseppe Sanmartino (1720-1793). Cuando observamos sus obras como la "Verdad velada" (1752) o "El Cristo Velado" (1753), respectivamente, ambas en la Capilla de San Severo en Nápoles, lo primero en lo que pensamos es en la maestría de ambos. Tallar un velo tan fino que nos trasmita las calidades de las gasas o las sedas traslúcidas, es demostrar una gran pericia en el uso de los útiles para trabajar el mármol. En realidad, estas obras, están trabajadas según la técnica de los paños mojados que comenzó a utilizarse en la Antigua Grecia. Una técnica, llamada así, porque los tejidos que cubren el cuerpo se adhieren a él como si en verdad estuviesen mojados. La calidad que adquieran los paños, así como la ilusión de trasmitirnos que realmente están húmedos, dependerá de la habilidad del escultor. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfSgdON3O9tW_h7-wkXb6d_zamOTqLgQs-HD_3dOjr53mu7TPyBNMoF6vs8RUQyhyphenhyphenQMV-RSGn7Q_NLK0B3vPT_-ofNUKvZW-2XBvQkh8eMLLPxK3TJsUcWb908Yk2s0jpZ6oeKltHRLQ/s1600/fidias.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1600" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfSgdON3O9tW_h7-wkXb6d_zamOTqLgQs-HD_3dOjr53mu7TPyBNMoF6vs8RUQyhyphenhyphenQMV-RSGn7Q_NLK0B3vPT_-ofNUKvZW-2XBvQkh8eMLLPxK3TJsUcWb908Yk2s0jpZ6oeKltHRLQ/s400/fidias.jpg" width="400"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Las Parcas" <br>El Partenón 447 a.c - 438 a.c<br>Fidias.<br>British Museum.</td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">El primero en utilizar esta técnica, será Fidias (h. 500 a.c- h. 431 a.c), el escultor de Pericles, en las esculturas que decoraban el friso del Partenón y que hoy podemos admirar en el British Museum. También lo hicieron los escultores góticos, pero con grandes diferencias. Mientras la Grecia clásica rendía culto a las proporciones, al canon y al gusto por la desnudez del cuerpo, que podía cubrirse con finos velos, dejando traslucir el cuerpo, la Edad Media, debido al dominio que impuso la religión y la moral sobre las artes, las finas telas </span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">se convirtieron en gruesos paños que ocultaban las anatomías. Pasándose de ligeros velos a pesados ropajes. Nuestro ojo nota ese cambio de volúmenes, y así, cuando contemplamos una escultura o un relieve griego, tenemos la sensación de levedad, de esculturas etéreas, sin peso y gráciles, en cambio, cuando nos detenemos ante una escultura gótica tenemos la percepción contraria, nos produce pesadez visual y ampulosidad. La percepción de las calidades también varía, cuando entramos en el Louvre y llegamos al espacio abovedado creado ex profeso para acoger la "Victoria de Samotracia" (190 a.c), según vamos ascendiendo peldaño a peldaño por la escalera Daru, la magnificencia de esta joya del período helenístico, nos inunda y casi podemos sentir sin tocar, la seda del paño que cubre su sensual cuerpo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCKkATAOUEahnhTK3y8GZjDLi-St3idf6SrZJtld1K2KVwLDa7WCpuIG9etvJ-VEYs5vLPNemW826rouY9h8bkN7jDjmZoXbASx5yjcvayVgfBivTN46pBKSOoTxD5g6KaLj8tn-2qpg/s1600/220px-Nike_of_Samothrake_Louvre_Ma2369_n2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="333" data-original-width="220" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCKkATAOUEahnhTK3y8GZjDLi-St3idf6SrZJtld1K2KVwLDa7WCpuIG9etvJ-VEYs5vLPNemW826rouY9h8bkN7jDjmZoXbASx5yjcvayVgfBivTN46pBKSOoTxD5g6KaLj8tn-2qpg/s400/220px-Nike_of_Samothrake_Louvre_Ma2369_n2.jpg" width="263"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Victoria de Samotracia" (o Niké)<br>Anónimo (ca. 190 a.c.)<br>Museo del Louvre.<br></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br>En cambio cuando nos detenemos frente a una escultura románica o gótica, como por ejemplo la escultura hallada en 2017 en los trabajos de restauración de la Catedral de Santiago de Compostela, realizada hacia 1170 por un desconocido Maestro, llamado por la técnica que utiliza en esta escultura, el Maestro de los Paños Mojados, observamos cómo los pliegues, aún cuando se adhieren al cuerpo, la sensación táctil que experimentamos es la robustez de un paño más rígido</span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">, quizá un terciopelo o una lana fina. Comparándolo con la Grecia Clásica y Helenistica, parece que la Edad Media, a pesar de ser una época mucho más avanzada en el tiempo, retrocedió en el desarrollo de las formas y en la plaamacion de las calidades. Aún así estamos ante una técnica muy depurada y de gran belleza.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEip_zH3czAxyS337PAnbK0FyYBEwPU2oWo69tNNRAWdqTkNzgVGwVigeWgW4CcR9XMgSkhpJULzCPPkuWLtYpVrKHAcpKksMaIc4oyy9raWYyein4AQov2e_TBOSUDO40520CkI9l_KFg/s1600/figura-masculina.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="350" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEip_zH3czAxyS337PAnbK0FyYBEwPU2oWo69tNNRAWdqTkNzgVGwVigeWgW4CcR9XMgSkhpJULzCPPkuWLtYpVrKHAcpKksMaIc4oyy9raWYyein4AQov2e_TBOSUDO40520CkI9l_KFg/s320/figura-masculina.jpg" width="165"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Figura masculina (ca. 1170)<br>Maestro de los Paños Mojados.<br>Catedral de Santiago de Compostela.</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br></div>
<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Pero en los albores del S.XVI,</span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"> nuestro querido Miguel Ángel (1475-1564), recupera el amor por la anatomía y cubre el cuerpo desnudo de Cristo muerto, con un frágil, delicado, escueto y maravilloso paño de pureza, en su "Pietá" (1498-9).</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEWmumru2PnMdBGoSAOwB-G8F8AVIc8A0FF713MoyTw0T-mzjH0prj-UT-lBtu8iXPeSX_w6cn6WGiUyT4oS3o_kdnNOAKc5R5Lv96LT4qvi9vukQt06Kt9mSExeoRNCYq1HGWaRXTjw/s1600/Piet%25C3%25A1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1458" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEWmumru2PnMdBGoSAOwB-G8F8AVIc8A0FF713MoyTw0T-mzjH0prj-UT-lBtu8iXPeSX_w6cn6WGiUyT4oS3o_kdnNOAKc5R5Lv96LT4qvi9vukQt06Kt9mSExeoRNCYq1HGWaRXTjw/s320/Piet%25C3%25A1.jpg" width="291"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"La Pietá" (1498-9)<br>Miguel Ángel Buonarroti.<br>El Vaticano.</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br>Lo que observamos es que a medida que se va recuperando el amor por el estudio del cuerpo, y sobre todo, va desapareciendo la vergüenza de mostrarlo que había impuesto la Iglesia, se recupera esta técnica de paños mojados para mostrarnos la anatomía que subyace bajo ellos. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Y llegamos a finales del Barroco y al principio del Rococó, cuando dos artistas italianos, Corradini y Sanmartino utilizan esta técnica con tal maestría, que la sensaciones que nos producen, son otras y muy distintas. En las anteriores imágenes nos fijábamos en los cuerpos desnudos que emergían a través de los paños. Estas telas, eran solo un recurso, lo importante estaba debajo de ellas. Como he dicho antes, la pasión que algunos artistas, entre los que destacan los escultores griegos y Miguel Ángel, sentían por los cuerpos perfectos y por las proporciones, hizo que les desnudasen para mostrarnos cuerpos trabajados, calidades corpóreas, que era lo realmente importante. El hombre era el centro, la medida del universo. </span>Pero ahora, contemplando la alegoría de la "Verdad velada" no nos fijamos en los cuerpos que se esconden, sino en la delicadeza de unos paños que cubre el rostro de la escultura, como queriendo ocultarla. La delgadez marmórea es tal, que el resto queda suspendido. El velo parece formar una segunda piel, que cae suave por el cuerpo y queda sujeto en las partes más salientes de este, como en los pechos de la alegoría, trasmitiendo una enorme sensualidad. Un cuerpo desnudo y semioculto, que cubre quizá por pudor. Pero lo mismo hizo Sanmartino en su "Cristo velado". Hasta ahora estábamos acostumbrados a ver la perfecta anatomía de Cristo muerto, al que únicamente cubrían sus partes más pudendas con un escueto, en ocasiones, paño de pureza. En esta escultura, el paño de pureza desaparece o se agranda para cubrir el cuerpo muerto, como si de la Sábana Santa se tratara. La diferencia, es que esta sabana, esta mortaja, si nos permite adivinar la anatomía del finado. Una anatomía mucho más robusta, como era propio del Barroco y del Rococó. Cristo se hace acompañar de los instrumentos de su Pasión.</div>
<div style="text-align: justify;">
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<br><br><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWYDjs4yA9w6ZHTYzE_eWPScxXJHPcOuntxZO6fIZ0HgneTIpjXW32HNXwieFoSF0UiRjpQ68CCsfJuMZo49o8QstwACskbI_z-PvNi9xxFM1FQMpMj-CmhU87Wh_1nhxngVwWWHCz1w/s1600/cristovelato1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="292" data-original-width="901" height="127" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWYDjs4yA9w6ZHTYzE_eWPScxXJHPcOuntxZO6fIZ0HgneTIpjXW32HNXwieFoSF0UiRjpQ68CCsfJuMZo49o8QstwACskbI_z-PvNi9xxFM1FQMpMj-CmhU87Wh_1nhxngVwWWHCz1w/s400/cristovelato1.jpg" width="400"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Cristo Velado" (1753)<br style="font-size: 12.8px;"><span style="font-size: 12.8px;">Giuseppe Sanmartino.</span><br style="font-size: 12.8px;"><span style="font-size: 12.8px;">Capilla San Severo (Nápoles)</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdePLABW2moBWlIGO9eBmqJVcaCSA5OKBTZBpi1OqATqBrzCsZcQK4llIQFvUWxY8ejfILrQSaODcz-Ujr_ClT3u8dbn8hwEvI85NlkCWksDxHQMIVz2wE6pPOn8xorbc3hxmFDWhBSw/s1600/IW-Giuseppe-Sanmartino-Cristo-Velato-04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="438" data-original-width="664" height="211" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdePLABW2moBWlIGO9eBmqJVcaCSA5OKBTZBpi1OqATqBrzCsZcQK4llIQFvUWxY8ejfILrQSaODcz-Ujr_ClT3u8dbn8hwEvI85NlkCWksDxHQMIVz2wE6pPOn8xorbc3hxmFDWhBSw/s320/IW-Giuseppe-Sanmartino-Cristo-Velato-04.jpg" width="320"></a></div>
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<br></div>
<div style="text-align: justify;">
Ambas esculturas adornan la capilla funeraria de San Severo. La capilla tiene un origen macabro e incierto, quizá más una leyenda que una historia real. Según cuentan la mandó edificar Adriana Carafa de la Spina, para enterrar los restos de su hijo, asesinado por el marido de su amante, el compositor Carlo Gesualdo. Este, asesina también a su esposa, tirando ambos cadáveres por la ventana del Palacio. La desventura de ambos amantes no termina aquí, ya que los cuerpos son devorados por animales. La fuentes, sin embargo, remiten como fundador de esta obra arquitectónica a Alessandro de San Severo, segundo príncipe de Sangro, alquimista y maestre de la masonería, y no al primer príncipe de Sangro, marido de Adriana. La capilla está ligada a la masonería y a la alquimia, por ello quizá, se le encargó a Corradini, otro masón, la realización de las esculturas alegóricas que decorarían el enterramiento. Antonio Corradini muere sin haberla terminado y del encargo se ocupa Giuseppe Sanmartino, el cual, obvia los bocetos del Cristo muerto, para hacer su propia versión de un velado, que ocupará el centro de la capilla. Es tal el virtuosismo de este Cristo, que siguiendo con la leyenda que les envuelve, se habla de que el velo es realmente una finísima tela que por arte de la alquimia ha sido petrificada convirtiéndola en mármol.</div>
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Pero estos velos aportan algo más además del misterio, la lejanía. Recordad como empezaba esta entrada hablando de las veladuras pictóricas que hacían perder definición a los cuerpos. Aquí observamos lo mismo, la tela es como una veladura que se aplica finamente y que hace que no percibamos con claridad absoluta los rostros o el cuerpo que hay bajo ella. Los rostros pierden inmediatez, los labios aparecen desdibujados, solo adivinamos ciertas partes de los mismos, las comisuras en el caso de la "Verdad velada". Los pliegues colocados estratégicamente, ayudan a potenciar la lejanía y a ahondar en lo impreciso de la carne. Nos recuerda al sfumato leonardesco. </div>
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<br></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWlBCFpepV4lBMjnwUaUEbHKqgEm5FKqMnRNAEWW51wet0b3WzePOMJLZirPvlnYrLh13XZhHeYKmLelUuBboZwtCJXFFG1glh9pEnQ1DfR0wlBM1ehaNNBFpB0gLO-1sS2jjpSektWQ/s1600/antonio-corradini_verdad-velada_02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="850" data-original-width="664" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWlBCFpepV4lBMjnwUaUEbHKqgEm5FKqMnRNAEWW51wet0b3WzePOMJLZirPvlnYrLh13XZhHeYKmLelUuBboZwtCJXFFG1glh9pEnQ1DfR0wlBM1ehaNNBFpB0gLO-1sS2jjpSektWQ/s400/antonio-corradini_verdad-velada_02.jpg" width="311"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"La Verdad velada" (1752)<br style="font-size: 12.8px;"><span style="font-size: 12.8px;">Antonio Corradini </span><br style="font-size: 12.8px;"><span style="font-size: 12.8px;">Capilla de San Severo (Nápoles)<br><br><br></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br></div>
</div>
<div>
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span>
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU4KTK-se-t9F6lM51o_Zfven4heohiW5iY6mfU4j1INgnBJPaydqA9NOP3ExoPcSD908PeNuMdi3m6Keem1C34Yy16WFal-lL_hf2hvO78cq1E2rYKTTzJDOjBRJ_GVbLXLY7E4S0Mg/s1600/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvaXdfYW50b25pby1jb3JyYWRpbmlfbGFwdWRpY2l6aWFfMDQuanBnIiwicmVzaXplLDUwMCJdfQ.GlG4h97ymoYlXNwlbcXYe6gvfudaPKLLllQsPvtm9mA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="564" data-original-width="500" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU4KTK-se-t9F6lM51o_Zfven4heohiW5iY6mfU4j1INgnBJPaydqA9NOP3ExoPcSD908PeNuMdi3m6Keem1C34Yy16WFal-lL_hf2hvO78cq1E2rYKTTzJDOjBRJ_GVbLXLY7E4S0Mg/s400/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvaXdfYW50b25pby1jb3JyYWRpbmlfbGFwdWRpY2l6aWFfMDQuanBnIiwicmVzaXplLDUwMCJdfQ.GlG4h97ymoYlXNwlbcXYe6gvfudaPKLLllQsPvtm9mA.jpg" width="353"></a></div>
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Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-54256438781004643492018-07-29T12:47:00.000+02:002019-01-05T18:06:28.091+01:00La fotografía a través del objetivo de Gerson Magana.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgG_WDDleYl4aeyoDe60BbQpf_DsfiTHfP16vM4Veu5vQWhHx95K7jGQbyVjc0LzXCVhZU8G36TkygMJGuhua9ZyPwLp5rmfuZQhreso56wpsRALveDH8Idke21RwhbqMYHS_t-ufwKiw/s1600/61e6b771-b949-406b-8a9b-a7b7b94b063e.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1500" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgG_WDDleYl4aeyoDe60BbQpf_DsfiTHfP16vM4Veu5vQWhHx95K7jGQbyVjc0LzXCVhZU8G36TkygMJGuhua9ZyPwLp5rmfuZQhreso56wpsRALveDH8Idke21RwhbqMYHS_t-ufwKiw/s320/61e6b771-b949-406b-8a9b-a7b7b94b063e.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">@Gerson_magana_photography</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">No hay nada más bello que la naturaleza. Ella, sabiamente sabe combinar los colores que hacen únicos los atardeceres, donde los naranjas y los amarillos se mezclan y se van tornando en otros más oscuros hasta alcanzar la noche. Atardeceres con líneas de horizonte bajas por donde el sol, de un amarillo intenso, va desapareciendo para dejar paso al reinado de la luna con sus tonalidades grises. Una belleza, que se perdería, si el objetivo del joven fotógrafo estadounidense, Gerson Magana, no la hubiera captado. Él, a través de las lentes de su Nikon, y por encima de todo, de la enorme capacidad que tiene para saber verla, capta en imágenes serenas, nostálgicas, y en ocasiones enigmáticas, la atemporalidad de un momento único y fugaz. Y así, estos elementos, se convierten en característicos de sus fotografías. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjftck6uq2XdVrBPtKe3-GOIf7Fv5Oys8IvSYmmn-Nh8Y_ttHxKncxOfen19y-3ARstXnJ-S_EEEqvWCHjEkRgNglvVVZhdmL5RirAl0B67DUwk7gKAiFTLdHOmAHH4AcPU4_kvM3tgjQ/s1600/395a3263-7ba4-42f2-b4d7-a9b76aefe492.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjftck6uq2XdVrBPtKe3-GOIf7Fv5Oys8IvSYmmn-Nh8Y_ttHxKncxOfen19y-3ARstXnJ-S_EEEqvWCHjEkRgNglvVVZhdmL5RirAl0B67DUwk7gKAiFTLdHOmAHH4AcPU4_kvM3tgjQ/s320/395a3263-7ba4-42f2-b4d7-a9b76aefe492.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">@Gerson_magana_photography<br />
<br /></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">La primera vez que contemplé sus instantáneas, quedé fascinada por la perfección del esplendor que trasmiten. No me fijé en nada más, y eso, que mi mente analítica, intenta explicar cada uno de los elementos que aparecen en una obra. Pero las tonalidades, eran tan puras y vibrantes, y las composiciones tan limpias, que mis ojos quedaron atrapados en los colores y en el espacio. Y junto a la idea de algo bello también sentí la de la soledad, pero sobre todo la de la serenidad. Sus obras nos trasmiten la calma de un momento preciso, el momento en el que las calles han sido abandonadas por los transeúntes y en la cuáles reina la calma. Y es entonces, cuando el objetivo de su cámara los capta, los pilla in fraganti, cómo cuando Velázquez retrataba una escena cotidiana con tanta maestría que los personajes parecían sorprendidos en actitudes habituales. Gerson, sorprende el atardecer o el anochecer y con ellos, a los personajes y edificios que los pueblan. </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Sus fotografías, tienen la capacidad de invitarnos a entrar en ellas. Sus obras, no son solo para ser contempladas desde fuera, sino también desde dentro, nos hacen una llamada para descubrir espacios que rebosan algarabía durante el día, pero que en el momento en el que él les capta, están en completo silencio. Podemos pasear y disfrutar de la quietud que da la soledad de ese momento, en donde la luna o el sol en su ocaso, se convierten en nuestros acompañantes, guiándonos a través del paisaje. Pero aunque estén vacíos, en ellos, aún queda la huella implícita de las personas que los pueblan. </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Ofreciéndonos una visión diferente de estos lugares, cómo se aprecia en la instantánea que tiene como protagonista, al Palacio de Bellas Artes de México en total quietud, y que acompañado de la luna, o quizá, por influencia de ella, se nos presenta misterioso. </span><br />
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhre1YWh99tnWWXbZda19kJvUb_QdLKi9P9kSEB8bgGYeX0DLp_JQndqJnJZnjwNAB0N-DC94z30aPwPA1ZQoZvLJVpWrFsduMxCGH40nfGYgT19x2EFUzXEu7J8pzf0ccA1GDMGRtCxw/s1600/ad8a0e43-47ff-449e-a735-d9153c22c875.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1500" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhre1YWh99tnWWXbZda19kJvUb_QdLKi9P9kSEB8bgGYeX0DLp_JQndqJnJZnjwNAB0N-DC94z30aPwPA1ZQoZvLJVpWrFsduMxCGH40nfGYgT19x2EFUzXEu7J8pzf0ccA1GDMGRtCxw/s320/ad8a0e43-47ff-449e-a735-d9153c22c875.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">@Gerson_magana_photography</td></tr>
</tbody></table>
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br />Utilizando un contrapicado en diagonal, lo que el fotógrafo consigue, es mostrarnos la magnitud del edificio y de la escultura que tenemos en el primer plano, la cual parece estar observando al satélite lunar. </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Pero nosotros también le observamos, ya que hábilmente, el fotógrafo, ha creado una composición</span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"> diagonal ascendente que se inicia en la esquina inferior izquierda (desde donde está tomado el contrapicado) la cual atraviesa los tres elementos </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">más destacados de la composición (escultura, edificio y luna) y dirige nuestra vista hacia la redonda luna que dota a la imagen de un componente seductor. Gerson Magana sabe captar la belleza de los paisajes ya sean urbanos o no, el misterio, la quietud, y sobre todo la belleza del silencio, algo enormemente difícil, en composiciones de una gran creatividad.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6NgMPm08I9IPdgPsMdmSjZVx_6sQfpGizjllrFzUBGMmhp2a72Hf3T2kAkXDL0QgfvzEhSEUqr-33a33HWMBnKNBYOSyVweBVuY6SVMm6LWT0HdOYI4qWqpFgIY9OdrtvJnJCLhisiA/s1600/f3ce6f0b-00a8-48ee-bae6-dd1c76956b8a.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1500" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6NgMPm08I9IPdgPsMdmSjZVx_6sQfpGizjllrFzUBGMmhp2a72Hf3T2kAkXDL0QgfvzEhSEUqr-33a33HWMBnKNBYOSyVweBVuY6SVMm6LWT0HdOYI4qWqpFgIY9OdrtvJnJCLhisiA/s320/f3ce6f0b-00a8-48ee-bae6-dd1c76956b8a.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;">@Gerson_magana_photography</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Pero sus fotografías son mucho más, ya que las dota de significado, un significado que une al simbolismo de los elementos de la composición. Hay una imagen que él destaca por encima de todas, una instantánea de un atardecer tomada en las playas de Santa Mónica, en Los Ángeles. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6e8iUOl1J1bdhyphenhyphenV4xEBdjQn0CfK8qn39h2X-PXZK43fWV0QKa9Q4y91KPUstPLwfHm3p3DOKpOaNpmdQyppGUnYNAnalSnetzGuOlyOYmBQEEukbgldaWp4j73fefygICLL7TC-eI8Q/s1600/feab4c92-35be-4cb9-bbfd-12442ce44896.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6e8iUOl1J1bdhyphenhyphenV4xEBdjQn0CfK8qn39h2X-PXZK43fWV0QKa9Q4y91KPUstPLwfHm3p3DOKpOaNpmdQyppGUnYNAnalSnetzGuOlyOYmBQEEukbgldaWp4j73fefygICLL7TC-eI8Q/s320/feab4c92-35be-4cb9-bbfd-12442ce44896.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;">@Gerson_magana:photography</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><span style="-webkit-text-size-adjust: auto;">Oírle hablar del significado de esta imagen es mágico, ya que todos los componentes que forman parte de ella, cobran sentido. Lo que nosotros vemos es una imagen con una gran profundidad de campo que ayuda a crear distancia, nos aleja de la obra dándonos una gran perspectiva del espacio fotografiado. Y así nos convierte en simples espectadores, pero espectadores de primera fila. Desde nuestra posición contemplamos un apanoramica, con la línea de horizonte baja, que nos habla del ocaso, y vemos, cómo el sol que aún conserva su brillo, va descendiendo, parece que en cualquier momento va a tocar las arenas de la playa. A lo lejos, se vislumbran las siluetas de personas, que probablemente, disfruten de este hermoso atardecer. Hasta ahí, se nos antoja una bella instantánea de un momento determinado, en la que el fotógrafo ha sabido jugar muy bien con los colores y la luz. Pero ahora viene la explicación que él nos da de esta obra convirtiéndola en especial. A la derecha de la imagen y bajo el sol vemos una figura encorvada, un anciano que seguramente sea el único que no disfrute del ocaso, ya que él mismo se encuentra en el de su vida. Esta figura se contrapone a las que se encuentran a la izquierda, jóvenes que disfrutan de la compañía de otros</span></span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><span style="-webkit-text-size-adjust: auto;">. Gerson, explica cómo cuando uno es joven y está en la plenitud de su vida lleno de energía, goza de la compañía de otros, en cambio, cuando el atardecer de la vida cae sobre nosotros, también lo hace el abandono y la soledad. Y para potenciar esa idea, aprieta el disparador de su cámara, en el momento preciso en el que el anciano</span></span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><span style="-webkit-text-size-adjust: auto;"> está bajo el sol, él cual también va perdiendo su fulgor, pero con la luminosidad que aún le queda le ilumina, haciéndole protagonista de la imagen, fusionándose así, ambos crepúsculos. Transmitiéndonos, no solo el ocaso de la tarde, también el de la vida, en un perfecto paralelismo. Y aunque, al primer golpe de vista, nos fijemos en los colores magníficamente tratados, lo importante no es solo la gama cromática, ya que esta, únicamente, se convierte en el elemento que ayuda al desarrollo del tema. ¿Qué opináis ahora de la imagen? ¿Qué os trasmite ahora este atardecer? ¿Y los colores? A mí los colores de estos atardeceres, ¡se me antojan venecianos! Y no, no estoy loca. Fijaos en las tonalidades cálidas y en la luz dorada, como la de los cuadros de Tiziano o de Veronés. La pintura veneciana del S.XVI, destacó por el tratamiento que los pintores dieron a la luz y al color, y a mí me parece, que de la misma forma, este fotógrafo, se preocupa por ambos aspectos. En sus fotografías están muy marcados los contornos, el dibujo, si fuese una pintura, pero por el efecto que crea el color y la luz sobre ellos. Le importa la luz a través de la cual, los colores se desarrollan en toda su plenitud. ¿Qué opináis, el tratamiento que da a ambos elementos no os recuerda a esos pintores de la ciudad del Dux?</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><span style="-webkit-text-size-adjust: auto;">La interpretación de la obra, junto con el momento exacto y los personajes, están tan perfectamente trabados, que pareciese una escena preparada. Lo importante reside en la capacidad que ha tenido el artista para captar ese momento y darle un significado tan preciso y certero. "El instante decisivo", un concepto creado por Henry Cartier- Bresson, aparece perfectamente reflejado en la obra de este joven estadounidense y como él, sabe "sorprender a la vida". </span></span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><span style="-webkit-text-size-adjust: auto;">Pero en ella, no solo se contrapone la juventud y la vejez, si seguimos fijándonos en la imagen, vemos cómo hay elementos contrarios que lo que hacen es dotar de unidad a la obra. Antes hablaba de la profundidad de campo que nos distancia de lo que vemos, pero al mismo tiempo los naranjas del atardecer crean una escena íntima. Las figuras </span></span></span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0);"><span style="font-family: inherit;">recortadas</span> en negro deshumanizan a las personas que representan, pero están cargadas de significado, representan una idea: la de la soledad por un lado y la de la alegría de la compañía por otro, al igual que el paisaje en el que se mueven. Un paisaje congelado en el espacio y en el tiempo de un atardecer, pero que por la mañana volverá a estar bullicioso lleno de energía y de alboroto que nos alejan de la melancolía del momento captado. </span></div>
</div>
<div>
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWzBLENYZ3ZvtSfw09t8IfGf5AfKmg29RDGy9jJteRYPRXWnCYcag4CDBKCpAtsuQHJAhMbVzYXrfZQ7M4QyHmHnCwlZJMvdjzirjCcq848JAPEctjyOFqP6SD06eYIoKXHE2rjpTFig/s1600/IMG-5925.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="508" data-original-width="750" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWzBLENYZ3ZvtSfw09t8IfGf5AfKmg29RDGy9jJteRYPRXWnCYcag4CDBKCpAtsuQHJAhMbVzYXrfZQ7M4QyHmHnCwlZJMvdjzirjCcq848JAPEctjyOFqP6SD06eYIoKXHE2rjpTFig/s320/IMG-5925.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;">@Gerson_magana_photography<br />
<br /></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
Y junto a éstas fotografías panorámicas, de planos amplios y perspectivas infinitas, cuyo punto de fuga se pierde en la lejanía, donde ya no alcanza nuestra visión, realiza otras más íntimas. Y para buscar ese momento más personal, ya no se sirve de ciudades o paisajes de playas en atardeceres, sino que elige flores y plantas. ¿Y cómo nos lo muestra? Lo hace a través de planos cortos y fondos desenfocados, debido a la poca profundidad de campo, lo cual se consigue abriendo mucho el diafragma. Juega con la técnica para mostrarnos en un primerísimo plano la belleza de una flor de colores muy saturados. Y de nuevo la quietud, la calma, la soledad y el momento único.</div>
</div>
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<br /></div>
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<div style="text-align: justify;">
El Greco, cuando da forma a su teoría artística explicaba cómo el artista debía de inspirarse en la naturaleza, pero nunca copiarla. Tenía que ser un filósofo. Nuestro fotógrafo hace eso, no la capta como es, se sirve del momento y de lo que está delante de sus ojos para crear una obra de gran personalidad, emotivas, enigmáticas y rebosantes de significado, que nos muestran a un fotógrafo preocupado por el momento preciso, la belleza, la luz, el color y el significado que tras ellas se esconde. Un significado que completa la obra y que nos acerca un poco más al conocimiento de la personalidad del artista. <span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">Un joven, de alma vivida, que queda perfectamente reflejada en sus instantáneas. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span></div>
</div>
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<div>
¿Qué os sugieren a vosotros las fotografías de Gerson Magana? </div>
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<br /></div>
<div>
Gerson_magana_photography</div>
</div>
Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-51032773688055510512018-07-21T13:56:00.001+02:002018-07-21T14:10:45.093+02:00Gesamtkunstwerk: de Richard Wagner a Antoni Gaudí. <div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhisYOIeduFTP0xUbmvltxAs0yk1VgH1MsnQZDKEujulIgafnClWCNhMtMKkddGuhKKEqHT-RmP-TTS9C5btbN-zuiRF-7ukhV2D6x6iWaHIfu2G_dNYFw0_1Xv6EVRupneHJyAw4HGtg/s1600/Armory-Alfredo-Jaar-Gesamtkunstwerk-1988-Lia-Rumma-Gallery.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="525" data-original-width="700" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhisYOIeduFTP0xUbmvltxAs0yk1VgH1MsnQZDKEujulIgafnClWCNhMtMKkddGuhKKEqHT-RmP-TTS9C5btbN-zuiRF-7ukhV2D6x6iWaHIfu2G_dNYFw0_1Xv6EVRupneHJyAw4HGtg/s320/Armory-Alfredo-Jaar-Gesamtkunstwerk-1988-Lia-Rumma-Gallery.jpg" width="320" /></a></div>
<br /></div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">Cuando hablo de arte, siempre me gusta recalcar la idea de que es un sentimiento. Los que leéis mis manzanas lo sabéis. Es un sentimiento que se produce en el alma. Y da igual, que nos enfrentemos a una obra pictórica, arquitectónica o escultórica o a un poema, una danza, una ópera o una pieza musical. El sentimiento que experimentamos es un allegro, una escalada ascendente que va del Sí menor al Sí mayor interpretado por chelos y violines, a los que se unen el oboe y el corno inglés junto con el clarinete, y que van marcando en nuestro interior, en compás ternario, un galopar de caballos que va del piano al forte. </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Y así, al ritmo que nos van marcando los instrumentos de cuerda, mantenemos la intensidad, frente a una fachada revestida de coloreados trencadís, que nos recuerda el confeti de una mascarada cuyos balcones nos miran como si fuesen antifaces de esta fiesta, y a medida que nos detenemos en detalles de formas orgánicas y onduladas, la melodía y el sentimiento que vamos experimentando se adecua a ese ritmo adquiriendo dinámicos cambios graduales, como si de un todo se tratase, y las flautas y los clarinetes </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">nos adentran en un patio interior, en un mar de distintas tonalidades e intensidades de azules que van de los más intensos a los más claros, sin que por ello, nuestro corazón deje de cabalgar, acelerándose y ascendiendo, </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">y al ritmo de oboes y trompetas vamos alcanzando el éxtasis en una melodía cada vez más forte que culmina con trombones cuando nuestros ojos se detienen en una sucesión de arcos catenarios, como si en ese ritmo melódico y dramático de textura polifónica nos hubiésemos introducido dentro del esqueleto de un animal. </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Y con esta melodía en crescendo, interpretada por nuestro alma cuando estamos frente a una obra que nos lleva al éxtasis, nos sentimos bien con nosotros mismos, complaciendo nuestro interior y experimentando la belleza.</span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"> Un sentimiento eufórico, que es aún mayor y completo, cuando una misma obra está compuesta de pequeños elementos que la convierten en "la obra de arte total" y es disfrutada por cada uno de nosotros, o de nuestros antepasados y por las generaciones futuras. Obras que no nacen solo para el deleite del que las crea, sino que su fin es social. La idea, la de la obra de arte total, traspasa fronteras artísticas y siglos y nos lleva hasta el compositor alemán Richard Wagner (1813-1883) que la recuperó durante el Romanticismo. Este excepcional compositor, de obras cómo Die Walküre (La Valquiria), vuelve sus ojos al drama griego, el cual, concentraba la esencia de la Gesamtkunstwerk, al reunir música, partes recitadas y danza. </span><br />
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvFL2uZzsr7PEZ4YV4oZpQdnswA2_H1vkps-vMAtC5-9ccaXYf3El-WDnbnML6Pv9-TTuK5j2B0PX9QqtGfN4TGx2anOLv0tbnH3L6rRJqDyNDr6zL0kPj99OFEnp6Lr4JRKkTTokR_w/s1600/73687fefd639d65033073f07665ca6ba.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="345" data-original-width="250" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvFL2uZzsr7PEZ4YV4oZpQdnswA2_H1vkps-vMAtC5-9ccaXYf3El-WDnbnML6Pv9-TTuK5j2B0PX9QqtGfN4TGx2anOLv0tbnH3L6rRJqDyNDr6zL0kPj99OFEnp6Lr4JRKkTTokR_w/s320/73687fefd639d65033073f07665ca6ba.jpg" width="231" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Wotan con la valkyria Brunilda" </td></tr>
</tbody></table>
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Al recuperar esta forma de hacer ática, Wagner rompía con la encorsetada tradición operística italiana que dividía la ópera en arias y recitativos. Lo que él buscaba era la fusión y unificación de las diferentes artes, donde además, tuviese cabida la voz humana como si de un instrumento más de la orquesta se tratase. Algo con lo que otros compositores no estaban de acuerdo, pero que alentó un debate y una forma de hacer, que se fue desarrollando a lo largo del tiempo y adoptado por el resto de las artes, elevando a Richard Wagner a la categoría de padre de la Gesamtkunstwerk. Pero su paternidad, no es del todo cierta, ya que el primero en utilizar dicho término, fue Friedrich Eusebius Trahndorff, en 1827, un escritor y filósofo alemán. </span><span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">"La Valquiria", es la segunda ópera que forma parte del ciclo "El Anillo del Nibelungo". Será en la última, "</span><span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">Gottërdammerung" (El Ocaso de los dioses), en la que consiga poner en práctica lo extraído del drama griego.</span><br />
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDUOPT3wGmdADNb2eXBQOtrsJoaPpXJou2OFieWLRXrXtO3ZqnxPIRxWBHGA3CufwCldkzjsjMr_a463c04vAbSL08EmhRqBGXJl5LN9-6U6WQjHfwWnEqQUcBzBSVMaWve3mcPuBOSA/s1600/1454329476.7428.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="318" data-original-width="500" height="203" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDUOPT3wGmdADNb2eXBQOtrsJoaPpXJou2OFieWLRXrXtO3ZqnxPIRxWBHGA3CufwCldkzjsjMr_a463c04vAbSL08EmhRqBGXJl5LN9-6U6WQjHfwWnEqQUcBzBSVMaWve3mcPuBOSA/s320/1454329476.7428.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-size: small; text-align: justify;">"</span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-size: small; text-align: justify;">Gottërdammerung" (El Ocaso de los dioses)</span></i></td></tr>
</tbody></table>
<br /></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: start;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">Aunque Wagner, no pudo desarrollar, de una forma completa ese deseo de obra de arte total, por la imposibilidad de integrar la voz humana a la larguísima duración de sus obras, </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">si nos legó óperas en las cuales, aplica las ideas que pretendía conseguir. Pero no solo se preocupó de lo que concernía a la obra, también se ocupó de todos aquellos detalles prácticos que nos involucran en lo que estamos viendo, como del montaje, la iluminación e incluso </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">la posición de las butacas, las cuales, debían colocarse mirando directamente al escenario donde se desarrollaría la escena, y que vendría a ratificar la importancia del público en la obra. Y si tenemos en cuenta esto, podemos preguntarnos, si en la actualidad, se sigue dando la misma importancia a la comunidad. Cuando vamos al teatro, para asistir a cualquier obra teatral, ballet u ópera, todos los espectadores no tienen la misma visión del escenario dependiendo de donde se ubique la butaca. Cuanto más nos vamos alejando de la escena, nuestra percepción y la visibilidad van cambiando, tanto, que en ocasiones intuimos lo que pasa en ella más que verlo. </span><br />
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBmJNvOuvdvMg4AaYEwWE_A-QV5oL0yVyvVOscMWZSvilhHI3Ajvva1mauA5Kn8oJCxKW6ZmpN3wvHFczkJwqhK334lU-SP5SI3KdRA8BfhuuIFAMOzSu8Gi5wQK0Zbsif8voK-7YX3Q/s1600/Wagner-Opera-House-1874.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="313" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBmJNvOuvdvMg4AaYEwWE_A-QV5oL0yVyvVOscMWZSvilhHI3Ajvva1mauA5Kn8oJCxKW6ZmpN3wvHFczkJwqhK334lU-SP5SI3KdRA8BfhuuIFAMOzSu8Gi5wQK0Zbsif8voK-7YX3Q/s320/Wagner-Opera-House-1874.jpg" width="250" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><br /></td></tr>
</tbody></table>
</div>
</div>
<div style="text-align: start;">
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: start;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">La obra de arte total, implicaba una variedad de artes, intentando que todas tuviesen la misma importancia, pero esto no llega a ser tan pragmático como se quería, ya que era habitual que prevaleciese una frente al resto, las cuáles se subordinaban a ella. En el caso de las óperas wagnerianas, la prioridad se centraba en la música. Y lo mismo sucede si hablamos de arquitectura. </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Cuando Antoni Gaudí </span>(1852-1926) <span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">diseñaba todo lo que concernía a una vivienda, la prioridad era el espacio, un espacio modulable, que se adelanta a la planta libre que caracterizaría a los arquitectos del movimiento moderno (como ya he repetido en infinidad de veces), en el que el mobiliario y el resto de elementos de decoración se acomodaban. Pero al mismo tiempo, también lo hacían a las formas que la naturaleza nos brindaba, convertida en fuente de inspiración del Modernismo. Aunque Gaudí no solo tomo como fuente de inspiración las formas naturales, también se inspiró en el cuerpo humano, ese que tenía que hacer uso de todos y cada uno de los elementos de una casa, y por ello tanto las sillas como los buzones, o los tiradores de las puertas, son ergonómicos, adaptándose estos últimos a la forma que adoptan nuestros dedos cuando vamos a agarrarle. Utilizó nuevos elementos portantes, como los arcos de catenaria o hiperboloides parabólicos, que aportan más luz pero sobre todo reparten las fuerzas hacia los extremos ganando estabilidad mecánica y obviando otras estructuras, convirtiéndose en los únicos elementos que soportarían el edificio. Se ocupaba de todo buscando la comodidad, las soluciones novedosas que aportaban practicidad y la obra de arte total, en la que todo se contemplase y nada se obviase. Y lo consiguió. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuMZU1OwE_jsW-iRxIjBTC4M0S6LBrJ2pevDeB1mn-ozUCn4Ll-Br-vypCzU9QK8Zv88wCSkb2pNELW7Z1cXSkf-prXY1KqhIFJOpUouKmYlI2AlQpNE7siEcc0MjGhOZR_4yUYIQxYA/s1600/CA8_2L4WEAAjCey.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuMZU1OwE_jsW-iRxIjBTC4M0S6LBrJ2pevDeB1mn-ozUCn4Ll-Br-vypCzU9QK8Zv88wCSkb2pNELW7Z1cXSkf-prXY1KqhIFJOpUouKmYlI2AlQpNE7siEcc0MjGhOZR_4yUYIQxYA/s320/CA8_2L4WEAAjCey.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Arcos catenarios<br />
Casa Milá (1906-1912)</td></tr>
</tbody></table>
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Gaudí no dejó nada al azar, y s</span><span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">i Wagner se preocupó de la iluminación que aporta el carácter dramático o alegre a una ópera, dependiendo del pasaje, Gaudí hizo lo mismo. En sus edificios buscó la máxima iluminación para las plantas bajas, y por ello, decidió jugar con las tonalidades</span><span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"> más claras, reservando las más oscuras para las zonas altas donde la iluminación era más potente, cómo podemos comprobar en la Casa Batlló, a la que dotó de una gran funcionalidad. Aunque ambos artistas, pertenecieron a generaciones diferentes, les unen intereses y preocupaciones comunes. Ambos, compartían una mente privilegiada que entendía el arte cómo un todo. </span><br />
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwJUpgm-iM036LvwC9ywKflIY1oHIifu1EHsIc2MFx2gA_LptkM9mVh8d8TQZlbfVlVwkLvsIA4ELXUEPOnGXGdJwJ9YdGkKptK_v6d7YJN2U6WgB9IAC5j6nhwVZNy5oPb_SoGBdzmQ/s1600/wagner.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="275" data-original-width="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwJUpgm-iM036LvwC9ywKflIY1oHIifu1EHsIc2MFx2gA_LptkM9mVh8d8TQZlbfVlVwkLvsIA4ELXUEPOnGXGdJwJ9YdGkKptK_v6d7YJN2U6WgB9IAC5j6nhwVZNy5oPb_SoGBdzmQ/s1600/wagner.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Richard Wagner (1813-1883)</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibrVJH9mH2UNeDX7zHb1gXSsGRZfNJuzDxhTexqJjbg2EqPF8lPJ8B04_WRMrkZIZtevx99EEBgQDR3GJ2OWMhRSYidbocqjMPAFWVOBCwG6k1yMmtQQI3j9l8aNb1UASMBkDrBgjzCg/s1600/220px-Gaud%25C3%25AD_%25281878%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="280" data-original-width="220" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibrVJH9mH2UNeDX7zHb1gXSsGRZfNJuzDxhTexqJjbg2EqPF8lPJ8B04_WRMrkZIZtevx99EEBgQDR3GJ2OWMhRSYidbocqjMPAFWVOBCwG6k1yMmtQQI3j9l8aNb1UASMBkDrBgjzCg/s1600/220px-Gaud%25C3%25AD_%25281878%2529.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Antoni Gaudí (1852-1926)</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">Richard Wagner partía de una música que empezaba a tomar forma en su mente y trasladaba a una partitura. Antoni Gaudí, frente a lo que muchos podáis creer, no pensaba en una arquitectura, pensaba en un espacio al que acomodaba una original y fantástica solución arquitectónica, que en algunos casos como en la fachada de la Casa Milá, era autoportante. Es decir, la fachada, formada por un muro-cortina, puede desaparecer, ya que no soporta absolutamente nada, lo cual </span><span style="text-align: left;">permite derribar los muros interiores y redistribuir el espacio a conveniencia de las necesidades (planta libre). La </span><span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">función la cumplen los elementos portantes formados por jácenas y pilares que soportan bóvedas, todo ello de estructura metálica (recordad los nuevos materiales, como el hormigón armado o el hierro, empiezan a aparecer en escena. La fachada, de la Casa Milá, la que concentra toda nuestra atención, presenta problemas de humedades debido al uso de hierro en y la forma dada a la piedra que la cubre). </span><br />
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFXSRboI2Qa67rzmrFkReaYeZGlWi23v2_Yg8JJd2NDBCsma1iRsrkQV4V3d984XdjhWTI9zm_mhJQOIsf2qctPKlnAxDCKSkROcGUAP7RFB48S5uOTxKug_zIH66o0yUnUoeWTuGAXw/s1600/432e4f24f4aaaacf01529cb97f90c4f6--la-pedrera-antoni-gaudi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="529" data-original-width="736" height="287" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFXSRboI2Qa67rzmrFkReaYeZGlWi23v2_Yg8JJd2NDBCsma1iRsrkQV4V3d984XdjhWTI9zm_mhJQOIsf2qctPKlnAxDCKSkROcGUAP7RFB48S5uOTxKug_zIH66o0yUnUoeWTuGAXw/s400/432e4f24f4aaaacf01529cb97f90c4f6--la-pedrera-antoni-gaudi.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Casa Milá"<br />
Antoni Gaudí. </td></tr>
</tbody></table>
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br />Buscaba la expresividad en sus obras y la primacía de las formas espaciales. Cuando Gaudí, aún era un niño, comenzó a trabajar con su padre, calderero, haciendo calderos, recipientes, esto le ayudó a desarrollar una gran capacidad espacial que tuvo como consecuencia, que Gaudí no necesitase un lápiz y un papel para dibujar la arquitectura, sino que en su mente se imaginaba el espacio del cual partía. Gaudí no dejó ni un solo plano, en cambió si nos ha dejado maquetas en las cuáles se basaba, para construir sus edificios. Maquetas valiosísimas en las que además resuelve problemas de peso. Son maquetas invertidas formadas por sacos que cuelgan de cuerdas, las cuáles, en la arquitectura real, serían las columnas y arcos. Las maquetas polifuniculares nos muestran una nueva forma de hacer arquitectura, y sitúan a Gaudí en el Olimpo de los mejores arquitectos que ha dado la Historia del Arte. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGC4YF8bEBDFh2BVEbNZCbt7M8t1Cyc5Jz9yyIkHewlAlNE8Nft-Sbtpy0qS4bKUxNe9OEGRXQ95-RPmUl70JJAfS5tHS0C8f4aJ4Bza1vc95dIw33BJ_IIcsgyuqL8PdXEYKddi2UcA/s1600/250px-Maquetisima_invertida_gaudi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="298" data-original-width="250" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGC4YF8bEBDFh2BVEbNZCbt7M8t1Cyc5Jz9yyIkHewlAlNE8Nft-Sbtpy0qS4bKUxNe9OEGRXQ95-RPmUl70JJAfS5tHS0C8f4aJ4Bza1vc95dIw33BJ_IIcsgyuqL8PdXEYKddi2UcA/s1600/250px-Maquetisima_invertida_gaudi.jpg" /></a></div>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: left;">
Cuando Richard Wagner acuñó la palabra <span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">Gesamtkunstwerk, jamás pudo imaginar que </span><span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">tuviese tanta repercusión en la arquitectura moderna, y que Antoni Gaudí lograse llevar a la máxima definición la idea de obra de arte total. </span><br />
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Por cierto, ¿habéis reconocido a qué ópera pertenece esa escalada ascendente de caballos que galopan? Y del mismo modo ¿podéis adivinar frente a qué edificio nuestro alma puede sentir el éxtasis? </div>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwdXR7HHq-WHNrIChmA-1wbJDPPHmwwLEDiWaV006mB93tf2WoBB5I_Ll9MIOb4AXimHYv_wHb-xM6rrc4NtxrqDley1BTFznOXa6hZypLxy2cWmchEmhV5Rn3XhtJKIB_3EZSwjqOQg/s1600/trombon.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1059" data-original-width="1600" height="211" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwdXR7HHq-WHNrIChmA-1wbJDPPHmwwLEDiWaV006mB93tf2WoBB5I_Ll9MIOb4AXimHYv_wHb-xM6rrc4NtxrqDley1BTFznOXa6hZypLxy2cWmchEmhV5Rn3XhtJKIB_3EZSwjqOQg/s320/trombon.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Ride of the Valkyries (Die Valkyria)<br />
Richard Wagner.</td></tr>
</tbody></table>
</div>
</div>
<div>
<br /></div>
<div>
<br /></div>
<div>
<br /></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgl54C1R_6-5We6VOPHIF8ku-ilvVpVBqaaDySHqge6yON-ltfI4hlR5w2aNuD7C5b8jGue4Hkqa_csjCbYJfqedL-YyqsDSmOYg-BJJhrp05zAsdtHt0obeEA3v8X5SysWs2V_5_OG8w/s1600/casa+batllo.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="375" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgl54C1R_6-5We6VOPHIF8ku-ilvVpVBqaaDySHqge6yON-ltfI4hlR5w2aNuD7C5b8jGue4Hkqa_csjCbYJfqedL-YyqsDSmOYg-BJJhrp05zAsdtHt0obeEA3v8X5SysWs2V_5_OG8w/s320/casa+batllo.jpg" width="240" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Casa Batlló<br />
Antoni Gaudí.</td></tr>
</tbody></table>
<br /></div>
<div>
<br /></div>
</div>
Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-9793233421095875072018-06-25T19:46:00.000+02:002018-06-28T20:56:07.104+02:00Johannes Vermeer, el maestro de la intimidad barroca.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS5OyZ9f_xd4SroQlm61BFQlfsjPxwLLOiLV6ggeza4eT32OoL4rbJb4Pvz1t2IbGlsN48EW3erD772H66FGpmCdashJY9RR_tM9bUnICZ_2TCVl8AyJJoOY1VbtsDC2X-3BqCIFUskw/s1600/Vermeer_autograph.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="167" data-original-width="310" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS5OyZ9f_xd4SroQlm61BFQlfsjPxwLLOiLV6ggeza4eT32OoL4rbJb4Pvz1t2IbGlsN48EW3erD772H66FGpmCdashJY9RR_tM9bUnICZ_2TCVl8AyJJoOY1VbtsDC2X-3BqCIFUskw/s1600/Vermeer_autograph.png"></a></div>
<br>
<div style="text-align: justify;" trbidi="on">
<span style="font-family: inherit;">Después de un largo parón retomamos, y lo hacemos casi en el mismo lugar en el que nos habíamos quedado. Si la manzana anterior estaba dedicada a <i>"La joven de la perla"</i>, una de las obras más conocidas de Johannes Vermeer, esta manzana va dedicada a él. Al creador de toda una serie de pinturas que nos deleitan y nos acercan a la vida holandesa del S.XVII. Sus obras, cómo las de otros, se constituyen en pieza clave, en un documento preciso de cómo eran las ciudades, los paisajes o la moda, y nos acercan a las tradiciones y los oficios que existían en los diferentes países y en diferentes momentos de la historia. Se nos antojan así, retazos deliciosos, por los que viajar a través del tiempo. Su contemplación, nos aporta una gran cantidad de datos, también plásticos, y deleita nuestros sentidos. </span><br>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<br>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjizW8rHMMXIXFg2rRoJjL-S13zHbuf5HOTQzauAQuq2FHret4_AYI96N5w5Jkjg_2VOe0GKJQMYyuuBfjTesiV3GapxGZuCIONIGMX-9ua3vCZvSbRQ_BoObXVmtyzxofkoRh7BoXVZA/s1600/blogger-image--423464061.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="534" data-original-width="640" height="267" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjizW8rHMMXIXFg2rRoJjL-S13zHbuf5HOTQzauAQuq2FHret4_AYI96N5w5Jkjg_2VOe0GKJQMYyuuBfjTesiV3GapxGZuCIONIGMX-9ua3vCZvSbRQ_BoObXVmtyzxofkoRh7BoXVZA/s320/blogger-image--423464061.jpg" width="320"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;">"Vista de Delft" (1660-1)<br>
<i style="font-size: 12.8px;">Johannes Vermeer</i><br>
<span style="font-size: 12.8px;">Mauritshuis (La Haya)</span><br>
<div>
<span style="font-size: 12.8px;"><br></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div style="text-align: justify;" trbidi="on">
<span style="font-family: inherit;">El pintor de "la luz holandesa", lo es también de las escenas serenas, equilibradas, congeladas en el tiempo, elegantes y armoniosas, de colores delicados y sensuales, que nos aportan calma y nos trasmiten la sensación del placer que le producía a Vermeer pintar. Su pintura se detiene en detalles cotidianos como los desconchones de una pared, que le encumbran cómo uno de los grandes artistas. Uniéndose la cotidianidad al realismo. El detallismo, característico de la obra de nuestro pintor, no tiene tanto que ver con la minuciosidad propia del estilo flamenco y heredado del arte de la miniatura, sino más bien, está relacionada con lo descriptivo. </span></div><div style="text-align: justify;" trbidi="on"><span style="font-family: inherit;"><br></span></div><div style="text-align: justify;" trbidi="on"><span style="font-family: inherit;">Entre todos los temas que abordó, nos mostró con absoluta
delicadeza, el de la pintura de género, algo usual en la Europa barroca. Y así,
nos ha legado bellas muestras de interiores burgueses en obras como <i>"El
geógrafo" (1668), </i>y también de otros más
humildes como nos muestra en "<i style="font-family: inherit;">La
lechera"</i> (1658). Tanto una como otra, comparten las características propias de los pintores del norte de Europa, tales como el
detallismo, la minuciosidad o la búsqueda de las calidades, junto con las habituales de nuestro
pintor: la delicadeza, la utilización del apreciado azul ultramar y la captación de la luz blanquecina, que algunos estudiosos, relacionan con la pintura veneciana. Y aunque su obra, está
caracterizada por ser protagonizada por mujeres, en el caso de <i style="font-family: inherit;">"El geógrafo", </i>introduce
una novedad. Por primera vez, el protagonista absoluto es un hombre. Observando
otras obras como "<i>La lección de música"</i> (h.1660),
apreciamos como también aparecen caballeros que acompañan a las damas, pero estos son eso, un mero acompañamiento y apoyo a la escena y
a la temática. En este caso, el hombre aparece solo, concentrándose en él toda
la importancia, representando el tema del sabio. Un tema muy
característico de la Europa del norte. Que las protagonistas habituales fueran
mujeres, podría tener que ver con el tema a tratar. </span><br>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<br>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-left: 1em;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguXvDMN2SOalreWrqWQ_5C9fA-GNdc5_M9BhHuwO4xh_kkbDgTsqVeNwkGwzpux_RM_niT9CJVzFJ4DgrblMZMLxX3_FWj0paYzolEq7Nw9777sdTH3QOWg4frf0MyTvEeWbq32Dub3Q/s1600/n_geografovermeer.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="750" data-original-width="599" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguXvDMN2SOalreWrqWQ_5C9fA-GNdc5_M9BhHuwO4xh_kkbDgTsqVeNwkGwzpux_RM_niT9CJVzFJ4DgrblMZMLxX3_FWj0paYzolEq7Nw9777sdTH3QOWg4frf0MyTvEeWbq32Dub3Q/s320/n_geografovermeer.jpg" width="255"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px; text-align: center;">"El geógrafo" (1668-9)<br>
Johannes Vermeer.<br>
<div>
<br></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<span style="font-family: inherit;"><br></span>
<br>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivetIdGrJI2iG7kPFdOG8CUYsfVoJxblv8VBBDx4k233DeH3XlvTl2_yuUFZtfOx1WPkZx_Di5oZOlc-btITERmY2p5T_gI94_LN1WIzL_c_IIH8QPW4iMdzXSDJQHSQJd9cGv003y2A/s1600/LA-LECCION-DE-MUSICA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1499" data-original-width="1305" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivetIdGrJI2iG7kPFdOG8CUYsfVoJxblv8VBBDx4k233DeH3XlvTl2_yuUFZtfOx1WPkZx_Di5oZOlc-btITERmY2p5T_gI94_LN1WIzL_c_IIH8QPW4iMdzXSDJQHSQJd9cGv003y2A/s320/LA-LECCION-DE-MUSICA.jpg" width="278"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;"><i>"La lección de música" (c.1660)</i><br>
<i>Johannes Vermeer.</i><br>
Palacio de Buckingham (Londres)<br>
<div>
<br></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<br>
<span style="font-family: inherit;">Los temas de género
mostraban el día a día, rutinas que en aquella época, eran más propias de las
mujeres. Los hombres realizaban sus quehaceres fuera de la misma, podían estar
en el campo, en una herrería, etc. Aunque hay varias excepciones, por ejemplo,
los pintores, que aparecen en sus talleres, como en <i>"El arte de la pintura"</i> (1666).
Aún así, la protagonista sigue siendo una mujer, en este caso la Musa Clío, que
hace de modelo para un pintor que nos da la espalda y que posiblemente sea el
propio Vermeer. Según algunas hipótesis esta obra de gran formato, fue
realizada para el Gremio de artistas de San Lucas, en donde Vermeer ocuparía el
cargo de presidente entre 1663 y 1670. Este hecho estaría reforzado por los
diferentes elementos, alegorías y simbolismo que aparecen en el lienzo. Clío
está caracterizada siguiendo el modelo que, Cesare Ripa, describe en "Iconología" (ambos, libro y artista, son fundamentales para todos
aquellos que hemos estudiado Historia del Arte), su cabeza aparece cubierta con
una corona de laurel, con su mano derecha sostiene una trompeta, mientras que
el brazo izquierdo soporta un enorme libro. Clío es la musa de la Historia, así
que alguno de vosotros os puede surgir la duda de ¿por qué Vermeer, para
hablar del arte de la pintura, lo personifica en la musa de la Historia?
Siguiendo la teoría del arte clásico, la historia estaría en la base de la
creación pictórica. Si seguimos analizando los elementos que aparecen en la
obra, y que formarían un bodegón, una temática muy característica de los Países Bajos, encima de la mesa observamos un vaciado de escayola, que representaría la
escultura, un libro que se relacionaría con el arte de la impresión o incluso
con la arquitectura, un cuaderno en relación con el diseño y unas telas con la
tapicería, tan característica de los Países Bajos. Otros estudiosos, en cambio,
relacionan estos objetos con los atributos de las hermanas de Clío: Thalía
estaría representada a través de la máscara (aunque en este caso no es tal
máscara, sino como he apuntado antes un vaciado de escayola), el cuaderno con
Euterpe, la musa de la música y Polimnia con el libro de lo cual se presupone
que este representaría la poesía, ya que Polimnia era su musa. Si tomamos la
idea de la escultura y la arquitectura, estarían representadas las tres artes. </span><br>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwfHFGvD_Q0XxsEimDwEkdSERosbY17zxhdNX6h6DOxbVQYMFfa6pcL9oUiqMdeDIXBOX0zhCJiCLWkAEgMb0R1GHxhkRX_rx4NGzDG_EXnwI6ZS6BOU2lY2O8se5BKqnSU0RcDohGHA/s1600/II%252C72.gif" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="346" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwfHFGvD_Q0XxsEimDwEkdSERosbY17zxhdNX6h6DOxbVQYMFfa6pcL9oUiqMdeDIXBOX0zhCJiCLWkAEgMb0R1GHxhkRX_rx4NGzDG_EXnwI6ZS6BOU2lY2O8se5BKqnSU0RcDohGHA/s400/II%252C72.gif" width="230"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Iconología" (S.XVI)<br>Cesare Ripa</i></td></tr>
</tbody></table>
<br>
<span style="font-family: inherit;">No sabemos si Vermeer pintaría este lienzo para el Gremio, ya que aparece en su
inventario de bienes, pero además fue tanto el cariño que profesó a esta obra que la colgó en la entrada de su
taller cómo una forma de mostrar su gran profesionalidad, por ello, se cree que
el interior representaría su propio obrador. Lo que sí sabemos, es que gozó de una
gran fama y popularidad, fue tan admirado, que a
la muerte del pintor, su viuda trató de evitar, sin éxito, que cayese en manos de los
acreedores. Tanta es la fascinación que ejercía este lienzo, que hasta el mismo
Hitler quisó adueñarse de él. Cuando los nazis comienzan la
"recolección", o más bien expolio, de aquellas obras destinadas a
formar parte del museo que Hitler pretendía crear en Linz, su ciudad natal,
enseguida depositaron sus deseos en la adquisición de "<i style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">El arte de la pintura". </i>La compra
se produjo, bajo amenaza de su propietario, el cual fue obligado a venderle por
un precio más bajo del solicitado, so pena de ser llevado a un campo de
concentración. Esta obra, fue una de las más de 7.000 que recuperaron los Monuments
Men, al final de la Segunda Guerra Mundial, de una mina de sal en Altaussee
(Austria). La obra no fue devuelta a su legítimo propietario, como sucedería
con otras, sino que los Estados Unidos la restituyeron al estado austriaco,
presuponiendo que la venta había sido voluntaria y sin coacción (¿ingenuidad?).
Su dueño, el Conde Czernin, reclamaría su propiedad alegando la falta de
voluntad en su venta. En la actualidad se puede contemplar en el
Kunsthistorisches Museum de Viena. Otros elementos que destacan en ella, es el
preciosismo del cortinaje que parece introducirnos en una escena teatral, un
elemento muy propio del andamiaje escénico barroco. Y también la línea de
horizonte situada en la parte baja del mapa que representa Holanda. Una línea
de horizonte demasiado baja, lo que hace suponer que Vermeer le pintó sentado,
tal y como aparece el pintor del lienzo. Y junto a ello, el punto de fuga que ayuda a
crear la perspectiva, y que se encuentra descentrado. Algunas hipótesis apuntan
que para crear la profundidad de esta obra, se sirvió de hilos que se cosían en
el lienzo y que convergerían en el punto de fuga.</span><br>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<br></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1yFIixUk6jsH0gYoSYhUnPv6wB6YT66RK9laFkLVEEYSFNgN_PNgrzeZ4uPk3gmsjhGSncGp1MHvtmUKWRMOXssaJg2rp_cWP95elBfGsPeDiXGvMvRdQiwA5NWecYRwCSmFarhNT3A/s1600/gallery_388.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="800" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1yFIixUk6jsH0gYoSYhUnPv6wB6YT66RK9laFkLVEEYSFNgN_PNgrzeZ4uPk3gmsjhGSncGp1MHvtmUKWRMOXssaJg2rp_cWP95elBfGsPeDiXGvMvRdQiwA5NWecYRwCSmFarhNT3A/s320/gallery_388.jpg" width="320"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>El arte de la pintura (h.1666)<br>Johannes Vermeer<br>Kunsthistorisches Museum Wien</i>.</td></tr>
</tbody></table>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-family: inherit;">Si en </span><i style="font-family: inherit;">"La joven de la perla"</i><span style="font-family: inherit;">, o de otros
retratos, es ella quién nos busca con la mirada introduciéndonos en su espacio,
en el caso de las obras de género, somos nosotros los que nos introducimos en
el cuadro por voluntad propia, sorprendiendo al personaje o personajes
representados en la escena. La atmósfera, queda suspendida en el tiempo. Se
detiene en ese preciso instante para mostrarnos una actividad. Vermeer no nos
narra una historia, solo nos muestra una escena íntima. Así, conseguimos
detenernos en los detalles, estudiando minuciosamente la obra. Obras que en
muchos casos siguen un esquema más o menos invariable en cuanto a la
composición. La aparición de uno o a lo máximo dos personajes, uno es el
principal y el otro, como decía antes, le sirve de apoyo. Siempre aparece una
ventana a la izquierda por donde entra la luz, algo muy propio de los
primitivos pintores flamencos, recordemos las obras de Van Eyck o Robert
Campin. La aparición de esta ventana ha servido para argumentar la utilización
de la cámara oscura, antecedente de la cámara fotográfica, para crear la
perspectiva. Parece que Vermeer tenía problemas para crear la profundidad de
una forma natural, sin la utilización de este artilugio. A su favor diré, que Van Eyck, desarrolló la perspectiva aérea a través
de la utilización de veladuras sin la necesidad de la cámara oscura, y en sus
obras, también vemos una ventana que ayuda a crear profundidad y a ampliar la
estancia en la que se ubican las escenas. Pero a diferencia de los primitivos
flamencos, a través de las ventanas de Vermeer, no observamos ningún paisaje,
no refleja el exterior en el interior. Sus ventanas están entornadas o
cerradas, y en ocasiones, cómo en "</span><i style="font-family: inherit;">El arte de la pintura"</i><span style="font-family: inherit;">, ni
siquiera vemos la ventana, solo la intuimos mediante la luz que se filtra. Para
buscar la perspectiva se sirve además de las baldosas del suelo, que adquieren
forma romboidal, en las que mezcla dos colores, blanco y negro. También a la
izquierda, normalmente, sitúa al personaje, el cuál o bien mira hacia la
ventana o hacia el objeto que le caracteriza (globo terráqueo, lechera, carta
marina, etc). Al fondo, una pared de la que cuelgan objetos, que de nuevo, nos
dan pistas del tema de la obra. Y un elemento más es propio de su obra, la
soledad del protagonista al cual representa de cuerpo entero, remarcando de
nuevo la intimidad del momento y la dimensión humana que trasciende en todas
sus obras.</span></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-family: inherit;"><br></span></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-family: inherit;"><br></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWrIYDySQkgZKhPU-4s111dUJKnwhNAUuTImoSrhuzZwiGNBpAahg-Sw_57-zl8U0MNAAsmL082u3Q8zyNVbbUXJnSg4KbVyjegAN3bAXrVuXruHZFFi76OFFwOqY5me9fK0cZ81h6pg/s1600/1-herr-und-dame-beim-wein.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="279" data-original-width="176" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWrIYDySQkgZKhPU-4s111dUJKnwhNAUuTImoSrhuzZwiGNBpAahg-Sw_57-zl8U0MNAAsmL082u3Q8zyNVbbUXJnSg4KbVyjegAN3bAXrVuXruHZFFi76OFFwOqY5me9fK0cZ81h6pg/s1600/1-herr-und-dame-beim-wein.jpg"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div style="font-size: 12.8px;">
<i>"La lección de música" (c.1660)</i></div>
<div style="font-size: 12.8px;">
<i>(detalle)</i></div>
<div style="font-size: 12.8px;">
<i>Johannes Vermeer.</i></div>
<div style="font-size: 12.8px;">
<i>Palacio de Buckingham (Londres)</i></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<br></div>
</div>
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: left;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: inherit; text-align: justify;"><span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">Si las pinturas de género nos fascinan por su delicada belleza, </span><i>"La callejuela" </i><span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">lo hace por su misterio. Si tuviese que destacar un solo rasgo, sería el de la atemporalidad de la escena. De esta obra, que me fascina, me llama la atención el encuadre elegido, ya que no nos muestra un edificio completo o una vista más amplia de una calle de Delft. A esto añadiría la perspectiva utilizada, bastante extraña, ya que el punto de fuga, ligeramente descentrado en cuanto a la composición, situado en la parte alta del edifico del fondo, está demasiado bajo y aporta un escaso recorrido, en referencia al edificio que tenemos en primer plano, un edificio demasiado alto, lo cual visualmente acorta la profundidad. Pero también me atrae el uso de la diagonal que corta la obra en dos mitades, cuando lo más habitual sería que esa diagonal formase un escorzo, el cual ayudaría a conseguir la profundidad. Y por último, el tema: una callejuela... Me parece completamente fascinante. </span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: inherit; text-align: justify;"><span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: inherit; text-align: justify;"><span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">¿Qué opináis vosotros de "La callejuela"?</span></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0); text-align: justify;">
</span>
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0); text-align: justify;"><br></span>
</span></div>
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0); text-align: justify;"><br></span>
<br>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjx1f5PijBXj3SXR_iILbUYV5cnHWA-5rjxla4EfFt27u0EV2J9Efw7nmhyphenhyphenlP9e0pbKQYXbKzUT-go4bBjhadoe68hyphenhyphenp4lXB_kCIHEBxKyw7xd82I5ui8wnQ_cfzOjakRtlJRO_nJ5Vg/s640/blogger-image-1278585987.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjx1f5PijBXj3SXR_iILbUYV5cnHWA-5rjxla4EfFt27u0EV2J9Efw7nmhyphenhyphenlP9e0pbKQYXbKzUT-go4bBjhadoe68hyphenhyphenp4lXB_kCIHEBxKyw7xd82I5ui8wnQ_cfzOjakRtlJRO_nJ5Vg/s400/blogger-image-1278585987.jpg" width="322"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px; text-align: center;"><span style="font-size: 12.8px;"><i>"La callejuela" (ca. 1658)</i><br><span style="font-size: 12.8px;"><i>Johannes Vermeer.</i><br>Rijksmuseum (Ámsterdam)</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0); text-align: justify;"></span>
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0); text-align: justify;"><br></span>
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0); text-align: justify;"></span><br>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<br>
<div>
<br>
<div style="text-align: justify;">
</div>
</div>
</div>
</div>
Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-9421539738096648822018-06-06T13:21:00.004+02:002018-11-28T12:15:12.362+01:00Mike Parr se entierra en el festival Dark Mofo.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: justify;">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjflreRNtjJvC5zcMm3VTgGqilgYzHsMxnB9C9iGk2ysyW85fFO9MIbltWUNbXAilDvX2oSjHC8DVt5-kvA-ydU4EWzveByRQz2PzJsUQoJ_nSi1f5xrDlvM2jGY-vl_2HgmTfEYGOtiA/s1600/Dark-Mofo-3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="967" data-original-width="1600" height="241" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjflreRNtjJvC5zcMm3VTgGqilgYzHsMxnB9C9iGk2ysyW85fFO9MIbltWUNbXAilDvX2oSjHC8DVt5-kvA-ydU4EWzveByRQz2PzJsUQoJ_nSi1f5xrDlvM2jGY-vl_2HgmTfEYGOtiA/s400/Dark-Mofo-3.jpg" width="400" /></a></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both;">
</div>
<br /></div>
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Hace unos meses dediqué una de las manzanas al Museum of Old and Modern Art (MONA) de Tasmania. El museo me atrajo nada más conocer su existencia, por lo que ya os expliqué. El <a href="https://lamanzanadeladiscordiarte.blogspot.com/2018/02/el-mona-un-museo-al-otro-lado-de-mi.html" target="_blank">MO<span id="goog_1040380076"></span><span id="goog_1040380077"></span>N<span id="goog_1040380072"></span><span id="goog_1040380073"></span>A</a>, fue inaugurado en el marco de un festival, creado por los propios artífices del museo, llamado Dark Mofo, con el cual se da inicio al solsticio de invierno, en el hemisferio sur, el 21 de junio. Podíamos hablar de un tandem. Un festival, que al igual que el museo, profundiza en el arte más actual y contemporáneo, buscando profundizar en la antropología tasmana, investigando, como, a través de acciones de performances, se puede relacionar, la mitología y cultura aborigen, en parte desaparecida, con la actual, importada e impuesta en los procesos de colonialismo. Así como los rituales ligados a la naturaleza y a la religión. La idea de la ritualidad, que subyace en todos estos procesos, quizá haya hecho, que el símbolo elegido por el festival como marca, sea una cruz sobre un fondo rojo. Entendamos la cruz como símbolo universal y uno de los más antiguos utilizados por el hombre. ¿Y el rojo? ¿Puede significar la sangre derramada en los procesos colonizadores?
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJL3-NTKKcOsSSqJ-VFyCzyaTeqyiUjWLw8cW_2r1e1M5EcII6iqa0pb3RNiD03gCaDvz-nH0buxgo0TGbX_8GqKAyl8SzBVe1neI6T8SjIFj7fLULyjbKb2LtVyh4UfjL-AJYUc_oSw/s1600/darkmofo-2018.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="630" data-original-width="1200" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJL3-NTKKcOsSSqJ-VFyCzyaTeqyiUjWLw8cW_2r1e1M5EcII6iqa0pb3RNiD03gCaDvz-nH0buxgo0TGbX_8GqKAyl8SzBVe1neI6T8SjIFj7fLULyjbKb2LtVyh4UfjL-AJYUc_oSw/s320/darkmofo-2018.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
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<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Un festival, que salvando las distancias, me recuerda a los Museos de Sitio, donde se profundiza en la comunidad, en sus valores, en sus raíces o en su forma de expresarse, y en los que la población y el territorio juegan un papel determinante. Un festival con diferentes actividades que a mí se me antoja genial, y que todos los que disfrutamos del arte, </span><span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">deberíamos vivir en algún momento de nuestras vidas. Pero no solo eso, Dark Mofo implica a todos aquellos que quieran, no solo como espectadores, también como parte del espectáculo. Los negocios locales, el aeropuerto, diferentes edificios y monumentos, así como el majestuoso Puente Tasman, se han teñido de rojo. Además han puesto en marcha un concurso fotográfico, "A Paint the Town Red", en el que todos aquellos que quieran, podrán participar tomando imágenes creativas de los escaparates, bebidas o de la iluminación, y subirlas a la red hasta el 25 de junio. Todo un espectáculo participativo que involucra a una comunidad entera. En la entrada dedicada al MONA, os decía, como el museo ha logrado algo que deberían aplicarse otros museos, y es involucrarse tanto en el lugar en el que está establecido, que aunque las colecciones no tengan nada que ver con la ciudad o con la isla, los ciudadanos lo reconocen cómo algo propio, sintiéndose orgullosos de él. Este es el gran triunfo de un museo, el de vivir volcado en la ciudad, y no el de vivir al margen de ella y de sus habitantes. Y Dark Mofo, como parte de la institución museística, se proyecta en esta misma línea. </span><br />
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">Desde que supe de la existencia del MONA y profundicé en el museo y en cómo surgió, también me interesó este festival. Desde entonces, sigo sus preliminares y espero ansiosa poder ver a través de la red, cómo se desarrollará. Y en este seguimiento, descubrí al artista estrella del festival por tercer año consecutivo, Mike Parr. De nuevo, quedé aún más fascinada, y sorprendida gratamente, de cómo en determinados lugares se llevan a cabo actuaciones novedosas, actuales, transgresoras e impactantes, pero desde el respeto y desde la creatividad, y no desde la simple provocación y manipulación del arte y del público. Ejemplos de manipulación hay muchos, todos hemos visto exposiciones en las que los objetos nos hacen plantearnos preguntas como ¿qué es el arte? o ¿esto es arte? Mucha de la mala publicidad que tienen las producciones artísticas de nuestro tiempo, se debe a objetos que no tienen ninguna base creativa o artística. Al ver este tipo de objetos nos decepcionamos y, consecuentemente, se produce un rechazo, casi generalizado, del arte más actual. Los museos, las salas de exposiciones o las galerías, deberían hacer exhibiciones paralelas, que muestren lo que no es arte, y así educar al público en el aprecio hacia el arte de nuestro tiempo, el que nos representa y el que nos caracterizará y que su máximo objetivo no es solo la producción, sino sobre todo, enseñar valores que no tienen que ser solo culturales. </span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFxU3brLKWiYaDhOU-A_B7lWtIn5EsuGVTXNvL2Bq98NRFGVr5CnUjs_4o_Q-iXzGQNln9kCbLP_ATliL_0WGDD1xly3voLXkXI3Niq08dSwN1lCK846BBoHtLSy7ccYcuQx6JkBy3JA/s1600/fce6a5f9a33b3bd66b71380fe7925c30.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="860" height="223" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFxU3brLKWiYaDhOU-A_B7lWtIn5EsuGVTXNvL2Bq98NRFGVr5CnUjs_4o_Q-iXzGQNln9kCbLP_ATliL_0WGDD1xly3voLXkXI3Niq08dSwN1lCK846BBoHtLSy7ccYcuQx6JkBy3JA/s320/fce6a5f9a33b3bd66b71380fe7925c30.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">Así que, cuando me enfrento a artistas como Marina Abramovic o Mike Parr, e investigo su trayectoria y su obra, vuelvo a emocionarme, al saber, que sí existe un verdadero arte que nos define, que es propio de nuestro tiempo, que es serio, transgresor, reivindicativo, con obras que profundizan en valores globales a través de diferentes formas plásticas muy cuidadas, tal y como siempre ha hecho el verdadero arte. Obras que tienen alma, que sugieren y provocan sensaciones. Y vuelvo a disfrutar de un arte, el contemporáneo, que me fascina y me atrapa, y que a veces, me hace divagar en exceso, pero con el que disfruto enormemente. Por lo tanto, hoy, la manzana, está dedicada a Mike Parr y a la actuación de performance, que llevará a cabo en el marco del festival Dark Mofo. Una performance que ya desde hace días, se ha puesto en marcha. Aunque, la verdadera acción, se desarrollará entre los días 14 y 17 de junio en Hobart. </span><br />
<span style="-webkit-text-size-adjust: auto; background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span></div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPevORPppnIHTTxcr2qi5cf32mb7qoQhNAmz6r7E-PrvC-j4_jrbnHl3sfGvD3DuachjypeYBffjzDmKcAXuSmRODHxs870mS6okYdDWrPDK7VBvh6YCuPbiF6zut0mCyUoXw1M3oxtg/s1600/MPFL_Aussie.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="800" height="256" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPevORPppnIHTTxcr2qi5cf32mb7qoQhNAmz6r7E-PrvC-j4_jrbnHl3sfGvD3DuachjypeYBffjzDmKcAXuSmRODHxs870mS6okYdDWrPDK7VBvh6YCuPbiF6zut0mCyUoXw1M3oxtg/s320/MPFL_Aussie.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Mike Parr(1946)</td></tr>
</tbody></table>
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<span style="-webkit-text-size-adjust: auto;">Pero ¿quién es este artista? Mike Parr (1945) nació en Queensland, Australia, convirtiéndose en uno de los máximos representantes del conceptualismo australiano. Es un artista multidisciplinar, que a partir de los años 70, del siglo pasado, introdujo, cómo forma de expresión en su producción, las performances, influidas por el psicoanálisis de Viena. Por esta influencia del psicoanálisis, lo que busca a través de ellas, tal y como han hecho otros artistas de performance, es crear una catarsis en el espectador. Es decir, </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">a través de acciones altamente impactantes y sorpresivas, </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">se pretende producir en el espectador, y no en el artista, una liberación de emociones, que cómo norma general, suelen ser negativas. Esas emociones determinan nuestro comportamiento ante ese tipo de acciones. El objetivo último de la performance, por lo tanto, es el estudio de nuestro comportamiento. Si consideramos, de una forma inconsciente, si es correcto o no seguir viendo una acción que puede ser desagradable, estudiando así, nuestros límites. </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Cuanto más agresiva sea la acción, a través de la cuál se intenta transmitir un concepto, más impacto tendrá en el espectador. Y ese impacto es mayor, cuando como en el caso de Mike Parr, se juega con el auto maltrato y la violencia consciente, que genera dolor y que es expuesta durante horas o días de una forma repetitiva. Y así, en "<i>Malevich, un brazo político"</i>, se clavó a la pared el único brazo que tiene. El vídeo fue visualizado por más de 250.000 personas, durante las 30 horas que duró la performance. </span><br />
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje9skS1drjeqixGXSV_DhC5uXsw46RRofyy1qd7wmYTSRvySuHSaere7d8fG86WhmkdTj6T3WAajrjFE47Gr7xkeWvcAf83teQirp-lKBM6YtH1TFXDaEnZ2vJ6nuSS-O4y_bTAoldmQ/s1600/tumblr_o86oc89Kmq1qei3cco1_400.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="538" data-original-width="360" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje9skS1drjeqixGXSV_DhC5uXsw46RRofyy1qd7wmYTSRvySuHSaere7d8fG86WhmkdTj6T3WAajrjFE47Gr7xkeWvcAf83teQirp-lKBM6YtH1TFXDaEnZ2vJ6nuSS-O4y_bTAoldmQ/s320/tumblr_o86oc89Kmq1qei3cco1_400.jpg" width="214" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Malevich, un brazo político" (2003)</i></td></tr>
</tbody></table>
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<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span></div>
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<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">En un principio, sus performances </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">tenían el objetivo de denunciar diferentes conflictos armados, algo que tuvo que ver con la negativa de nuestro artista, de participar en la guerra vietnamita, pero esta orientación, se ha ido ampliando hacia otros términos. Parr trata de profundizar en los límites físicos del hombre, debido a que nació sin el brazo izquierdo. Pero los límites a los que él se refiere no son los impuestos, sino los autoinfringidos. </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Durante su infancia, la ausencia del brazo, como no podía ser de otra manera, le supuso un trauma, pero supo hacer, de esa debilidad, una fortaleza, convirtiéndose en el recurso que se hace patente en alguna de sus producciones. Pero no solo se ocupa de los límites físicos, también reivindica los derechos de los que no pueden hacerse oír, o a los que no quieren escuchar. </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Por ejemplo, en 2002, se cosió los </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">labios, los ojos y los oídos, solidarizándose con los refugiados de los centros de detención de Australia, en "<i>Closes the Concentration Camps". </i>Su obra trata de hacer visible los problemas a los que se han enfrentando los habitantes originarios de su país. Y en este sentido, gira la performance que podrá verse en unos días en la capital tasmana. </span><br />
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGTkIFYXxEP7_2ToM-HmsHS3qOae-u8DktNGmB24GCJEN-dtRfcfzIuAO8CwDDmMzi0Dftkl6a48nh1FyNtBuEJR-UcV-OXrg__e-IBfwslTnl0aEyil7gRRB-VEFKAODeJtOjwRjDng/s1600/Mike_Parr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="301" data-original-width="450" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGTkIFYXxEP7_2ToM-HmsHS3qOae-u8DktNGmB24GCJEN-dtRfcfzIuAO8CwDDmMzi0Dftkl6a48nh1FyNtBuEJR-UcV-OXrg__e-IBfwslTnl0aEyil7gRRB-VEFKAODeJtOjwRjDng/s320/Mike_Parr.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"Closes de Concentration Camps" (2002)</i></td></tr>
</tbody></table>
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<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">La acción titulada "<i>Underneath the bitumen the artist, </i>consiste en lo siguiente. En </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">una de las calles más céntricas de Hobart, en </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Macquarie street, frente al Ayuntamiento de la ciudad, se ha cavado una enorme zanja. </span><span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">En ella, se introducirá un gran contenedor acondicionado con tubos de respiración, un taburete para meditar, lapiceros para dibujar, ropa de cama, agua, pero no comida y un libro: <i>The fatal shore</i>, que narra la historia de la colonización de Australia. En su interior, Mike Parr, pasará 72 horas, del 14 al 17 de junio. Durante este tiempo, escribirá y dibujará todo aquello que le inspire el momento, y una vez transcurridas las 72 horas, abandonará la auto impuesta reclusión. El contenedor, realizado con acero australiano, y todo lo que contenga, será sellado y se volverá a echar grava sobre él, recobrando la carretera su aspecto natural, quedando sepultado para siempre como una especie de cápsula del tiempo. Durante la duración de la performance, la carretera seguirá utilizándose de una forma normal. Con esta acción, el artista quiere </span>denunciar el totalitarismo, que desde el S.XIX, han ejercido los países colonialistas de ese momento, y capitalistas y dominantes, de nuestro siglo. Pero sobre todo, quiere recordar, la desaparición de la población aborigen australiana por parte del colonialismo británico e irlandés. Siempre hablo del conceptualismo del arte contemporáneo, y aquí está muy bien definido a través de los símbolos utilizados. Hay varios. ¿Por qué elige ser enterrado y hacerlo bajo una carretera? La carretera es el símbolo del traslado de los convictos ingleses e irlandeses, durante la primera mitad del S.XIX, para repoblar esta parte del mundo. Y el enterramiento, simboliza la casi total desaparición de la población autóctona de Tasmania. Y ahora yo os pregunto ¿qué os parece el lugar elegido frente al Ayuntamiento? ¿Por qué elige esa ubicación? ¿Pensáis que ha sido el azar el que le ha llevado hasta allí? ¿o debido al significado de los elementos que convergen en esa calle, se ha escogido para ahondar en el mensaje, en el concepto? Por supuesto, la ubicación es parte destacada de esta performance, y el azar aquí no tiene nada que ver, ni tampoco que sea uno de los lugares más transitados. El Ayuntamiento es todo un símbolo de la imposición de esquemas, del dominio y gobierno que se ejerció sobre la población autóctona. Como vemos, las <span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0); text-align: left;">performances, se han convertido, en el mayor vehículo de expresión conceptual.</span><br />
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0); text-align: left;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9o92LKpf-UoKov9G1akbG3ULcWgTijXESzIlCj-ThIVnu_y-ZDTnqFEtxjtWHvY-Oztlow9acfLNiqQAvnNTTo46W0YJsv75lBpkt-BI6Rx4A0q5qcwvuSymsTCOowrMVRJHYVYO0KQ/s1600/9806234-3x2-340x227.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="227" data-original-width="340" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9o92LKpf-UoKov9G1akbG3ULcWgTijXESzIlCj-ThIVnu_y-ZDTnqFEtxjtWHvY-Oztlow9acfLNiqQAvnNTTo46W0YJsv75lBpkt-BI6Rx4A0q5qcwvuSymsTCOowrMVRJHYVYO0KQ/s320/9806234-3x2-340x227.jpg" width="320" /></a></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEji1vn9TaxnhVvSwNIJDU_p-su5z_BlU39XHJ9tCgF3dFbIUkeNyyfRbTKKoDEv896y6S9fLDX825MTPjtxRosfO2sOV7nR71YO9XCNTex8bZiDj7ltA23_-dRVOJrg9F2aWPXZDLE9rg/s1600/mike+parr.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="467" data-original-width="700" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEji1vn9TaxnhVvSwNIJDU_p-su5z_BlU39XHJ9tCgF3dFbIUkeNyyfRbTKKoDEv896y6S9fLDX825MTPjtxRosfO2sOV7nR71YO9XCNTex8bZiDj7ltA23_-dRVOJrg9F2aWPXZDLE9rg/s320/mike+parr.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Ni las acciones que se van a desarrollar, ni el festival, al igual que el museo y los propósitos de David Walsh, están exentos de polémica. Se le acusa de querer crear espectáculo con un único objetivo: el económico. Son muchos los que han reaccionado contra las performances que se han llevando a cabo durante estos años, acusándolas de agresivas, de demasiado sangrientas o carentes de objetivos culturales. Pero, como siempre, junto a los detractores, también existen los defensores. Y a un lado y a otro, se han posicionado los miembros del "Centro aborigen de Tasmania". Una parte de esa comunidad lo considera irrespetuoso y la otra, lo ve positivo, ya que puede concienciar sobre una parte de la historia, la denominada Guerra Negra, cargada de violencia y que supuso la desaparición de cientos de personas y de su propia idiosincrasia. Los que se posicionan en contra, abogan por la participación de la escasa población aborigen, para mostrar los efectos negativos que tuvo la ocupación de sus tierras, y como está afectando en la actualidad. Es un tema muy polémico, que sigue levantando heridas, al igual que sucede en otros países que fueron colonizados. El problema reside en ¿cómo se puede contar algo tan dramático, propio de tiempos pasados, sin herir a nadie?</span><br />
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="background-color: rgba(255 , 255 , 255 , 0); font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Sea como sea, lo que se percibe e</span>s un festival que no deja indiferente, y ahí es donde reside el interés. El arte tiene que ir más allá de la simple contemplación, tiene y debe crear polémica, remover conciencias, y hacer que nos planteemos preguntas como ¿qué significado tiene ahora la producción artística? ¿qué objetivos son los que se buscan? ¿el mensaje que trasmite es capaz de hacernos pensar? El arte, desde hace mucho tiempo es una herramienta social, su objetivo es plasmar lo que está sucediendo en el mundo, y esa es la parte que muchos espectadores no entienden.<br />
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Es lícito que el festival busque la rentabilidad económica, también la busca el teatro o el cine, al final, no deja de ser un espectáculo. Luego será la libertad y la sensibilidad de cada uno, la que haga elegir un tipo de actuación u otra. Aún así, por supuesto que no todo vale, yo no defiendo todo lo que puede hacerse desde Dark Mofo, ya que lo desconozco, no he tenido la oportunidad de verlo y por lo tanto valorarlo. Pero las iniciativas y la idea genérica me encanta, al igual que la actuación de Mike Parr. Lo considero un revulsivo genial para atraer al público a la ciudad e incluso a la isla. Son muchos los que esperan emocionados la llegada de este festival.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQa9u2rAraciiDQnWpOPL3oB1SnVeVe1_4gkgbjNnRyC1KyA_WSZQ7zYnsgamNXcQ_wp6WNGTfrI4MeUump025k3KvsBUqTRtU28kV0bb_Lza0TXJThkdpwynMFYBRFG__oEj6G25m2Q/s1600/30127428_1468491069940601_7348437022634547317_n.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="768" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQa9u2rAraciiDQnWpOPL3oB1SnVeVe1_4gkgbjNnRyC1KyA_WSZQ7zYnsgamNXcQ_wp6WNGTfrI4MeUump025k3KvsBUqTRtU28kV0bb_Lza0TXJThkdpwynMFYBRFG__oEj6G25m2Q/s320/30127428_1468491069940601_7348437022634547317_n.png" width="256" /></a></div>
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">El alcalde de la ciudad, en cambio, no ve con buenos ojos que esta acción se desarrolle en una calle tan transitada frente al Ayuntamiento, ya que afectará al tráfico, sobre todo el día en el que sea introducido en su cápsula del tiempo. Este rechazo parece más bien una excusa ¿Realmente lo único que le importa es el tráfico? ¿Es un argumento con suficiente peso? </span><br />
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);"><br /></span>
<span style="background-color: rgba(255, 255, 255, 0);">Toda esta polémica que se está generando, constituye en sí misma, una performance. De igual manera que antes he comentado, es una forma de estudiar la reacción del público, de los ciudadanos ante una acción, que ni siquiera ha empezado, pero que ya genera diferentes comportamientos. Y la duda es ¿cuántos de estos ciudadanos, que reaccionan de forma negativa, rechazando el festival, luego, por curiosidad, asistirán a la entrada de Mike Parr al contenedor? De nuevo, las reacciones de nuestro subconsciente, están en juego.</span><br />
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Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2912681475634121523.post-25730254934216361742018-05-25T18:54:00.005+02:002018-05-29T20:14:44.689+02:00La joven de la perla y otros retratos.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjcIuGUJj0YOQ0Ey2_PDb0mik0Hz3IBj__PHCkL8vozLP2mMn3KEXzxukfu6aFK2YQfk7WJ7hMDHmdFcD-I3h336KHlsHGaJsMguhUyKi7LIvdBrJb7rQc7BGTCJVaIN1bUjeMYToXgg/s1600/LA-JOVEN-DE-LA-PERLA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1197" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjcIuGUJj0YOQ0Ey2_PDb0mik0Hz3IBj__PHCkL8vozLP2mMn3KEXzxukfu6aFK2YQfk7WJ7hMDHmdFcD-I3h336KHlsHGaJsMguhUyKi7LIvdBrJb7rQc7BGTCJVaIN1bUjeMYToXgg/s320/LA-JOVEN-DE-LA-PERLA.jpg" width="267"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: 12.8px;"><i>"La joven de la perla" (1665)</i><br><i>Johannes Vermeer</i><br>Mauritshuis (La Haya)</span></td></tr>
</tbody></table>
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La Historia del Arte está llena de retratos. Imágenes, a través de las cuáles, hemos podido conocer el rostro de artistas, de reyes y reinas, de amantes del arte, de "donantes" y marchantes, de personajes de la iglesia, de burgueses y de un largo etc. Pero junto a estos, fácilmente reconocibles, existen otros, de los cuáles, desconocemos su nombre. Retratos inspiradores y atrayentes, con una belleza cargada de un gran misterio. Entre estos últimos se encuentra el de <i>"La joven de la perla"</i>. Un retrato que seguro todos conoceréis. El artífice de tan bella obra, no es otro que uno de los grandes, Johannes Vermeer. </div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUv_UhHLqantFfn98lfTSiuJja0NxYFFhjAUScmjxvFzgWetS-SIXWxE8ZCpMttNsVGIqPldNu09YPNFM0F5x8IfMpkkGLA2P6ywOV2_XSlRzBeQp0tgvyuH_oCi1BQLP1AOOS4DX4RA/s640/blogger-image--798874681.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUv_UhHLqantFfn98lfTSiuJja0NxYFFhjAUScmjxvFzgWetS-SIXWxE8ZCpMttNsVGIqPldNu09YPNFM0F5x8IfMpkkGLA2P6ywOV2_XSlRzBeQp0tgvyuH_oCi1BQLP1AOOS4DX4RA/s320/blogger-image--798874681.jpg" width="320"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Johannes Vermeer (1632-1675)</i></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div style="text-align: justify;">
El retrato, como género artístico, está presente en todas las etapas de la Historia del Arte. Durante la época romana hay un gran desarrollo que se aprecia, no solo en las esculturas, sino también en las monedas con un claro carácter propagandístico. No eran, en muchos de los casos y dependiendo de la época, retratos fidedignos, ya que durante el Imperio olvidan los rasgos personales de cada uno para buscar la idealización del Imperator con la que mostrar su grandeza. Siglos después, será el Renacimiento y el Barroco, los que hagan de él un género imprescindible. Los cambios sociales, el deseo de mostrar el poder, y los logros económicos de una burguesía muy pujante, harán que los personajes de las altas esferas, quieran tener el suyo propio, imitando a la realeza, para mostrar al mundo sus logros. Algunos pintores se dedicaron casi en exclusividad a este género, sobre todo los pintores de Corte, como el pintor flamenco Van Dyck o Sofonisba Anguisola, que retrató a Felipe II. Sus retratos destacan por la frescura, ya que, en ocasiones, sus modelos aparecían realizando tareas domésticas. Otros, como Rembrandt o Velázquez, lo alternaron con otras temáticas, destacando en todas ellas. Su genialidad era tal, que daba igual lo que pintaran, todo lo que tocaban lo convertían en excelso. Entre sus retratos más conocidos, en el caso de Rembrandt, destacan sus autorretratos que reflejan los cambios físicos por los que va pasando. En el de Velázquez, sobresale el del <i>"Papa Inocencio X", </i>por su magistral estudio psicológico. Vosotros me podéis argumentar que existe otro aún más famoso, es cierto, ¿todos sabéis cuál es? Velázquez no solo retrató al papado y a la monarquía, también a los enanos y bufones tan presentes en la España del seiscientos, y que a costa de sus deformidades, entretenían a una sociedad ociosa, la cual pensaba que cada hombre tenía un papel concreto que desempeñar en la vida.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxjX0Yn0RNjfBP4BpRcfSwtfP0IO_NeNASK-onDK1kdvBWLyLFDv1QnbEKGCjzJ9fVm3xa91u5jOXIQYfaeBGghAFSAkVmU1TUApYl0WM5d1Rbjjy5rCRpRSqI67Bku418VdtPCEiHIA/s1600/1661.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1321" data-original-width="1100" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxjX0Yn0RNjfBP4BpRcfSwtfP0IO_NeNASK-onDK1kdvBWLyLFDv1QnbEKGCjzJ9fVm3xa91u5jOXIQYfaeBGghAFSAkVmU1TUApYl0WM5d1Rbjjy5rCRpRSqI67Bku418VdtPCEiHIA/s320/1661.jpg" width="266"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Autorretrato de Rembrandt van Rijn (1661).</i></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div style="text-align: justify;">
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjw87U8jBsgkfExRieEEumnxoQVbxtv1ZNeNABOuYuzhTJJT1h3YbPwM-aPFis4shukQ1tAghtOSC4WgS-lisi97lqx0ntBF70JuJy43N0tPZVL9aop8n8CF5ci3l0isCwMdvV0J0A9mg/s1600/88712b13-d689-4966-beda-60aa03f13f2c.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1237" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjw87U8jBsgkfExRieEEumnxoQVbxtv1ZNeNABOuYuzhTJJT1h3YbPwM-aPFis4shukQ1tAghtOSC4WgS-lisi97lqx0ntBF70JuJy43N0tPZVL9aop8n8CF5ci3l0isCwMdvV0J0A9mg/s200/88712b13-d689-4966-beda-60aa03f13f2c.jpg" width="154"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px; text-align: center;">"<i>El Niño de Vallecas" (1635-45).</i><br>
<i>Diego Velázquez.</i><br>
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Museo del Prado (Madrid)</div>
</td></tr>
</tbody></table>
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Con la llegada, en el hemisferio norte, del verano, las ganas de viajar se acrecientan. Si aún no tenéis un buen plan, podéis acercaros hasta los Países Bajos, concretamente hasta La Haya y visitar el Mauritshuis. Allí encontraréis obras maestras de Vermeer, del genial Rembrandt como la "Lección de anatomía" o su propio retrato, de Franz Hals, Clara Peeters, Rubens o Van der Wyden, entre muchos otros. Todos ellos, grandes maestros de la pintura <span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">flamenca, renacentista y barroca, que hicieron avanzar el arte. Y allí podéis contemplar y disfrutar de la joya del museo, y protagonista de esta nueva manzana: </span><i style="font-family: 'Helvetica Neue Light', HelveticaNeue-Light, helvetica, arial, sans-serif;">"La joven de la perla".</i><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"> Una joven vestida con un exótico traje que envuelve su cabello en un turbante azul ultramar. Su rostro se gira para mirarnos. Sus ojos vívidos y llenos de misterio, nos interrogan. Su belleza se completa con un pendiente de perla en forma de lágrima que emite destellos y reflejos. Si os fijáis, </span><span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">el pendiente es excesivamente grande, convirtiéndose en foco de atracción para nuestros ojos. Pero al mismo tiempo, hay una confrontación con otros dos elementos: el delicado rostro de la muchacha que busca el contacto visual con el espectador y el preciosismo del azul del turbante. Tres elementos creados de una forma magistral con un elemento en común: la captación de la luz. Una luz blanquecina que caracteriza a su creador, y que también están presentes, en sus labios húmedos, así como en su rostro. Luz que le ha valido, el sobrenombre del pintor de "la luz holandesa".</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeGqHFHrJBItGNB4z0cs2zL35v1wiYbbTcRjAfhgveEHiF0DLZ4tX_TMbsUecpJXDybbSRSuHa3ajqRZ-AFCf2tX4zulnK5_INZwe7R3DIVM2BFXxamZnfl51ZI1HRX0JMwWfKQP9seQ/s1600/boca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="264" data-original-width="391" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeGqHFHrJBItGNB4z0cs2zL35v1wiYbbTcRjAfhgveEHiF0DLZ4tX_TMbsUecpJXDybbSRSuHa3ajqRZ-AFCf2tX4zulnK5_INZwe7R3DIVM2BFXxamZnfl51ZI1HRX0JMwWfKQP9seQ/s320/boca.jpg" width="320"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Detalle de "La joven de la perla"</i></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span></div>
<div style="text-align: justify;">
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En 1665 Johannes Vermeer pinta este lienzo en el que representa a una desconocida joven, de la que, ni siquiera en la actualidad, sabemos quién pudo ser, a pesar de las elucubraciones que existen. Sinceramente, viendo la obra, a mí no me interesa tanto saber quién fue y porqué la retrató, ya que su sola presencia lo llena todo. Es tan imponente y a la vez tan delicada, que cuando nos enfrentamos a ella solo podemos apreciar la calidad de los pigmentos, de la pincelada, del dibujo, de la intimidad que emana, y de una obra, en la que todos los elementos se unen y se relacionan buscando la perfección. Los escasos colores se conjugan ofreciéndonos unas tonalidades que casan a la perfección con el rostro tierno de la muchacha. Pero no solo eso, juega con el nacarado del rostro evocando el material perlado del pendiente. Crea conexiones a través de muy pocos elementos, que lo que hacen, es potenciar aún más la sencillez de la retratada y de su belleza. Y en este sentido, se sirve también del fondo. En este caso, elige un fondo negro, sin referencias espaciales, haciendo que destaquen aún más los elementos antes citados, convirtiéndoles de nuevo, en foco de atracción. El objetivo es solo ella. Pero aunque saber quién pudo ser o qué relación guardaba con Vermeer, no sea lo más importante, si que se nos plantean otras dudas. ¿Por qué la retrata con un traje de marcado carácter oriental? ¿Qué significado tiene el pendiente y por qué de dimensiones tan grandes? ¿Qué pretendía al hacerle coprotagonista de la obra? ¿Por qué una perla? ¿Puede ser que utilice la perla haciendo referencia al Barroco? La palabra Barroco proviene de la portuguesa <i>barrueco</i> que hace alusión a una perla irregular, aunque en este caso tiene forma de lágrima. Vermeer no dejó cartas, ni documentos que nos den pistas sobre sus encargos o como transcurría su vida. Lo cual hace más difícil conocer datos sobre su historia y la de sus obras.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0a02LqbXVkf67ncA2nZ0DQaWYwOfvvxDHb_WJfaMmcKh3jgOA8uRgcYIWX_Pr0KyFbrzgU2qMsnoYIfRPWt8hYoSg1XrQ2W4sfRMifvQjZ5ekpqzByQt0A2MUaEe9pgGS7d6hlCbzIg/s1600/turbante.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1186" data-original-width="864" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0a02LqbXVkf67ncA2nZ0DQaWYwOfvvxDHb_WJfaMmcKh3jgOA8uRgcYIWX_Pr0KyFbrzgU2qMsnoYIfRPWt8hYoSg1XrQ2W4sfRMifvQjZ5ekpqzByQt0A2MUaEe9pgGS7d6hlCbzIg/s320/turbante.jpg" width="233"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i style="font-size: 12.8px;">Detalle de "La joven de la perla" (1665)</i></td></tr>
</tbody></table>
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Johannes Vermeer (1632-1675) comparte con esta obra, por lo tanto, una característica, la del enigma. Su vida es todavía hoy un misterio en muchos de sus puntos. Nació en 1632 en Delft, una preciosa ciudad holandesa de la que nunca salió, a excepción, de un viaje que hizo debido a un litigio. En la actualidad, la urbe sigue recordando al maestro, aunque en su época no dejó de ser un pintor más. Esto se aprecia, en las estrecheces económicas que pasaría a lo largo de su vida, a pesar de casarse con Catharina Bolmes, una mujer adinerada. Quizá, esta estrechez, se deba a la cantidad de hijos que tuvo, nada más y nada menos que once. A lo cual, se une la falta de encargos, y que estos partiesen de coleccionistas y mecenas locales, como Pieter van Ruijven. Su arte no salió de los límites de su ciudad y de la cercana La Haya, y eso, que Vermeer fue un importante miembro del gremio de pintores de San Lucas. Aún así, sus obras se vendían por una gran cantidad de dinero. Se le atribuyen, aproximadamente 45 obras, de las que sólo se conservan unas 30. En manos de la hija de Ruijven, y heredadas de su padre, se hallaron 20. Por ello, no se entiende muy bien, que no gozando de un estatus privilegiado, utilizase, tan habitualmente, el carísimo azul ultramar, el pigmento más costoso de los habidos en ese momento. Este azul, se obtenía al triturar una piedra semipreciosa: el lapislázuli, con un brillo irisado, que provenía de más allá del mar, de ahí el sobrenombre de ultramar. Una piedra, que fue característica de los faraones egipcios y que como pigmento, fue profusamente utilizado por los pintores del Trecento, como el Duccio o el Giotto en los frescos que decoran la Capilla Scrovegni (Padua), y del Quattrocento, como Fra Angelico. El color se utilizaba para simular el cielo o como fondo en el caso de el Giotto, pero también, como se aprecia en las Anunciaciones, era el color del manto de la Virgen.<br>
<br>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwg3Jjnx4xE0oTqkN4YpCmn5JySHsV-YLhedh7nzLZhZ2a61CSP_dPCS_zsfSG437GVrRfHGi1cmwQ_bKqleTNwZpyaNju7Dt8Yqh4822TcB_DDOHOroSawt8PlzIN8RaR19UNqO0EOg/s1600/gettyimages-470549206_789e1dcc.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1134" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwg3Jjnx4xE0oTqkN4YpCmn5JySHsV-YLhedh7nzLZhZ2a61CSP_dPCS_zsfSG437GVrRfHGi1cmwQ_bKqleTNwZpyaNju7Dt8Yqh4822TcB_DDOHOroSawt8PlzIN8RaR19UNqO0EOg/s320/gettyimages-470549206_789e1dcc.jpg" width="226"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Capilla Scrovegni (1302-1305)<br>El Giotto </td></tr>
</tbody></table>
<br></div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">Si bien hablamos de "La joven de la perla", como de un retrato, sería un error calificarle como tal. Realmente pertenece a un género llamado <i>tronie, </i>cuya traducción sería rostro, y que se desarrolla, durante el S.XVII, en Holanda. El <i>tronie </i>es una pequeña pintura de un personaje, que no tiene que ser real, por lo tanto no hablaríamos de retrato, ya que lo que se busca es mostrar la variedad de gestos. Son, en muchos de los casos, divertidos estudios gestuales<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">. La tipología más generalizada era la de busto o busto ligeramente alargado hasta los hombros, aunque podían llegar a extenderse hasta la cintura, es decir de medio cuerpo. Algunos de los autorretratos de Rembrandt se catalogan dentro de este subgénero, pero sobre todo destaca Franz Hals. Y entre los más difundidos, y que representan a la perfección lo que es un tronie, destaca <i>"El fumador"</i> de Joos Van Craesbeeck y los realizados por su maestro Adriaen Brouwer.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;"><br></span>
</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq472HvQF7tAW-URTa2onS9D1rqlNcc4yt5rfHdGP2tkwausXh_06_Lncyt9fnV22eVCongXI0M1GCDV4K782a-cSYfqeMdqmENTRBtnijL-GaF2JoultddUdg4f-24795YU30ynSqNw/s1600/Joos_van_Craesbeeck_-_The_Smoker.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1540" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq472HvQF7tAW-URTa2onS9D1rqlNcc4yt5rfHdGP2tkwausXh_06_Lncyt9fnV22eVCongXI0M1GCDV4K782a-cSYfqeMdqmENTRBtnijL-GaF2JoultddUdg4f-24795YU30ynSqNw/s320/Joos_van_Craesbeeck_-_The_Smoker.jpg" width="249"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"El fumador"<br>Joos Van Craesbeeck (1605-1660)</i></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<i><br></i>
</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZZu1eMYmRK6O_LZgmsxIg5qavP9WQhF-R0wRFAGxZA-EZkVx6S3y4b7-rDcEOOoMBn5lo1K4VGYZEu513UUdpbvr5PhJ-dScdITqbNMpuWZIV5itxkYoeVowX3bFzzD2bOy7wku__qg/s1600/200px-The_Bitter_Potion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="269" data-original-width="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZZu1eMYmRK6O_LZgmsxIg5qavP9WQhF-R0wRFAGxZA-EZkVx6S3y4b7-rDcEOOoMBn5lo1K4VGYZEu513UUdpbvr5PhJ-dScdITqbNMpuWZIV5itxkYoeVowX3bFzzD2bOy7wku__qg/s1600/200px-The_Bitter_Potion.jpg"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>"The bitter potion" (c.1635)<br>Adriaen Brouwer.</i></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: justify;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8_3-9lEaM7ITet2FE0q4ZNLut_QvHLpe96NZjkLf9RTwne9D5QHmqSx0NXH95fQ9v98Vhc3tx07iNQ1M_7HqsE-pdZCE8T_5loH6AMP7_ns6wI57ya1D8MFDgAUYFf8rQYS5DeQS1Qw/s1600/descarga.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="346" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8_3-9lEaM7ITet2FE0q4ZNLut_QvHLpe96NZjkLf9RTwne9D5QHmqSx0NXH95fQ9v98Vhc3tx07iNQ1M_7HqsE-pdZCE8T_5loH6AMP7_ns6wI57ya1D8MFDgAUYFf8rQYS5DeQS1Qw/s320/descarga.jpg" width="246"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Autorretrato de Rembradt<br>("Rembrandt riéndose")</i></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
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Pero Vermeer pintó más retratos, como el "<i>Retrato de una mujer joven"</i>. Los dos, el que nos ocupa y este, son obras de madurez y guardan muchas similitudes. Ambos se inscriben dentro del género de los tronies. Para la representación de las dos mujeres utiliza el tipo de busto ligeramente largo, de perfil y con el rostro girado tres cuartos hacia la izquierda, mirando al espectador. El retrato de tres cuartos, viene heredado de Jan Van Eyck, uno de los más destacados primitivos flamencos. Ambas llevan un tocado y un pendiente de perla en forma de lágrima. El fondo, como en la otra representación, es neutro, carece de referencias espaciales. Obvia la narratividad que nos podía proporcionar ubicarla en un ambiente concreto. De nuevo, el rostro, es iluminado por una luz que hace que resalte respecto al fondo, contrastando ambos elementos, y recortando la cara de la joven, que parece salir hacia nosotros. Ella también nos mira como buscando nuestra complicidad, pero en esta ocasión, parece sonreírnos muy tímidamente, mientras que la joven de la perla, con sus labios entreabiertos, parece querer entablar una conversación con el espectador. No todo son parecidos, hay diferencias, como la gama cromática utilizada, no aparece el azul ultramar, los colores son más apagados, más neutros y fríos. Pero como en el caso anterior, sirven para completar y ahondar en el gesto, en la delicada y tímida sonrisa que nos dedica la joven. En el caso anterior, el rostro destila más sensualidad y por ello, utiliza el azul ultramar, un color más atrayente, podíamos calificarle incluso de sensual, exótico por su origen y muy deseado. Características, todas ellas, aplicables al rostro de la joven. Pero hay un elemento más que profundiza en lo que nos quieren trasmitir una y otra. Ese elemento, es la actitud que adoptan las jóvenes. Mientras que la joven de la perla esta erguida, lo cual da sensación de seguridad, de aplomo, la otra joven parece que se repliega sobre ella misma, los hombros parecen estar adelantados y cerrados, un gesto que sirve para remarcar la timidez que emana del propio rostro. Vermeer es el creador de las escenas perfectas, en las cuales todos los elementos, los colores, las poses, las formas van hacia un único objetivo. No obstante, la sensación que tenemos al contemplar uno y otro, son totalmente diferentes. Mientras que "<i>La joven de la perla"</i> ejerce un gran poder de atracción y de preguntas sobre la joven que aparece representada, en el "<i>Retrato de mujer</i> <i>joven</i>" no existe ese poder de seducción. Es un rostro igualmente delicado, pero carece de la belleza e intriga que nos trasmite el otro.<br>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiF2P_0RMbqJdw02h2Atae0qd6_7nDcpIG-Xzva92JSmXqVKggIyowgcBmgiQHj0_9I8lGgCM7eYluz3PeGa1fzH35Ivyg5KLhjagsi5ZpzqhQvibx_yP3kDxwS2c6Sk_-u33Hd20TF5A/s1600/DP353256.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="625" data-original-width="558" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiF2P_0RMbqJdw02h2Atae0qd6_7nDcpIG-Xzva92JSmXqVKggIyowgcBmgiQHj0_9I8lGgCM7eYluz3PeGa1fzH35Ivyg5KLhjagsi5ZpzqhQvibx_yP3kDxwS2c6Sk_-u33Hd20TF5A/s320/DP353256.jpg" width="285"></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"Retrato de una mujer joven" (1665-7)<br>Johannes Vermeer.<br>The Metropolitan Museum of Art (Nueva York)</td></tr>
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<span style="font-family: "helvetica neue light" , , "helvetica" , "arial" , sans-serif;">Yo me declaro fan absoluta e incondicional de Johannes Vermeer, a pesar de reproducir modelos y esquemas en todas sus obras. Pero sus características, sobre todo el enorme detallismo y el estudio de las calidades, el color, junto a la delicada belleza, a lo liviano y a lo grácil, hacen que se convierta en uno de mis pintores favoritos. </span></div>
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El misterio que rodea a nuestra joven con pendiente, ha hecho que surjan libros y películas, que intentan acercarnos la historia de esta muchacha y a la supuesta relación con el pintor, algunos creen que era la hija del coleccionista antes citado. Y gracias al cine, Scarlett Johansson, se ha convertido en la nueva joven de la perla. Pero también, hay toda una variante de versiones en diferentes técnicas y con personajes muy conocidos tanto de la ficción como de otras obras. Así, Daisy, ha adoptado el característico turbante para convertirse en "Daisy de la perla". Pero también, la joven a la que Vermeer dió la inmortalidad, aparece compartiendo escenario con <i>La Mona Lisa</i> (por el misterio que rodea a la joven de Vermeer, se la pone en relación con esta obra de Leonardo, apodándola la Mona Lisa holandesa, término del que yo huyo), y con el hombre de<i> "El Grito"</i> de Munch. Los tres, con gestos muy actuales, se realizan un selfie, adaptándose a los nuevos tiempos. A mí, la versión que más me gusta, es la que os dejo aquí. Parece, que cansada de ser fotografiada una y otra vez, se toma la revancha para fotografiarnos a nosotros. Así que... ¡Sonríe!</div>
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Noelia Martínhttp://www.blogger.com/profile/10445730390905039620noreply@blogger.com0